Cine Om -Kick-Ass: Listo Para Machacar de Matthew Vaughn-

"Sin poderes.
Sin responsabilidades."

La prueba definitiva de que Mark Millar sabe vender una idea es la recién estrenada película Kick-Ass, basada en el cómic del mismo nombre del mencionado guionista escocés y del dibujante marvelita John Romita Jr., cuyos derechos fueron vendidos para adaptarse a la gran pantalla antes de que la historieta siquiera hubiese terminado de publicarse en Estados Unidos. Las beneficiarias del negocio fueron las productoras Marv Films y Plan B Entertainment, del director británico Matthew Vaughn y del actor Brad Pitt respectivamente, dos personajes que se habían conocido ya con anterioridad en Snatch: Cerdos y Diamantes de Guy Ritchie donde el director de Stardust trabajó también de productor. Mark Millar se encuentra encantado con este tipo de situaciones que le permiten codearse con el star system hollywoodense aunque ello suponga pasar por encima de su misma obra, con ya ocurrió con Wanted de Timur Bekmambetov, lo que nos deja la imagen de un guionista sin escrúpulos entregado a la fascinación que el vil metal ejerce sobre él. No parece ser una coincidencia que sus últimas obras parezcan más storyboards de películas por estrenar que cómics al uso siendo Kick-Ass una buena muestra de ello. Un cómic lleno de violencia, palabras obscenas y esa morbosa y gratuita, a menudo vacía, provocación que tanto gusta al guionista de The Ultimates o The Authority. Obras con un planteamiento cinematográfico en su estética y narrativa que dan como resultado un entretenimiento puro y duro de escasas pretensiones y que no lleva a engaño a nadie pues en todo momento ofrece lo que vende.


Kick-Ass, la película, es la historia de Dave Lizewski -interpretado por el casi desconocido Aaron Johnson- un estudiante común y corriente aficionado a los cómics de superhéroes que un buen día decide convertirse en uno de ellos a pesar de no tener superpoderes ni ninguna habilidad especial para combatir el crimen. Después de bautizarse como Kick-Ass el resultado de su primera incursión acabará con él en el hospital a pesar de lo cual no desistirá en su empeño de marcar la diferencia consiguiendo convertirse finalmente en todo un fenómeno en los medios de comunicación y en las redes sociales. Pero todo empezará a torcerse cuando aparezcan en el camino de nuestro aprendiz de héroe algunos imitadores de su trabajo algo más brutales y eficientes que él mismo, Hit Girl -una impresionante y violenta Chloë Moretz- y Big Daddy -un Nicolas Cage divirtiéndose a lo grande emulando a un apócrifo Batman-, que acabarán por arrastrar a Kick-Ass a su lucha personal contra la mafia local liderada por Frank D´Amico -un Mark Strong de nuevo en la piel del villano de turno después de su aparición en el Sherlock Holmes de Guy Ricthie- que intenta controlar los bajos fondos mientras lidia con su papel como marido y como padre de un hijo deseoso de seguir sus pasos -Christopher Mintz-Plasse el ya mítico McLovin de la comedia Supersalidos-. En definitiva una historia "sin responsabilidades" y "sin poderes" como rezan algunos de los pósters publicitarios del estreno de Kick-Ass en nuestro país.

El caso es que Matthew Vaughn ha conseguido con Kick-Ass, acompañada del innecesario subtítulo en España de Listo Para Machacar, una adaptación bastante fiel al material original de Mark Millar y John Romita Jr. y una de las causas para ello podría haber sido, paradójicamente, el haberse desarrollado en paralelo a la publicación del cómic en cuestión. No obstante, son patentes algunos cambios sustanciales en la versión cinematográfica de la historia que, aunque no elude el tono gamberro del original ni hace ascos a embadurnar con litros de sangre la pantalla tampoco llega, ni mucho menos, a los excesos que podemos ver en el cómic. La atmósfera desvergonzada y sátirica que Mark Milar exhibe con orgullo en las viñetas del cómic se presiente en la adaptación de Matthew Vaughn aunque aquí es mucho más condescendiente con el espectador y con los personajes -sólo hay que comparar la relación de Kick-Ass con su interés romántico o con su padre en el cómic y la película- siendo mucho menos explícita en las escenas de sexo y violencia y convirtiendo el metraje casi en una parodia del Spider-man de Sam Raimi -al que se "homenajea" tanto en el cómic como en la película-. No es de extrañar pues que en los últimos días se haya añadido el nombre de Aaron Johnson a la lista de posibles sucesores de Tobey Maguire para encarnar al famoso arácnido de Marvel en el relanzamiento de la franquicia que prepara Sony para los próximos años con Marc Webb el director de la recomendable (500) Días Juntos donde también aparecía Chloë Moretz.


Algunas diferencias más visibles, que entran antes por la retina, son los trajes de los personajes que respecto al cómic han sufrido notables cambios -a excepción del traje de neopreno de Kick-Ass- para, en apariencia, hacerlos más llamativos o en el caso del Big Daddy de Nicolas Cage contentar al actor para poder, al fin, interpretar una versión más pulp y bizarra de famoso cruzado enmascarado. Un personaje, por otro lado, de cuya historia se han eludido sus aspectos más "peliagudos", su identidad real que no es otra que un fanboy de los cómics de superhéroes con algún que otro tornillo suelto que, no obstante, puede ser uno de los aciertos de la película respecto al cómic donde Mark Millar da una visión bastante tópica y cuestionable del lector habitual de cómics. La película también aligera en gran medida su bajaje comiquero, respecto al cómic donde las múltiples referencias y guiños al género buscan la sonrisa cómplice del seguidor, y que no habría funcionado para atraer a un público más generalista. El humor y la parodia se utilizan para quitar trascendencia a las escenas más sangrientas alejando la historia del tono más sobrio y oscuro, que no adulto, de la obra en la que se basa. Y todo ella deriva es un espectáculo que no parece tomarse en serio a sí mismo pero que resulta un efectivo entretenimiento para matar un par de horas de nuestro tiempo. Una historia que, como el cómic, no aporta gran cosa al género de superhéroes ni, por supuesto, al cine contemporáneo, pero que no engaña a nadie y sirve como un honroso complemento a la obra de Mark Millar y John Romita Jr. aunque para algunos, sobre todo si no son muy amantes de los superhéroes, puede ser una auténtica patada en el culo difícil de digerir.


