-Dr. Slump de Akira Toriyama-

Cuando se menciona el nombre de Akira Toriyama se piensa inmediatamente en ese exitoso manga que fue Dragon Ball cuya serie animada se convirtió en un referente indiscutible para una generación no sólo de fans sino también de mangakas y es que la obra en cuestión es una de las más influyentes dentro del género japonés shonen y obras como Naruto o One Piece lo atestiguan. Aún hoy Dragon Ball continua generando entre los aficionados interés, noticias y merchandising a partes iguales debido su categoría de serie clásica y de culto que se ha ganado a pulso. Pero antes de que Akira Toriyama se enfrascase en las aventuras de Son Goku y sus amigos otra de sus obras ya había calado hondo entre los aficionados japoneses y le había dado a conocer entre el gran público: Dr. Slump.

La editorial Planeta de Agostini, coincidiendo con el XV Salón del Manga de Barcelona, presenta la esperada reedición de esta obra en su formato kanzenban como ya hiciera en su momento con la propia Dragon Ball y otras obras menores del autor como Neko Majin y los especiales Dragon Ball Landmark y Dragon Ball Forever. Dr. Slump ya había sido publicada en España hace unos cuantos años en un formato similar, en pequeños tomitos de 84 páginas, al que se publicó en su momento el Monster de Naoki Urasawa siendo unos de los primeros mangas aquí editados en formato de lectura oriental de derecha a izquierda. Dr. Slump es también conocida en España a través de la serie del mismo título creada por Toei Animation emitida en los años 80 en los canales autonómicos del país y que ha contado con un "remake" reciente que actualizaba algunos aspectos de la serie original perdiendo en el camino gran parte de la frescura de la serie animada original.

Dr. Slump es la historia del Dr. Sembei Norimaki un joven científico y genio algo disparatado y pervertido cuyo último gran invento ha sido Arale un robot aparentemente perfecto con la forma de una niña de 13 años. No obstante, Arale, en su inocencia y carencia de sentido común protagonizará un sinfín de alocadas aventuras que traerán de cabeza al propio doctor y a más de algún habitante de la ya de por sí extravagante Villa del Pingüino. Sobre todo si tenemos en cuenta que Arale tiene un pequeño "defecto" de fábrica: su asombrosa fuerza sobrehumana. Dr. Slump es una serie de capítulos autoconclusivos con cierta continuidad interna donde prima el humor absurdo y descerebrado en el que Akira Toriyama ha demostrado ser todo un maestro.

La Villa del Pingüino, situada en una pequeña isla alejada del resto del mundo, esta llena de personajes a cada cual más curioso proclives a embarcarse en extrañas y delirantes aventuras y proyectos sin pies ni cabeza y entre los cuales encontramos numerosos guiños a la cultura oriental y occidental con parodias de iconos como Superman, Ultraman, Godzilla, Tarzán, Star Wars, Bruce Lee y muchos otros. Esta premisa sirve a Akira Toriyama para escribir pequeñas historias que resultan de lo más divertidas y entretenidas, como un humor muy efectivo y directo, en las que la parodia y el homenaje resultan una de sus grandes armas. Incluso el propio autor se presta al juego y es caricaturizado por sí mismo en más de una ocasión derribando de esta manera el llamado tercer muro y haciendo parodia de la propia parodia con referencias directas a la realidad.

Dr. Slump recuerda a los primeros capítulos de Dragon Ball cuando en esta primaban más el humor y el tono desenfadado de su narración, con personajes prestados a la parodia y villanos de chiste, donde la continuidad de la serie no era tan marcada y las épicas batallas que llegarían posteriormente no tenían un papel tan decisivo en la trama. Dragon Ball evolucionó hacía el shonen más clásico por sus propias características intrínsecas centradas en las artes marciales y en la intención de su autor de no escribir más capítulos autoconclusivos como había hecho durante años en la propia Dr. Slump y que suponían todo un reto diario para él. La misma Arale tiene mucho en común con ese pequeño Son Goku que en su inocencia era incluso incapaz de distinguir a un chico de una chica sin tocar antes sus partes intimas y que traía de cabeza a Bulma, que en este caso haría el papel del Dr. Sembei Norimaki, con su carácter, ocurrencias y sentido del deber.

En Dr. Slump es este tipo de historia, en su vertiente más humorística y desenfadada, la que evoluciona en manos de Akira Toriyama con habilidad y pulso consiguiendo hilarantes momentos incluso con sus gags más burdos, bestias y escatológicos o con su humor más picante presente a lo largo de toda su carrera. El dibujo de Akira Toriyama, claro, limpio y directo, resulta tan agradable como siempre con su habitual tendencia al detalle cuando se centra en los aspectos más técnicos en su creación de todo tipo de artilugios y vehículos de diseños atractivos e incluso visionarios, faceta que explotaría definitivamente aún con más acierto en Dragon Ball.

Volviendo a la nueva edición de Planeta de Agostini esta recupera en 15 tomos de formato rústica de 248 páginas, y a un precio de 9,95 € por tomo, esta obra ya clásica de Akira Toriyama con sus correspondientes páginas a color originales y las portadas de cada capítulo. Se han mantenido en esta edición la traducción anterior de Jesús Pece y no se han recuperado, por otro lado, las onomatopeyas originales de la obra que permanecen traducidas. A modo de extra el primer tomo incluye un pequeño artículo de Marc Bernabé traductor de manga y autor de obras como Japonés en Viñetas y Apuntes de Japón.