Artículos relacionados:
-Kick-Ass de Mark Millar y John Romita Jr.-

Ver también:
-Kick-Ass en Un Tebeo Con Otro Nombre-

Cine Om -Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo de Mike Newell-

“Casi todos creen que el tiempo es como un río que fluye seguro y veloz en una sola dirección, pero yo le he visto la cara al tiempo y os puedo asegurar que están equivocados.”

Prince of Persia -Las Arenas del Tiempo-

Prince of Persia es una veterana saga de videojuegos del género de plataformas creada por el programador y diseñador Jordan Mechner que en su debut en 1989 supuso toda una revolución en su momento por su animación fluida y realista. Su éxito propició varias secuelas durante los años noventa obra de las compañias Broderbund y Red Orb Entertainment que conforman la hoy conocida como trilogía original de Prince of Persia. En 2003 la franquicia pasó a manos de Ubisoft que sacó al mercado una nueva entrega de la serie con el subtítulo de Las Arenas del Tiempo que significaba un nuevo inicio para la historia del famoso príncipe sin nombre. El videojuego presentaba cuantiosas novedades conformando un videojuego con una historia llamativa, un aspecto gráfico bastante logrado y una jugabilidad inmejorable. Las Arenas del Tiempo se convertiría en el primer título de una nueva trilogía que completarían El Alma del Guerrero y Las Dos Coronas. Posteriormente, en 2008, Ubisoft quiso darle un nuevo enfoque a la saga con un nuevo título, simplemente conocido como Prince of Persia, independiente a la historia que hasta el momento se había contado en los anteriores juegos y que no convenció a los seguidores de toda la vida. El resultado fue una vuelta a los orígenes con una precuela ambientada entre los dos primeros títulos de la nueva trilogía, Las Arenas Olvidadas, y que hace apenas unos días se puso a la venta en nuestro país coincidiendo con la llegada del príncipe a los cines.

Era cuestión de tiempo que Prince of Persia fuese adaptado a la gran pantalla y la primera piedra para que ello fuese posible se puso en 2004 cuando el productor Jerry Bruckheimer adquirió los derechos del videojuego para realizar una adaptación cinematográfica de Las Arenas del Tiempo con la Walt Disney Pictures como distribuidora. En la dirección Mike Newell, autor de películas tan dispares como Cuatro Bodas y un Funeral, Harry Potter y el Cáliz de Fuego o El Amor en Tiempos del Cólera, con un guión escrito por el mismo Jordan Mechner y reescrito a su vez por Boaz Yakin, Doug Miro y Carlo Bernard. En el reparto Jake Gyllenhaal se encarga de interpretar al sardónico príncipe, en esta ocasión bautizado como Dastan, acompañado por Gemma Artenton, Ben Kingsley y Alfred Molina, entre otros, cuyos papeles han sido convenientemente alterados y remozados en sus nombres -innecesariamente-, orígenes e incluso finalidades en algunos casos. Encargándose de la banda sonora el compositor Harry Gregson-Williams que prueba de nuevo suerte en un film de factura épica después de haber participado en El Reino de los Cielos de Ridley Scott y en las dos películas de la saga de Las Crónicas de Narnia vistas hasta la fecha y dirigidas por Andrew Adamson.


Con este despliege de medios Jerry Bruckheimer y Walt Disney pretenden repetir el éxito de Piratas del Caribe y convertir a Prince of Persia en la nueva franquicia de moda aunque sus expectativas, quizá, sean algo elevadas vistos los resultados. Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo cuenta la historia de Dastan, uno de los hijos del rey Sharaman de Babilonia que siendo huérfano de nacimiento fue adoptado por el regente asombrado por su coraje y valor. Dastan se verá envuelto en una conspiración después de invadir la ciudad sagrada de Alamut junto a sus hermanos putativos y descubrirá el poder milenario de las arenas del tiempo escondido en una poderosa daga. Junto a la princesa y guardiana de los secretos del tiempo, Tamina, con la que establece una difícil relación, Dastan se verá obligado a huir como un traidor después del asesinato de su padre para intentar demostrar su inocencia y salvar el mundo del auténtico enemigo oculto en las sombras. Un argumento que respeta en gran medida la sinopsis del videojuego aunque, sin embargo, abunden cambios realmente sustanciales respecto a este. Se mantienen los elementos más destacados para contar una historia que podría funcionar realmente como una precuela a los videojuegos en que se inspira y que más que emparentada con Piratas del Caribe, bien sea por ambientación o por temática, Prince of Persia recuerda más a películas como La Momia de Stephen Sommers o a La Búsqueda de Jon Turteltaub con alguna pincelada del Aladdín de Walt Disney.

Lo primero que llama la atención de la película de Mike Newell es la fotografía granulosa, casi borrosa en ocasiones, de John Seale que, por momentos, parece demasiado apagada y opaca para el género de aventuras que tiene que seducir a nuestras retinas. Luego descubrimos una acción apresurada, que muchas veces no permite apreciar bien lo que esta sucediendo en pantalla, combinada con el uso de la cámara lenta que en este caso, al contrario que en otras producciones, no llega a molestar ya que no se utiliza de forma pedante ni gratuita sino como un recurso narrativo obligado por la historia que se nos cuenta y también, por otro lado, porque es una de las características habituales de los videojuegos de Prince of Persia donde el tiempo es un personaje más de la función. A esto debemos añadir la factura propia de videojuego de muchas de las escenas de la película, argumentalmente hablando, adornadas con las piruetas calcadas del personaje del videojuego, una gran fidelidad al vestuario y la mitología de la historia y del uso de la perspectiva y el zoom de un modo similar al que se utilizaba para situar al jugador en el entorno del juego. Todo ello con el gran acierto de que no parezcan fuera de lugar ni ajenos a la historia. Teniendo todo esto en cuenta podemos afirmar con rotundidad que, hasta la fecha, Prince of Persia resulta la mejor adaptación que se haya podido hacer de un videojuego después de una larga lista de subproductos que van desde despropósitos en la línea de Super Mario Bros., Street Fighter o Mortal Kombat a una larga lista de películas totalmente prescindibles como Tomb Raider, Silent Hill, Hitman, Max Payne o la saga Resident Evil.


La relación entre los personajes protagonistas, un príncipe interpretado por un Jake Gyllenhaal del que no acaban de aprovechar todo su potencial, y una más que efectiva Gemma Artenton, resulta simpática y entrañable, llena de giros y cambios de rasante, demostrando la química entre ambos actores aunque muchas veces no acompañen los diálogos o la planificación de escenas y el romanticismo épico del videojuego se pierda en parte. Alfred Molina interpreta a un "pequeño empresario" que supone la nota de humor de la película, cruzandose en más de una ocasión con nuestros héroes para al final acabar ayudándoles a derrotar el mal que los acecha. Ben Kingsley, alejado un poco de sus papeles habituales aquí, demuestra sus tablas y su experiencia para dotar de un relativo carisma a un personaje que no deja de ser algo tópico y que, como el resto de actores de la película, parece algo desaprovechado. La música de Harry Gregson-Williams resulta un gran acierto, con melodías de resonancias orientales, que ayudan a ambientar el relato épico y de aventuras que nos están intentado contar. Por lo demás estamos ante una película que nos hará pasar un buen rato, con algunas carencias y defectos que se podrían suplir en una futura secuela, pero que no supone un insulto al espectador como ocurre con muchas producciones de hoy en día. El viaje podría haber sido mejor y peca de exceso de sobriedad en su resultado final, aunque con un ritmo muy bien llevado, al que se agradece su fidelidad y su intención respecto a su referente original. Sólo se hecha en falta una mayor confianza en la historia en donde lo mágico y lo fantástico, tan deudor de Las Mil y Una Noches en Prince of Persia, en ocasiones, se encuentra demasiado supeditado a la rutina del "realismo místico".

Ver también:
-Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo en El Blog del Chacal-
-Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo en Tu Blog de Cine-

Cine Om -Ironman II de Jon Favreau-

"¡Acabo de privatizar la paz mundial!"

Ironman fue una de las sorpresas del panorama cinematográfico de 2008, una producción que bajo el control de Marvel, con Jon Favreau en la dirección y un carismático Robert Downey Jr. interpretando a Tony Stark, cosechó buenas críticas entre los seguidores y la prensa especializada y se convirtió en un éxito en las taquillas de todo el mundo. La película era respetuosa con el espíritu de los cómics y con su historia, pese a algunas licencias menores, pero pecaba de un ritmo algo tedioso que sólo era capaz de neutralizar el magnetismo que desprendía Robert Downey Jr. en su papel de egocéntrico y cínico playboy multimillonario metido a superhéroe. Una película que sabía sortear y equilibrar con habilidad las limitaciones que supone realizar una película para todos los públicos con un personaje algo ambiguo con un bagaje de valores y virtudes poco convencional pero que, al fin y al cabo, vienen a representar un fiel reflejo de la moralidad estadounidense. La secuela, pues, era inevitable y el rodaje de esta segunda parte ha sido vertiginoso para poder cumplir con el calendario de proyectos que tiene en cartera Marvel para los próximos años empeñada en hilvanar esa continuidad cinematográfica que La Casa de las Ideas ya lleva décadas construyendo en sus cómics. Sus siguientes pasos nos llevarán directos al Thor de Kenneth Branagh y al Capitán América de Joe Johnston que a su vez prepararán la llegada de Los Vengadores una producción que finalmente podría dirigir Joss Whedon.


En Ironman II nos encontramos a un Tony Stark en su salsa, descontrolado y excesivo, disfrutando de su fama y su hambre de emociones fuertes, convertido en todo un showman de alcance internacional capaz tanto de participar en el gran premio de Formula1 de Mónaco como de enfrentarse al mismísimo senado de los Estados Unidos que intenta decidir si su armadura representa un peligro para la seguridad nacional y debe ser catalogada como un arma de destrucción masiva pese a que Tony Stark afirme haber conseguido "privatizar la paz mundial". Mientras, en la lejana Rusia y en la más completa miseria, Ivan Vanko asiste a la muerte de su padre, antiguo socio de Howard Stark al que acusa de haberse enriquecido a su costa. Ivan Vanko orquestará un plan de venganza contra Ironman y todo su legado replicando su tecnología gracias a la ayuda de Justin Hammer deseoso de ganar la carrera armamentistica a Industrias Stark. Tony Stark tendrá que lidiar con ello mientras intenta no ser consumido por su propio éxito, con S.H.I.E.L.D. y Nick Furia siguiendo sus pasos de cerca, afrontado el legado de su padre e intentando no morir en el intento pues su armadura, a pesar de salvarle la vida, lo está matando poco a poco debido a la intoxicación de su fuente de energía.