Con Dr. Slump estamos en definitiva ante una obra impredecible e inclasificable y llena de sorpresas, un producto en la línea del Musculman de Yudetamago que se empezó a publicar poco antes de la obra de Akira Toriyama allá por 1979 o de la más reciente Bobobo de Yoshio Sawai obra que no esconde las influencias recibidas del creador de Dragon Ball, con un humor irreverente y absurdo donde pululan una serie de personajes principales y secundarios tan fuera de lo normal que resultan entrañables. Este es un manga imprescindible para aquellas personas que se dignen de tener sentido del humor y que estén dispuestas a dejarse engatusar por unas historias tremendamente divertidas, sin más pretensión que hacer reír, rebosantes de imaginación y cariño en la que resulta ser, sin duda, una de las grandes obras de Akira Toriyama.


Ver también:

Dragon Ball Evolution -La Involución de una Historia-

Naoki Urasawa -Maestro Japonés del Suspense-

Coincidiendo con el 27º Salón del Cómic de Barcelona se han puesto a la venta la edición Kanzenban de Monster la obra de Naoki Urasawa, que en esta edición constará de 10 tomos, y la nueva obra de este mismo autor que tiene por título Pluto (ambas publicadas por Planeta de Agostini). Dos obras recomendables que todo aficionado debería leer. Y es que Naoki Urasawa dentro del panorama manga actual es una apuesta casi segura pues estamos hablando del maestro del suspense japonés. Este autor tiene, además, un estilo diferente y marcado alejado del manga más convencional que resulta de lo más atractivo y sus historias, extrañas muchas veces, crean adicción. Lo identificaréis también por su dibujo detallado, tanto en paisajes como en las facciones de sus personajes, que le dan a sus obras un aire clásico y más "occidental". Además este autor no es un novato en el mundo del manga pues viene trabajando en el medio desde la distópica fecha de 1984 en obras como Yawara! (que algunos conoceréis por la serie Cinturón Negro), muy alejada de lo que hoy en día viene siendo su estilo, encumbrado con la citada Monster y 20th Century Boys. Estilo de la que su nueva obra Pluto parece ser un nuevo exponente y una más que probable gran historia.

En el caso del Monster de Naoki Urasawa nos encontramos una historia en clave de thriller lleno de suspese que también toca otros diversos géneros como el terror, el misterio o el relato negro conformando un resultado bastante notable e interesante. A tenor de lo visto en el primer tomo de Pluto es muy posible que esta obra también siga esta dirección que tanto éxito le ha dado. Monster, no obstante, es la mejor obra de su autor a día de hoy y será difícil de superar el listón. Una obra que empezó a publicarse en 1994 y pronto consiguió un gran reconocimiento tanto de crítica como de público llegando a ser premiada con el prestigioso Premio Cultural Osamu Tezuka en 1999. Un Osamu Tezuka al cual Naoki Urasawa reverencia en casi todas sus obras. Ya en el año 2004, como no podía ser de otra manera, Monster contó con su propio anime que tuvo un total de 74 capítulos y ahora, desde Hollywood, se amenaza con una adaptación a la gran pantalla a cargo de la productora New Line Cinema con guión de Josh Olson autor de Una Historia de Violencia una de las últimas películas de David Cronenberg.

Monster se sitúa en los años 80 en Alemania y cuenta la historia de Kenzo Tenma un prometedor neurocirujano de origen japonés asentado en el país que esta prometido con la hija del director del hospital donde trabaja. Su vida aparentemente es perfecta hasta el día en que, desoyendo las órdenes de sus superiores, decide salvar la vida a un niño en detrimento de la de un importante político al que sus compañeros instan a ayudar antes a pesar de haber sido ingresado posteriormente. Tenma no cree en los favoritismos y consigue salvar la vida del niño lo que, irónicamente, representa el principio del fín de su vida tal como la conoce. Nueve años después Tenma descubre que aquel niño al que salvó la vida se llama Johan y este mismo le confiesa ser el causante de toda una serie de asesinatos a lo largo del país y, como muestra, asesina a uno de sus pacientes delante él. Tenma, a raíz de este incidente, pierde su trabajo, su prometida le abandona debido a sus esperanzas de ascenso social truncadas y, lo que es peor, es acusado injustamente de los crimenes de Johan. Tenma se ve obligado a huir y en el camino toma la decisión de encontrar y detener al monstruo que ha ayudado a crear aún a costa de su vida.

La premisa de Monster es lo suficientemente sencilla y a la vez original, en su desarrollo, para mantener atrapado al lector en todo momento. Naoki Urasawa crea una obra llena de misterio y de intriga, donde muchas veces la trama no avanza, y se recrea en cada capítulo como si se tratase del último de la serie. Sus historias funcionan tanto con su protagonista como en ausencia de él y el resto de personajes recurrentes, cada cual con unos rasgos característicos físicos y psicológicos propios dotados con un gran realismo, están tan bien perfilados que es un placer para la lectura. Una lectura pausada, que se toma su tiempo, creando historias paralelas a la trama principal pero que al mismo tiempo tienen su, en ocasiones, intrincada correspondencia. Cuando llegamos al final de la historia, todo una epopeya en clave de thriller, nos sentimos decepcionados pero no por el final en sí sino porque la historia haya llegado a su final. Monster no pretende ser una historia con un nudo, un desarrollo y un desenlace claro, a pesar de seguir esa estructura, sino que lo que su autor busca es conseguir algo más difícil: dibujarnos un fresco sobe la maldad humana. Naoki Urasawa nos fórmula una tesis y nos lanza preguntas entre viñeta y viñeta que sólo tienen la respuesta que uno quiera darle. Y todo ello mientras acompañamos a los personajes por un magnífico viaje a través de la vieja europa para descubrir quién es el verdadero monstruo de esta historia.

En el caso de Pluto, por otro lado, aunque sigue unos parámetros parecidos a los de Monster es un producto totalmente diferente. El principal factor de que esto sea así es el hecho de que este nuevo proyecto de Naoki Urasawa se basa más directamente en la obra de su maestro y "padre del manga" Osamu Tezuka. Pluto es una historia futurista, con la credibilidad de una distopía, ambientada, de nuevo, en Alemania y que parte de la premisa de la legendaria serie de Astroboy en la que Osamu Tezuka llegaba a conclusiones parecidas a las de Las tres Leyes de la Robótica de Isaac Asimov (casi al mismo tiempo que este sin haber tenido referencias el uno del otro). Tomando como punto de partida el capítulo de El mejor robot sobre la faz de la Tierra de Astroboy el autor Naoki Urasawa nos cuenta la historia de Gesicht un oficial de la policia alemana -en el original de Osamu Tezuka este personaje era un médico de nombre Tenma- que resulta ser un robot encargado de capturar a un asesino que está matando tanto humanos como a robots. La trama se complica cuando algunos indicios parecen apuntar a que este asesino en serie, aunque parezca imposible, es un robot.

Pluto se sitúa en un futuro, lleno de paralelismos con el de Osamu Tezuka y también de su Monster, donde la inteligencia artificial esta consolidada y los robots viven entre los humanos con total normalidad y libre albedrío. Pese a los posibles conflictos entre estos, más propios de la convivencia que de la incompresión, la visión de este futuro se muestra en gran parte idílica y optimista muy pocas veces retratada en la ciencia-ficción cuyas sociedades perfectas siempre esconden algo detrás y resultan, a grandes rasgos, distópicas. Los guiños a Isaac Asimov, a películas como Blade Runner e incluso a El Silencio de los Corderos se encuentran a lo largo ya de sus primeros capítulos en los que Naoki Urasawa arma todo un thriller psicológico, quizá incluso más que Monster, digno de ser aplaudido. Y lo más llamativo es como, a pesar de tratar una historia con robots como protagonistas, el autor es capaz de darles vida con su trazo y conservar intacta la emotividad característica de sus obras pasadas teñidas habitualmente de ese tono melancólico y reflexivo de sus páginas. En definitiva una obra más a tener en cuenta del, como ya decimos, maestro del suspense.

Kimagure Orange Road de Izumi Matsumoto

Kimagure Orange Road (きまぐれ オレンジ ロ-ド), manga que muchos quizá conozcan más por la antigua serie de televisión conocida como Johnny y sus amigos, es una historia de culto ideada por Izumi Matsumoto que se comenzó a publicar en 1984 en la revista Shonen Jump y cuya andadura se prolongó hasta 1988. En manga derivó en la mencionada serie de televisión, en dos películas y un buen puñado de OVAs. Inluso tiempo después el mismo Izumi Matsumoto se atrevió a escribir tres novelas que continuaban la historia de sus personajes. Se puede decir que el autor ha sabido rentabilizar bien el éxito de su obra.

Kimagure Orange Road cuenta la historia de Kyosuke (el mítico Johnny), un chico tímido, torpe y del montón (y algo tonto podriamos añadir) salvo por el hecho de que al igual que el resto de su familia, su padre y sus hermanas, tiene poderes especiales tales como la capacidad para tener sueños premonitorios, mover objetos con la mente, o de utilizar la autohinopsis o la teletransportación. Algunos mientros de su familia hacen gala de otros poderes tales como la capacidad para leer el pensamiento o de cambiar su cuerpo con el de otras personas. La acción comienza cuando el mismo día después de haberse mudado a una nueva ciudad conoce a una chica, Madoka (Sabrina), de la que se enamora y con la que se reencuentra posteriormente en el instituto donde también conoce a Hikaru (Rosita), amiga de Madoka, que se enamora a su vez de él. Kyosuke tendrá que intentar pasar desapercibido para que nadie descubra sus poderes mientras intenta conquistar a Madoka sin romperle el corazón a Hikaru.