Dicho esto podemos decir que Ironman II es una secuela digna de la primera entrega que vimos hace unos años en la que se mueven elementos similares, con una manera de hacer las cosas ya establecida y una puesta en escena idéntica a la de su predecesora que, no obstante, corrige algunas carencias pasadas haciendo de esta secuela un producto ligeramente superior a Ironman. El carisma de Robert Downey Jr. sigue siendo el pilar básico de la película y la sorpresa ya no es una baza que el director Jon Favreau pueda jugar pero el ritmo está mucho mejor sobrellevado con un equilibrio más conseguido entre las escenas de acción y el resto del metraje. Los personajes secundarios tienen aquí algo más de peso respecto a la primera parte donde eran excesivamente eclipsados por la actuación del vengador dorado y su génesis. Esto ha hecho posible que en Ironman II se haya desarrollado la química entre Tony Stark y Pepper Potts, una Gwyneth Paltrow que por fin le toma el pulso a su personaje, y se haya ampliado el elenco actoral que desemboca en toda una serie de guiños y referencias al Universo Marvel para contentar a los seguidores marvelitas. Esto puede hacer parecer a Ironman II como una película que sólo se sustenta en el homenaje y los diferentes cameos y guiños que podremos encontrar en ella a poco que prestemos algo de atención y que al aficionado puede darle la sensación equivocada de una cierta gratuidad argumental que, en cambio, no tendrán los profanos en el tema.


La realidad es que Ironman II está planteada como un puente a futuras producciones de la factoría Marvel pero, no obstante, Jon Favreau ha conseguido que la historia tenga sentido por sí misma. Se han añadido nuevos roles como el de la Viuda Negra interpretada por Scarlett Johansson, que no acaba de "llenar el traje" y que parece algo encorsetada en su papel que resulta meramente estético pues no se profundiza en el triángulo amoroso que forma junto a Tony Stark y Pepper Potts como se insinúa en algunos momentos de la trama; el empresario de aviesas intenciones Justin Hammer al que da vida Sam Rockwell que maneja a la perfección un papel al que sabe sacar partido sin caer en la simple sobreactuación; o el verdadero villano de la función, un Whiplash encarnado por un Mickey Rourke que consigue hacer interesante un personaje risible en manos de otro actor con menos talento aunque, no obstante, Ironman sigue sin tener un enemigo a su altura en la pantalla a la espera de que El Mandarín haga finalmente acto de presencia en una futura tercera entrega "post-Vengadores". Por otro lado destacan Samuel L. Jackson retomando su papel de Nick Furia y Don Cheadle adoptando el papel de Jim Rhodes, y a la postre Máquina de Guerra, que en la primera entrega protagonizó Terrence Howard y con el que apenas se pueden encontrar diferencias. Mención especial para Jon Favreau que, como en la primera parte, sigue interpretando a Happy Hogan y se ha asegurado más minutos en pantalla (con muchas escenas al lado de Scarlett Johansson).

El guión de Justin Theroux cumple las expectativas, sin muchos alardes, siendo efectivo y consiguiendo una película de superhéroes sobria, tópica en su último tercio, pero entretenida que sigue funcionado como su antecesora bajo los acordes del Shoot to Thrill de AC/DC y la versión del Iron man de Black Sabbath interpretada por Ozzy Osbourne. Destaca, por otro lado, el humor limpio y directo que se entremezcla con la ironía y la vena gamberra del personaje protagonista que, aunque peca de falta de mesura en algún que otro momento, produce algunos momentos realmente hilarantes. Tal como pasaba en la primera parte el blockbuster que propone Jon Favreau se basa en la fuerza de sus personajes y en los diálogos, seña de identidad de Marvel por otro lado, y mucho menos en la acción aunque en esta secuela abunden más que en su antecesora. Los efectos especiales, como no podía ser de otra manera con una película de este tipo, han sido mejorados y no desentonan en ningún momento. Después de un final muy abierto como extra, al final de los créditos, tenemos un breve anticipo de lo que está por venir y que nos viene a demostrar que Marvel esta poniendo toda la carne en el asador en sus producciones. El papel que seguirá jugando Ironman en ellas, y en los cómics, será algo que veremos con el tiempo.


Ver también:
Ironman II en Reino Hueco
Ironman II en Tu Blog de Cine

Cine Om -Furia de Titanes de Louis Leterrier-

"¡Liberad al Kraken!"

En 1981 se estrenaba la película Furia de Titanes dirigida por Desmond Davis y con el gran Ray Harryhausen encargado de las labores de producción y enfrentando al que a la postre sería su último trabajo en el campo de la animación stop motion. A este pionero de los efectos especiales el tiempo le ha granjeado el reconocimiento tanto de la crítica especializada como del público, por su trabajo en numerosas películas de corte fantástico y aventuras alcanzando su cénit con Jason y los Argonautas, del director Don Chaffey, convertida en toda una película de culto. En ello tuvo algo que ver, sin duda, la recuperación de la técnica de stop motion en las películas de Tim Burton de finales de los años 80, como en Beetlejuice, y en la década de los 90 del pasado siglo siendo Pesadilla antes de Navidad de Henry Selick el máximo exponente de esta. El pasado 31 de Marzo se estrenó en España el nuevo remake de Furia de Titanes auspiciado por Warner Bros, dirigido por Louis Leterrier y protagonizado por Sam Worthington -que hereda el papel de Perseo que en la versión de los años ochenta asumió el actor Harry Hamlin-, Gemma Artenton, Alexa Davalos, Mads Mikkelsen y los ya veteranos Liam Neeson y Ralph Fiennes que son la viva imagen de los dioses olímpicos Zeus y Hades respectivamente.