¿Y qué tiene Kimagure Orange Road para haberse convertido en una serie de culto? Kimagure Orange Road es una de esas series que parece que nunca avanzan. Que se deleita con situaciones quotidianas y que se sirve del humor y de las situaciones de enredo para crear un producto ligero de puro entretenido. Ese tipo de historia donde el protagonista se mete, capítulo tras capítulo, en los más variopintos lios y que en ocasiones sientes la necesidad de gritarle lo idiota que es por generar problemas allí donde no los hay. Ese tipo de manga repetitivo, que sigue una vez y otra el mismo esquema. A saber: la tyrama empieza con una situación de tensión previa, la chica se enfada con el protagonista lo que conlleva que este se intente justificar y explicar dando pie a más situaciones liosas que desembocan en una conversación entre los personajes donde abren lo justo sus corazones para que todo quede en nada pero no lo suficiente como para no declararse y acabar de una vez por todas con el paripé. Ese tipo de producto es el que encontraréis en Kimagure Orange Road y lejos de ser estos sus defectos no son más que sus virtudes pues es una historia que lo único que pretende es hacernos pasar un buen rato.

Glénat ha comenzado a publicar esta serie hace unos meses, tanto en catalán como en castellano, que tendrá un total de 10 tomos a un precio de 9,95 €. En función del número de páginas el manga sale bastante rentable a pesar de la acostumbrada sencillez de las ediciones de esta editorial. La obra se incluye en su línea Shonen Manga a pesar de qué Kimagure Orange Road tiene más bien, en mi opinión, categoría de Shojo, ya que si exceptuamos el hecho de que el protagonista sea masculino se puede decir que cumple todos los requisitos. La originalidad en este caso son, desde luego, los poderes de los que hace gana Kyosuke que, no obstante, en casi ningún momento se convierten en el centro de la trama y sólo se utilizan para crear situaciones humorísticas. Un producto agradable de lectura con un dibujo ochentero algo pasado de moda pero que mejora tomo a tomo como suele ocurrir en estas ocasiones una vez el autor le ha cogido el pulso a sus personajes. Un producto que calará sobre todo entre los nostálgicos de la serie de televisión como ya ocurrió con la publicación, también por parte de Glénat, de la mítica Musculman.

-Gantz de Hiroya Oku-

Si bien el manga muchas veces puede ofrecernos auténticas obras maestras del mundo de la viñeta, como podrían ser las personificadas en las figuras de Katsuhiro Otomo o Osamu Tezuka entre otros, el Gantz de Hiroya Oku, obviamente, no es una de ellas. Tampoco le hace falta. Gantz es una serie de entretenimiento puro y duro aunque, eso sí, no diremos que sano conociendo su contenido. Digo todo esto porque Gantz presenta un tratamiento en sus historias y una atmósfera que bien podría haber desarrollado fácilmente el mencionado Katsuhiro Otomo pero, en ese caso, no sería el entretenimiento puro y duro que nos esta ofreciendo Hiroya Oku. Sería sin duda algo más profundo que el simple pastiche por el que se decanta el autor de Gantz con una historia llena de acción sangrienta "tarantinesca" (aunque sin geniales diálogos que hablen de hamburguesas o de canciones de Madonna), sexo de todo tipo (incluso del más depravado, véase el personaje de Kazuo Kuwabara) y ciertos elementos, los justos, de ciencia-ficción para otorgarle un minúsculo trasfondo filosófico y existencial (que no ético) en el que sustentar el dramatismo que requiere la cuestión.

Gantz es la historia de un grupo de personas que, después de haber muerto en diferentes circunstancias aparecen, de pronto, en una habitación con una extraña esfera que les propone luchar por sus vidas contra todo tipo de monstruos y aliens armados con extrañas armas futuristas y un traje negro ceñido que lo marca todo. Después de 24 tomos publicados hasta ahora por Glénat en España, en Japón aún es una serie abierta, la historia no ha avanzado lo más mínimo en la resolución de las interrogantes que ya se planteaban desde el principio de la serie. Y vuelvo a decirlo: ni falta que hace. Hiroya Oku ha dejado claro que lo importante de este manga es simplemente disfrutar con las eternas luchas por la supervivencia de sus protagonistas, de los ligeros toques de humor y de las escenas de sexo (y poses, véase las portadas de cada número) más gratuitas conocidas del mundo del cómic no pornográfico (vaya por delante que el autor se vanagloria de haber sido el inventor en el pasado de la técnica de los "rastros de movimiento de pechos" que tanto utilizan los autores de manga hentai).

Debemos destacar, eso sí, el apartado gráfico y es que Hiroya Oku ( y sus negros) realiza un trabajo a medio camino entre el dibujo tradicional y el tratamiento informático que consigue dotar a la serie de un cierto interés en este aspecto que se va incrementando a medida que avanzan los tomos y el autor (y sus negros) se encuentra más suelto con esta técnica. Aunque esto es una desventaja clara a nivel argumental pues Hiroya Oku se centra tanto en el dibujo que descuida lo demás y un tomo de Gantz se puede leer en apenas 20 minutos por la escasez de diálogos que presenta. También es interesante, hasta cierto punto, los guiños culturales que suele incluir Hiroya Oku en la historia (como la aparición de personajes inspirados en Go Go Yubari de Kill Bill o el personaje de videojuegos Lara Croft) y las interpretaciones del bestiario del folklore japonés en concreto o popular en general (como los vampiros). Fuera de eso, analizando friamente Gantz, sólo quedan litros y litros de sangre, mutilaciones de todo tipo para hoy y para mañana, monstruos cada vez más grandes con sus respectivas transformaciones a lo Dragon Ball, algo de romance y mucho sexo, algo de amistad y mucho capullo suelto y muertes, resurrecciones, teletransportaciones y preguntas sin contestar al más puro estilo de la serie de Perdidos de la que estoy seguro que el autor es todo un fan.

Hiroya Oku no oculta sus perversiones en este manga que por momentos tiene algunos pasajes que sólo se pueden calificar de sádicos y enfermizos. La sociedad japonesa que refleja en su obra es plenamente decante y cruel y son escasos los personajes que en ella aparecen que tengan unos principios a prueba de balas. No obstante, eso, es uno de los aciertos de Gantz que hace un tratamiento bastante realista de lo que una persona puede hacer o en que puede convertirse bajo presión o debido a lo que la sociedad espera de ella y es que en Gantz no sólo el mundo virtual donde trascurren sus aventuras es un lugar terrible sino que la realidad (los institutos japoneses son los peores parados) también lo es. Ni siquiera el protagonista principal de la historia, de los pocos con una evolución clara, empieza siendo un modelo a seguir sino que su calidad como héroe es algo que va descubriendo tomo a tomo. Esta obra, en ese aspecto, alivia nuestra vena cruel pues algunos de los personajes retratados por Hiroyu Oku son tan mezquinos que sus muertes, siempre crueles y bestiales, nos acaban reconfortando. Quizá, para entonces, hayamos descubierto que nos hemos adentrado demasiado en el mundo de Gantz.

Dragon Ball Evolution -La Involución de una Historia-

Cuando Akira Toriyama creo Dragon Ball seguramente no esperaba la gran relevancia e interés que suscitaría la serie ni el éxito que tendría. Dragon Ball es una franquicia que se podría calificar como el Star Wars japonés debido a las cantidades de merchandising y de noticias que sigue generando después de su creación hace ya 25 años. Imitada, parodiada y homenajeada hasta la saciedad Dragon Ball es una serie con un fuerte componente nostálgico de la década de los 80 y 90 y es la serie que acabó desencadenando el fenómeno manga actual en algunos países como en nuestro pese a que las series de animación japonesas siempre han copado nuestras televisiones desde hace décadas atrás. En Estados Unidos la serie de anime llegó más tarde y tremendamente mutilada en su concepción y censurada, no tanto por su violencia a la que se suele ser más receptivo sino por sus, en ocasiones, escenas con connotaciones sexuales y humor verde que se iría perdiendo poco a poco a medida que avanzaba la historia, paradójicamente, hacía su etapa más adulta. Aunque también es cierto que el anime de Dragon Ball ha sido objeto de censura en muchos otros países incluído el nuestro donde en algunas comunidades circulaban versiones adulteradas procedentes, mayormente, de Francia.

En tiempos recientes la adaptación hollywoodense de esta famosa historia, que les dio por acabar llamándola Dragon Ball Evolution para cuidarse un poco en salud, ha confirmado su fracaso en taquilla del que no podrá salvarle ni siquiera su, simplemente correcta, recaudación en la zona asiática. Las culturas orientales siempre son más receptivas a los cambios. La película acabará a duras penas recuperando su inversión que ahora, oficialmente, sitúan las fuentes en 50 millones de dólares cuando durante toda la andadura de la producción de la película durante dos años se aseguraba que había sido una inversión cercana a unos 100 millones de dólares. Uno espera, por el bien de FOX, que sea lo primero porque de haber gastado 100 millones de dólares en una película con un resultado de ínfima calidad tan apullante estaríamos desde luego hablando del mayor fiasco de la historia del cine moderno.

Dragon Ball Evolution tenía una misión clara: mediante un producto de baja calidad y poco cuidado, que podía llevar al público a las salas sólo por su nombre, reventar las taquillas y crear una nueva franquicia de éxito para explotarla hasta que la máquina diese de sí. Dragon Ball, como franquicia, ha movido en todos estos años más de 4000 millones de dólares en todo el mundo y ese es un dato que no podía pasar por alto a las grandes productoras de Hollywood que ahora han fijado su mirada en la cultura del anime y el manga y en los próximos años se avecinan multitud de adaptaciones de obras niponas la mayoria con perspectivas poco reconfortantes . Pero con Dragon Ball, esta vez, no ha habido suerte y la pésima calidad del material ofrecido junto a su desastrosa campaña publicitaria y la gran oposición de los fans en internet les ha pasado factura. De hecho, las criticas que recibió la producción después de que las primeras imágenes y trailers fuesen apareciendo, ha hecho que se hiciesen algunas modificaciones sobre la marcha y se guardase material, que ya había sido rodado, en el montaje final. Esto se evidencia claramente al ver la película en su inconsistencia y desastroso montaje de unos escasos 100 minutos.

Una de las virtudes de la obra de Akira Toriyama, que pese a apoyar esta producción la calificaba como perteneciente a un "universo paralelo", era la construcción de personajes y su evolución en el tiempo. Todos tenían una personalidad muy marcada que los hacía reconocibles al instante por los fans. En Dragon Ball Evolution reconocemos a estos personajes porque nos dicen que son ellos ya que su parecido con los originales es escaso o nulo en muchos casos y no solo físicamente. Las personalidades de los personajes están pervertidas hasta ser los héroes perfectos y tópicos de la sociedad estadounidense. Para muestra un botón: Goku de ser un chico noble, con una inocencia rallando el absurdo, cuya mayor motivación en el mundo es ser cada día más fuerte es transformado en el elegido de una antigua profecía y en un chico del montón, que asiste al instituto donde resulta ser un marginado, obsesionado con las chicas y con unos poderes mucho más limitados que en la serie. Una suerte de mezcla entre Peter Parker y Daniel LaRusso de Karate Kid.