Furia de Titanes adapta el mito clásico de Perseo, hijo del mismísimo Zeus, que derrotó a la horrible gorgona Medusa y que se acabaría convirtiendo en el rey de Micenas. La adaptacion, evidentemente, resulta muy libre y caprichosa -como ya ocurría en la versión de 1981 de Ray Harrihausen- siendo el resultado algo parecido a la breve interpretación que hacía Arnold Schwarzenegger del Hamlet de William Shakespeare en la comedia El Último Gran Héroe de John McTiernan. El guión es obra de Lawrence Kasdan, cuyo último libreto digno de mención fue En Busca del Arca Perdida que se estrenó, precisamente, en 1981 lo que también nos permite darnos cuenta, al comparar con la película de Steven Spielberg, lo desfasada que estaba ya la película de Ray Harryhausen en la época. Lawrence Kasdan reinterpreta a su manera personajes mitológicos dotando a la historia de un tono cercano 300 de Zack Snyder y Frank Miller pero sin sus excelencias visuales. Aunque también se pueden rastrear influencias del Star Wars de George Lucas -Lawrence Kasdan fue guionista de El Imperio Contraataca y El Retorno del Jedi- encontrar el obligado guiño a la versión previa de Furia de Titanes y, echando algo de imaginación, localizar algún homenaje "simbólico" a Perdidos.


Uno de los principales problemas de la película de Louis Leterrier es el montaje de la película que deja más de un hueco narrativo que, combinado al alto ritmo que imprime a la acción, no permite que los personajes siquiera se puedan situar dentro de la historia. Todo el metraje es demasiado precipitado y las decisiones y las personalidades de los personajes fluctúan de una escena a otra sin dar tiempo a profundizar en ellos para que el espectador pueda empatizar con sus desventuras (al respecto está la interesante noticia que publicaba Tu Blog de Cine - La Furia de Titanes que no vimos en los cines). A ello debemos unir unos diálogos poco trabajados que en pocas ocasiones parecen reflejar los ecos del pasado mitológico en el que se sitúa la acción. Especial mención merece el trabajo de Sam Worthington por el mérito que conlleva mantener el mismo rictus facial durante toda la película sin molestarse siquiera en empezar a interpretar su papel. Sus monólogos clamando venganza o sus vitores de guerra están huérfanos de pasión y resultan de todo menos creíbles. En el elenco actoral destacan, por un lado, las tablas de Liam Nesson y Ralph Fiennes que parecen disfrutar de verdad jugando a ser dioses, aunque el resultado este muy lejos de sus mejores registros, y, por otro lado, entre los mortales, Mads Mikkelsen interpretando al capitán Draco y Gemma Artenton como la clarividente Io que hacen lo posible con lo que tienen a mano.


El punto fuerte de la película es la acción, que aunque algo atropellada, permite disfrutar del diseño de criaturas como Medusa, el Kraken o bichos de todo tipo: desde escorpiones gigantes a demonios alados del Inframundo. Los efectos especiales, no obstante, no parecen del todo logrados en algunos casos y uno no puede evitar preguntarse si deben ser un homenaje intencionado a la técnica del stop motion que empleaba la versión del 1981 o si ese homenaje se limita a cierto búho mecánico y la cara de cartón de Sam Worthington. Louis Leterrier es un director bastante limitado, como ya pudimos apreciar en El Increíble Hulk, que, no obstante, suele ofrecer resultados correctos y disfrutables. En este caso Furia de Titanes es un buen ejemplo, puro fast food cinematográfico con un tratamiento de la mitología clásica, con algunos cambios sin sentido ni necesidad, que funciona como excusa argumental para ofrecernos una película de acción del montón para pasar el rato. En cuanto a la versión en 3D de la película parece ser que la única furia que ha desatado es la de los espectadores que se han sentido estafados con él. Ahora podemos sentarnos a esperar el inminente remake, raro sería otra cosa, de Jason y los Argonautas y eso ya sí son palabras mayores.


Ver también:
Furia de Titanes en El Lector Impaciente
Furia de Titanes en Tu Blog de Cine

Cine Om -Celda 211 de Daniel Monzón-

El fantástico relato que resulta Cadena Perpetua de Frank Darabont, Steve McQueen huyendo de los nazis en una motocicleta en una escena de La gran evasión, a Clint Eastwood planeando La Fuga de Alcatraz, la crudeza de Papillon de Franklin J. Schaffner o la de Sleepers de Barry Levinson, el infierno turco retratado en El Expreso de Medianoche de Alan Parker, al impresionante Edward Norton de American History X o incluso el entretenimiento que resulta el Encerrado de John Flynn con Sylvester Stallone como principal reclamo. El subgénero carcelario en el cine nos ha dado muchas pequeñas joyas y alguna que otra obra maestra a tener en cuenta dejándonos también algunas escenas míticas dentro del séptimo arte. Y ahora a esta lista de clásicos tenemos que unir una de las últimas propuestas de nuestro cine patrio que con Celda 211 ha convencido a propios y extraños cosechando un merecido éxito de crítica y público referendado en la taquilla y en la última edición de los Premios Goya donde la película de Daniel Monzón se alzó con ocho de los dieciséis galardones a los que optaba entre ellos el de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Adaptado, Mejor Actor para un imponente Luis Tosar y Mejor Actriz de Reparto y Mejor Actor Revelación para Marta Etura y el actor argentino Alberto Ammann respectivamente.

Celda 211 es una adaptación de la novela del mismo título del escritor y periodista Francisco Pérez Gandul que narra un motín en la prisión Sevilla-2 en medio de la cual un funcionario de prisiones queda atrapado por accidente teniendo que hacerse pasar por un recluso más para poder sobrevivir. La tensión va en aumento cuando se descubre que todo responde a un plan de los presos, que tienen como líder a un preso conocido como Malamadre, por el que intentan poner de manifiesto ciertos desmanes y abusos sufridos por parte de sus carceleros tomando como rehenes a tres terroristas etarras que estaban a punto de ser trasladados. El guión de la película a cargo de Jorge Guerricaechevarría y del propio Daniel Monzón sabe dosificar de manera más que correcta la tensión y la intriga de la historia en la que encontramos varias vueltas de tuerca que en ningún momento parecen forzadas y que consiguen mantener la atención del espectador con su ritmo y su sentido de la acción. Solamente parecen algo fuera de lugar los diferentes flashbacks intercalados a lo largo de la historia y previos al orígen del conflicto que protagonizan Alberto Ammann y Marta Etura y que podrían haberse resumido en una narración más lineal al principio de la película a modo de introducción.