Se argumenta que este tipo cambios son por la búsqueda de una mayor realidad y un acercamiento al gran público, desconocedor de la obra de Akira Toriyama, pero estamos hablando de una obra de fantasía con ciertos toques de ciencia-ficción en una historia que no deja de ser de superhéroes al modo japonés. Dragon Ball tenía su propio mundo, alejado del nuestro, con sus ciudades futuristas, con su propia fauna muy cercana realmente a la de Star Wars, saga de la que el autor es gran fan y que demuestra más de una vez homenajeandola en cuanto tiene ocasión, y sus luchas imposibles. Eso es lo que hacía, en conjunto, atractiva a la serie en su simpleza. Hacer una adaptación de una obra eliminando sus referencias más especiales, vulgarizandola, y alterando aquello por lo que ha llegado a ser reconocida y motivo de éxito no tiene mucho sentido. La recreación de un mundo como Dragon Ball es más que posible, sin caer en el horror estético, como han demostrado otras sagas anteriormente como la propia Star Wars o El Señor de los Anillos y sus espectaculares y grandilocuentes batallas ya demostraron ser posibles en Matrix Revolutions donde los Hermanos Wachowski organizaron su propio y mal disimulado homenaje a la serie.

La estética de Dragon Ball Evolution es propia de la serie B más radical en la línea de clásicos como el Street Fighter de Jean-Claude Van Damme o Super Mario Bros con las que se la compara en todos los foros de internet y no sin cierta razón. La estética esta, pues, equivocada. Dragon Ball exige un presupuesto y una manera de entender la acción que esta muy lejos de lo propuesto en esta película por James Wong que en unas declaraciones recientes afirmaba desconocer sobre la obra de Dragon Ball antes de que le ofreciesen el proyecto de la que ahora, por supuesto, es un gran admirador. Si uno observa la trama de la película si parece adivinarse una voluntad de mantener la historia que se pudo ver en el anime y el manga en sus puras líneas más generales. Algunos de los elementos característicos están presentes, aquí y allá, pero en el producto se demuestra una gran desgana y esta plagado de licencias gratuitas que resultan sonrojantes resueltas, además, de forma más que cuestionable en el guión de Ben Ramsey que, por lo visto, tampoco debía conocer la serie.

Los inicios con Goku en el instituto, la inclusión de un personaje como Mai de relevancia anecdótica en la serie que aquí pasa a tener un nuevo status -calcado al de la Mistica de los X-men- y más minutos que el propio villano principal de la historia Piccolo, y en cambio un personaje de cierta relevancia como Yamsha o el Duende Tortuga son ninguneados, los esbirros de Piccolo y esa escena de patetismo extremos en el interior de un volcán o el cambio en el origen del personaje que se revela en la brevisima lucha final con Piccolo. Y todo esto sin mencionar unos efectos especiales de regional preferente que en ningún momento están a la altura ni en la plasmación de los poderes de los personajes -la manisfestación de la energía parece de un capítulo de Buffy Cazavampiros- ni en la creación de bestias que acaban siendo risibles como esa transformación de Goku en hombre-lobo o ese dragón Sheron que no tiene ningún tipo de presencia o espectacularidad como si la tenía en el anime y el manga. Si a esto unimos un plantel de personajes descafeinados: el Goku arácnido, la Bulma Croft, el Duende Tortuga vagabundo o el Piccolo con el traje de Batman y una sarta de tópicos que vienen a mostrarnos, una vez más, la superioridad del omnipresente y cansino way of life estadounidense la película no puede ser más que un despropósito insalvable.

El problema de Hollywood con las adaptaciones es que siempre las acaba llevando a su terreno. Hasta cierto punto tiene sentido: ellos producen, ellos deciden. Pero la palabra clave es: adaptación. Cuando estás adaptando una obra, sea una novela o un cómic, o incluso hoy en día un videojuego, son muchas cosas las que hay que tener en cuenta. A la hora de adaptar se esta mostrando una interpretación del director de la obra en cuestión, aunque en casos como Dragon Ball Evolution uno tiende a pensar que la interpretación es la de los productores, que ya tiene sus propias pautas: son virtudes y sus defectos. La cuestión es hasta que punto el director tiene potestad sobre la obra original y hasta que punto es licito modificarla según su criterio. En este caso, como en otros, la libertad creativa es limitada pues no nos vamos a engañar, la finalidad de este tipo de películas es hacer negocio pero, su "obligacion" para con el espectador es el entretenimiento estableciendo un deseable quid por quo. Pero hay que conocer la obra y saber al público al que se dirige ya que no todo el mundo tiene el mismo concepto sobre el entretenimiento. No se puede eludir tampoco que la FOX con Dragon Ball Evolution buscaba una película que pudiesen ver los más pequeños lo cuál además supone una infantilización de ciertas tramas en la película ya que no se han decidido a contar Dragon Ball en sus origenes sino que, más bien, han optado por empezar allí donde Dragon Ball empezó a eclosionar definitivamente como un fenómeno de masas.