Exceptuando este pequeño detalle, que en ningún momento entorpece la narración de los hechos, estamos antes una película técnicamente perfecta con una historia que atrapa de principio a fin y donde la interpretación de Luis Tosar resulta absorbente dando todo un recital interpretativo que nos vuelve a dejar claro que después de sus trabajos en Los Lunes al Sol y Te Doy mis Ojos es uno de los actores más solventes y contundentes del panorama español. Destaca también el papel de Alberto Ammann, dando la réplica al mismo Luis Tosar, que en su debut en la gran pantalla esta a la altura de las circunstancias creando un personajes interesante y lleno de matices muy alejado del habitual héroe del cine de acción. Mención a parte para un Antonio Resines en el papel de Utrilla y un Carlos Bardem como el Apache con un sorprendente parecido al actor estadounidense Danny Trejo un habitual en los proyectos del director Robert Rodríguez. El resto de secundarios no desentonan y terminan de configurar una interesante, visceral y realista visión carcelaria con ecos de cierta crítica social a modo de fresco sobre la condición humana en situaciones límite.


Daniel Monzón demuestra con Celda 211 y después de su anterior película, La caja Kovak, que otro tipo de cine español es posible y que la mejor manera para concectar con el espectador es darle lo que este pide utilizando el propio ingenio y la habilidad para contar una historia sin menospreciar ningún tipo de género en el camino. De esta manera Daniel Monzón se une a directores como Álex de la Iglesia, Alejandro Amenábar, Nacho Vigalondo o Jaume Balagueró que han decidido echar por tierra ciertos tópicos sobre nuestro cine, que cada vez más nos esta acostumbrado al cine de calidad, y que frente a la actitud pesimista y victimista de otros han decidido dedicarse simplemente a contar buenas historias para un público que esta deseoso de escucharlas, verlas y vivirlas. El cine español necesita más productos como Celda 211, [REC], Los Cronocrímenes, El Otro Lado de la Cama o Ágora, más cine de género en definitiva que, a fin de cuentas, es el que siempre llena las salas de cine. De momento, haciendo justicia al trabajo de todo el equipo de Celda 211, lo mejor que podemos decir es que estamos ante una película, como mínimo, imprescindible.


Ver también:
Celda 211 en Tu Blog de Cine

-En Tierra Hostil de Kathryn Bigelow-

"El ímpetu de la batalla es una potente y muy a menudo letal adicción, pues la Guerra es una droga"

War Is A Force That Gives Us Meaning de Chris Hedges

En Tierra Hostil (The Hurt Locker) es una película de la directora Kathryn Bigelow, hasta ahora más conocida por su antigua relación con James Cameron que por sus producciones, que ha obtenido un sorprendente reconocimiento de la crítica especializada siendo nominada además a nueve estatuillas en los premios Oscar de este año cuya ceremonia se celebrará el próximo día 7 de Marzo. La película es candidata a los premios de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor para Jeremy Renner, Mejor Guión Original para Mark Boal, Mejor Montaje, Mejor Fotografía, Mejor Banda Sonora de Marco Beltrami y Buck Sanders, Mejor Mezcla de Sonido y Mejor Edición de Sonido. En Tierra Hostil se destapa de esta manera como una de las sorpresas de la temporada siendo un relato centrado en la actualidad de Iraq y en el trabajo de los soldados estadounidenses allí destinados cuyo reparto principal esta integrado por actores desconocidos como el mencionado Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geraghty o Christian Camargo secundados por los cameos de actores más populares como Guy Pearce, Ralph Fiennes o Evangeline Lilly conocida por interpretar a Kate Austen en la popular serie de televisión Perdidos.


El soldado William James (Jeremy Renner) llega a la base Camp Victory en Iraq para sustituir al sargento Matt Thompson (una breve pero inspirado cameo de Guy Pearce) en la unidad EOD con la compañía Bravo del ejército de los Estados Unidos. Junto al sargento J.T. Sanborn (Anthony Mackie) y al especialista Owen Eldridge (Brian Geraghty) se encargará de desactivar diversos artefactos explosivos colocados a diario por la insurgencia iraquí aunque sus métodos, que ponen en riesgo a sus compañeros y a él mismo, prometen tensiones dentro del grupo. La película, con este guión mínimo, parece haber caído en gracia debido contexto de rabiosa actualidad donde se sitúa pues, por lo demás, estamos ante una simple pero excelente película de acción a pesar de sus personajes totalmente estereotipados y tópicos que sólo vienen a reflejar el consabido "american way" de hacer las cosas. El guión de Mark Boal resulta prácticamente inexistente y no va más allá de su sinopsis resultando en una mera sucesión de escenas de acción -con algún momento de película de adolescentes- rodadas con un tono casi documental y en el que destaca el buen manejo de la tensión que imprime Kathryn Bigelow a la historia.