En definitiva todos nos alegramos, exceptos algunos espectadores rezagados y benevolentes o aún inocentemente esperanzados en una secuela que sea verdaderamente digna de la obra original de Akira Toriyama, del fracaso de Dragon Ball Evolution. Ni siquiera como película, fuera de Dragon Ball, es reseñable como si lo serían otras adaptaciones fallidas como Constantine o From Hell que sin parecerse a sus originales, sobre todo en el caso de la segunda, son cuanto menos películas entretenidas. Tal vez como siempre recalca ese genio barbudo de forma algo gruñona que es Alan Moore, hay cosas que no es que no se puedan adaptar sino que no hay necesidad de hacerlo. Quizá deberíamos tener la suficiente madurez para saber ver que cada medio tiene sus propias reglas y que hay que valorar a una obra en su marco de referencia en que fue concebida y es innegable que en el caso de Dragon Ball donde mejor podremos apreciar su magnificencia es en las páginas del manga de Akira Toriyama y también, a otro nivel que es como nos acercamos la mayoria a Dragon Ball, en la serie de anime de Toei Animation. Eso o esperar que alguien con verdadera devoción por la obra y con talento se decida a darnos su visión sobre las aventuras de Goku y sus amigos.

Doraemon, El Gato Cósmico

Aunque a algunos se lo parezca Doraemon no es una creación tan moderna. Es uno de los mangas y una de las series de más éxito de Japón y aún hoy se sigue emitiendo. Fujimoto Hiroshi y Motoo Abiko, bajo el pseudónimo de Fujiko F. Fujio, fueron sus creadores en el papel allá por el año 1969. ¿Quién no conoce a Doraemon? Un androide con forma gato que tiene proporciones más bien bajas, oficialmente 129 cm, y que con sus 129 Kg es tirando a obeso de tipo estadounidense. De color azul epiléptico no tiene orejas porque se las comieron los ratones –de ahí su miedo a estos seres- y posee un bolsillo “mágico” en la panza similar a la bolsa marsupial de los canguros y de la cual saca todo tipo de artefactos. Eso por no mencionar su capacidad para hablar, sentir y razonar como una persona humana. ¡Y si le tiran de su cola deja de moverse! Aunque esto, bien pensado, es algo que le puede ocurrir a casi cualquier macho de cualquier especie animal con órganos reproductivos. Doraemon, resumiendo, es lo que cualquiera imaginaría cuando piensa en el gato que uno querría tener, ¿o no? En el olvido quedan datos desconocidos para el público en general como el hecho de que Doraemon es capaz de saltar hasta 129,3 cm o correr a 129,3 km por hora. Quizá sea, porque viendo su esbelta figura, no hay quién se lo crea.

Doraemon viene del futuro. Tiene una misión que cumplir. No viene para evitar un cataclismo. Ni para alertar al mundo de una posible invasión extraterrestre. Ni para predicar el nuevo evangelio. Con él no se inicia el fin de los días. Ni tan siquiera para matar a John Connor el líder de nuestra futura resistencia contra las máquinas como todos sabéis. Nada de parafernalia moralistas sobre el futuro que nos merecemos ni mensajes medioambientales para tomar conciencia del peligro de la actitud humana en su relación con el planeta Tierra. Su misión, simplemente, es cambiar el futuro ayudando a malcriar a Nobita -un personaje que parece estar inspirado en Bill Gates- para que la familia para la cual “trabaja”, descendientes de Nobita en realidad, tengan un futuro prospero y no malvivan en el siglo XXII del que supuestamente procede Doraemon. Vemos aquí, por fin, una historia inteligente y realista respeto al concepto de la ciencia-ficción y los viajes en el tiempo. ¿Para que utilizaríamos una máquina del tiempo si la tuviésemos? ¿Para hacer turismo? ¿Para salvar el mundo o mejorarlo? No. ¡A la mierda con eso! Para nuestro propio beneficio personal. ¡Como debe ser!

Resulta que el tataranieto de Nobita y su familia, en el siglo XXII recordad, viven en pobreza a causa de errores que cometió el primero cuando aún era joven. ¿Cómo es posible que Nobita, después de más de un siglo y medio, haya creado una deuda tan descomunal a sus descendientes? O aquí alguien miente o Nobita, al crecer, se dio a unos vicios muy poco sanos y muy caros… El caso es que, para corregir esto, su tataranieto envía a Doraemon al pasado. Doraemon se convertirá entonces en una especie de niñera para Nobita. El caso es que a nadie le parece raro, en todo el barrio, el nuevo amigo que se ha echado Nobita. ¡Ni siquiera sus padres llegan nunca a decirle nada de que haya acogido así, por las buenas, a un gato cabezón en casa! No sé produce el ningún momento la típica conversación entre padre e hijo que todos hemos tenido “Luego no lo vas a cuidar”, “No tenemos espacio para él”, etc. Sus amigos nunca le preguntan porque su gato es más inteligente que él o porque habla. No aparecen tas televisiones y las radios para hacerse eco del nacimiento de ningún gato mutante o no aparece el FBI para intentar atraparlo como le paso a ET. Supongo que estas cosas sólo pueden pasar en Japón.