En consecuencia tenemos una película entretenida, con un buen ritmo, pero falta de matices y de una mayor implicación. La historia del cine nos ha ofrecido ya multitud de producciones que, de forma más certera, nos han hecho reflexionar sobre lo absurdo de la guerra y la estupidez inherente al ser humano como es el caso de Platoon de Oliver Stone, Apocalipsis Now de Francis Ford Coppola, Salvar al Soldado Ryan y La Lista de Schindler de Steven Spielberg o las más recientes Cartas desde Iwo Jima de Clint Eastwood y Jarhead de Sam Mendes. En Tierra Hostil, en cambio, se queda solamente en la parte estética del mensaje lo que la emparenta más con la, por otro lado, entretenida y palomitera Black Hawk Derribado de Ridley Scott, que con los clásicos antes mencionados. Lo cual no quita para que En Tierra Hostil se pueda considerar una buena película como ya hemos insinuado que funciona también como una fábula sobre la dificultades que genera la falta de entendimiento entre las personas pero cuyas virtudes, sin duda, se han sobredimensionado. Curiosamente la película de Kathryn Bigelow no está tan lejos en muchos aspectos de "esa (película) de 500 millones de dólares" como designó el productor Nicolas Chartier recientemente al Avatar de James Cameron.


En Tierra Hostil, para ser una película de mayor calado humano y social, hubiese necesitado de una introspección más marcada de sus personajes para que no se conviertan, en muchas partes de la trama, en meros clichés dentro de la historia que se vuelve demasiado previsible e incluso algo rutinaria en ciertos momentos. La crítica a la guerra además queda a la deriva por ese tono documental que no parece tomar partido en ningún momento conviertiéndola, sin seguramente ser su intención, en una historia "políticamente correcta" que hace que incluso sea difícil apreciar la crudeza de la guerra, salvo por algunas espectaculares escenas de acción, que debería ponernos en tensión. Algo que incluso consigue Malditos Bastardos de Quentin Tarantino a pesar de estar rodada con un claro tono de parodia y más como un ejercicio cinéfilo de estilo que como un exponente real del género bélico. En su justa medida En Tierra Hostil de Kathryn Bigelow es una película superior a la media, con un tema a tratar interesante y una puesta escena y un ritmo muy bien llevados, pero que dista mucho de ser una obra maestra o un referente a seguir.


Ver también:
En Tierra Hostil en El Almuerzo Desnudo

Cine Om -Up in The Air de Jason Reitman-

Jason Reitman con Up in The Air vuelve al ataque con una de sus ya habituales comedias cínicas de corte posmodernista, de importante calado social y humano, como lo fueron en su momento Gracias por Fumar y Juno con la que acabó ganando en 2007 el Oscar al Mejor Guión Original escrito por Diablo Cody (seudónimo cool de Brook Busey-Hunt). Jason Reitman, hijo del también director Ivan Reitman (que desde Los Cazafantasmas II ha ido sobreviviendo en la industria con productos menores como Seis Días y Siete Noches, Evolution o Mi Super Ex-Novia), ha conseguido un cierto reconocimiento en Hollywood por sus últimos trabajos lo que le ha llevado a que este año Up in The Air haya sido nominada en seis categorías diferentes de los premios Oscar entre los que se incluyen los de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Adaptado, Mejor Actor para George Clooney y Mejor Actriz de Reparto en dos ocasiones para las actrices Vera Farmiga y Anna Kendrick. La película ya ha sido premiada, no obstante, con el Globo de Oro al Mejor Guión escrito por el propio Jason Reitman en colaboración con Sheldon Turner que a su vez esta basado en la novela de Walter Kim de 2001.

Up In the Air es la historia de Ryan Bringhman (George Clooney) un ejecutivo que trabaja para una empresa de recursos humanos cuyo cargo le obliga a estar viajando de una punta a otra de Estados Unidos continuamente para organizar masivos despidos de personal. Lejos de suponer un problema para él su situación le resulta perfecta para seguir sosteniendo su personal filosofía de vida solitaria, independiente y aislada de todo tipo de rsponsabilidad, compromiso familiar o lazo sentimental. Su único objetivo en la vida es conseguir el récord de millas voladas en una línea aérea pero este parece un poco más lejos cuando su amigable superior (interpretado por Jason Bateman) le anuncia que, debido a la crisis económica, la empresa debe eliminar los gastos de sus viajes. A propuesta de la nueva asistente y piscóloga, Natalie Kenner (Anna Kendrick), los despidos se llevaran a cabo a distancia mediante videoconferencia eludiendo así el factor humano. Ryan Bringhman se muestra en desacuerdo con esta decisión ante lo cual su superior le propone que Natalie y él realizen algunos viajes de prácticas para que ella se pueda poner al día con el trabajo que de verdad realiazan en la empresa.


La película, pese a su contexto, plantea una historia bastante trillada y tópica con la soledad como tema conductor de la trama. En la historia el personaje interpretado por George Clooney es el habitual hombre con miedo al compromiso, inmaduro y cínico que, no obstante, teme hacerse mayor y quedarse solo. Un papel que no es la primera vez que interpreta el actor de Quemar después de leer o Syriana. El resto de personajes protagonistas se mueven en esta misma línea, lo que nos permite ver como cadauno de ellos afronta la soledad a su manera asumiendo ciertos roles que, por otro lado, hemos visto en cientos de películas. Son los ácidos diálogos y las interpretaciones de los actores, todos bastante cómodos en sus papeles, lo que convierten la película en algo atractivo y fresco que puede hacernos creer que nos encontramos ante una historia más original de lo que en realidad es. Por otro lado, la fotografía de Eric Steelberg y la música de Rolfe Kent, son utilizadas con habilidad para crear una atmósfera y un entorno casi paisajística que la hace muy fluida visualmente y que, por momentos, puede recordar a Lost in Translation de Sofía Coppola.


El pulso de Jason Reitman se nota en el tono de la película que, en definitiva, resulta una propuesta entretenida y correcta que destaca por su dirección y por su reparto, aunque por momentos parezca simplemente planificada para el lucimiento de George Clooney, pero que, no obstante, no es lo mejor que nos ha deparado el panorama cinéfilo este comienzo de año. La película, además, parece perder fuelle en su última parte donde el cinismo y la ironía presente durante el metraje casi desaparece para convertirse en una historia de amor algo predecible y tópica. Lo que si queda claro es que George Clooney, a sus cincuenta años, esta en el apogeo de su carrera después de la buena acogida de su última película como director, Buenas noches y buena suerte, y de haber sido reconocido con un Oscar por su trabajo en Syriana en 2006. Todo ello mientras esta a punto de estrenar su última película, también una comedia, Los Hombres que Miraban Fijamente a las Cabras junto a Ewan McGregor, Kevin Spacey y Jeff Bridges.


Ver también:
Los Hombres que Miraban Fijamente a las Cabras

Cine Om -Bienvenidos a Zombieland de Ruben Fleischer-

!Atención spoilers sobre la plaga zombie!

Bienvenidos a Zombieland es una comedia de terror zombie, para ser exactos infectados, que a estas alturas ya se ha convertido en la película más taquillera sobre muertos vivientes de la historia. El título lo ostentaba anteriormente el remake de Dawn of The Dead de George A. Romero que el director Zack Snyder realizó en 2004 con notables resultados. Aún así hemos de tener en cuenta que las películas de zombies, debido a su origen ligado a la serie B de bajo presupuesto, nunca han tenido una gran repercusión en la taquilla aunque sí suelen ser producciones muy rentables en proporción a la inversión que en ellas se suele depositar. El caso es que los responsables de Bienvenidos a Zombieland, con el director Ruben Fleischer a la cabeza, pretenden hacer varias secuelas e incluso una serie de televisión después al éxito cosechado con esta primera entrega. Una película con un estilo propio y atractivo que pese a su sencillez es un producto entretenido y divertido como lo pudieron ser en su momento otras películas del género como la comedia gore Braindead de Peter Jackson o la más reciente Zombies Party del británico Edgar Wright. No obstante, Bienvenidos a Zombieland, respecto a estas es un producto más light, más políticamente correcto y menos gamberro.

Bienvenidos a Zombieland nos cuenta la historia de un joven antisocial y solitario de tendencias hipocondríacas, interpretado por Jesse Eisenberg, que se autoproclama como "el último friki vivo del mundo". El fin del mundo en forma de plaga zombie le encontró encerrado en su piso jugando a World of Warcraft y ahora, al ver como el mundo se ha derrumbado a su alrededor, decide iniciar un peligroso viaje hacía Columbus con la intención de reunirse con sus padres. Su creencia en que sigue vivo gracias a ciertas reglas y normas que sigue en cada momento se pondrán a prueba cuando en su camino aparezca un duro y curtido superviviente experto en el arte de matar zombies, al que da vida un inspirado Woody Harrelson, cuya mayor debilidad son unos pastelitos rellenos de nata llamados Twinkies. Pese a sus evidentes diferencias deciden viajar juntos y adoptan los nombres de Columbus y Tallahassee, las ciudades a las que se dirigen respectivamente, para evitar "encariñarse" el uno con el otro. Las cosas se complican cuando un par de hermanas, Wichita y Little Rock a las que interpretan las actrices Emma Stone y Abigail Breslin, les asaltan y les roban su transporte y sus armas. Columbus, no obstante, no puede evitar quedarse prendado de Wichita.


Bienvenidos a Zombieland parece tomar su idea de partida de Zombi: Guía de Supervivencia el peculiar libro de Max Brooks que se ha convertido en todo un éxito de ventas en los últimos años. En esta película no es tanto lo que se cuenta como el como se cuenta y respecto a eso la película busca una y otra vez romper la cuarta pared entre los personajes y el espectador. Las reglas y normas de Columbus son relatadas por él mismo a lo largo del metraje, dándolas a conocer poco a poco y volviendo de vez en cuando a ellas, anunciándolas con llamativos carteles y rótulos y poniéndonos ejemplos prácticos en cada caso. Esto le da a la película un formato fresco y desenfadado muy apropiado para el tono de comedia y parodia que busca la película. El sistema funciona, no obstante, porque los personajes interpretados por Jesse Eisenberg y Woody Harrelson acaparan la atención y mantienen nuestro interés haciendo llevadero el sencillo guión escrito por Paul Wernick y Rhett Reese, en clave de road movie, que no difiere en mucho de los que podemos encontrar en la mayoría de películas del género. Sus gags buscan las complicidad del espectador, con un humor directo y menos grosero y gamberro de lo que se esperaría en una película de zombies, pero efectivo y entretenido al fin y al cabo.

1. Cardio.
2. Mata y remata.
3. Ten cuidado con los baños.
4. Usa cinturón de seguridad.
8. Pégate a un tipo duro.
17. No seas el héroe.

Imprescidibles los créditos iniciales de la película, casi de factura documental, y el cameo de Bill Murray interpretándose a sí mismo y con varios guiños a Los Cazafantasmas que no pasan desapercibidos. Por lo demás nos encontramos ante una película bastante modesta, sin grandes matices ni mensaje subyacente como en las películas de George A. Romero aunque tampoco es su intención ni lo necesita. Un producto que parece destinado a cierto tipo de espectador pero que cualquiera puede disfrutar sin mayores problemas. Se echa de menos, no obstante, una cierta falta de ambición para ir un paso más allá en ocasiones y traspasar la barrera de lo correcto o pulir algunos gags. Podríamos calificar Bienvenidos a Zombieland como la primera película familiar de zombies por su tono, su carácter y los valores que los personajes buscan a lo largo de la historia que se encamina, ineludiblemente, al final feliz. Pero es un producto que no engaña a nadie y es precisamente la combinación de estos ingredientes la clave de su éxito. Futuras secuelas quizá no vengan a aportar nada nuevo pero, por lo pronto, se merecen una oportunidad.


Ver también:
La Subcultura Zombie -El Muerto Viviente del Siglo XXI-
-Guerra Mundial Z de Max Brooks-


Dedicado a Álex y Rosa
La próxima vez será ;)