Pero lo que me perturba de esta serie son esos descendientes del futuro de Nobita. En ese futuro del que viene Doraemon se han creado maravillas tecnológicas del calibre de un casco volador y otros tantos muchos más estúpidos pero, al parecer, la inteligencia de la humanidad ha sufrido un considerable retroceso. Porque la pregunta que cabe hacerse, llegados a este punto, es, ¿una familia con un poder adquisitivo tal que es capaz de dotar a su gato androide de lo mejorcito de la tecnología de su tiempo y transportarlo en una máquina del tiempo como puede encontrarse en la pobreza? ¿No es eso como si Bill Gates no tuviese para coger el autobús? En cierto capítulo un día Nobita quiere comprarse una bici –cual Zipi y Zape- pero sus padres le dicen que naranjas de la China porque no les llega con paga extra. Así que Doraemon tiene una brillante idea: ingresar dinero en un banco a plazo fijo de 100 años para conseguir unos buenos intereses. De esta manera, según Doraemon, “al cabo de diez años se dobla el capital inicial y al cabo de veinte se multiplica por cuatro…” y así hasta los cien años en que habrá aumentado 1024 veces. La máquina del tiempo que Doraemon posee hará el resto.

Realmente ingenioso. Y me pregunto yo, ¿esto no se les ha ocurrido a los descendientes de Nobita para solucionar sus problemas que al parecer rozan el umbral de la pobreza? No me dirán que sea porque no quieran alterar la continuidad del espacio-tiempo porque su ridículo plan de “educar” a Nobita se pasa esa regla por los cascabeles de Doraemon. Si es cierto que Fujimoto Hiroshi y Motoo Abiko no son George Orwell y Paul Verhoven y de esa realidad futura no se nos cuentan los pormenores socioeconómicos de la época y eso, precisamente, nos lleva a desconfiar que aquí hay gato encerrado. Nunca mejor dicho. ¿Y si en realidad Nobita si es John Connor? ¿Y si Doraemon no es tan bueno como aparenta? ¿Y si es satánico como anunciaban algunas asociaciones de padres de nuestros país? Nobita es mal estudiante, es vago y es el centro de las burlas de sus compañeros de clase. Gafotas, cuatro ojos, capitán de los piojos. Siempre que tiene algún problema acude a Doraemon para que le proporcione algún aparato para vengarse. Una joya de chaval, vaya. ¿Tanto recursos y esfuerzos se merece?

Nobita está enamorado de Shizuka (o algo así), que es básicamente la única amiga que tiene, y en el futuro se casarán. ¡Ojo! Él estaba destinado a casarse con la hermana de su acérrimo amigo-enemigo, Gigante, pero Doraemon le asegura que si hace las cosas bien podrá cambiar eso y casarse con Shizuka. No se sabe porque extraña razón Shizuka accedería a tal propuesta pero asumimos que será a través de algún tipo de chantaje o extorsiones. Pero aquí me surge otra duda. Yo no soy un experto en la materia pero, ¿qué tipo de universo espacio-temporal estamos defendiendo? Porque es obvio que todo esto se hace para cambiar el triste futuro de los descendientes de Nobita pero si en ese futuro estaba casado con la hermana de Gigante si eso cambia ahora y lo hace con Shizuka, ¿no esta eso condenando posiblemente, es un supuesto, la existencia de todos sus descendientes? ¿De qué se trata esto? ¿De un suicidio colectivo temporal?

¿Y como acaba todo esto? Pues no lo sabemos. Doraemon es a día de hoy aún una serie abierta con más de 1000 capítulos en su haber y esta destinada a perpetuarse ad infinitum. Sí existen, según informa la wikipedia, varios guiones que presentan diferentes posibles finales para la serie pero inconclusos y, a día de hoy, descartados. Ha circulado la leyenda urbana también de que existe un capítulo especial que presenta un final en el cual, siguiendo los pasos de Abre los Ojos, se desvela que Doraemon es un sueño de Nobita mientras éste se encontraba en coma. Alguna otra leyenda urbana hace referencia a que un día, Nobita se puso a llorar sobre Doraemon, y al mojarlo con sus lágrimas lo estropeó. Desde entonces no paró de estudiar para poder algún día arreglarlo. Este final de cuento clásico tampoco es muy fiable.

Yo creo que un buen final para la serie sería ver a Doraemon sacrificándose de verdad por Nobita y muriendo al ser devorado por las ratas. Nobita intenta varias veces cambiar el futuro para evitar la muerte de Doraemon pero nunca lo consigue y las cosas empeoran. Nobita presa de su dolor, al perder a su gran compañero, entra en una profunda depresión y al final se convierte en el responsable de destruir la continuidad espacio-temporal y condenar al universo a su desaparición. Esa es mi propuesta pero vosotros podéis tener la vuestra. ¡Faltaría más! Aunque el final que todos quisiéramos ver cuando pensamos en Nobita es, sin duda, el siguiente. No me digais que no que habéis pensado lo mismo un montón de veces.

-Tokyo Babylon de Clamp-

Governmental consumer purchase good desing of gabo in all white license as a communicator as a year ago everyyone on pistol grips. When a Food Agency may purchase on a tender, and she

TOKYO BABYLON

A SAVE FOR TOKYO CITY STORY

Desde hace siglos, dos familias se disputan, de alguna manera, el control de Japón. Los Sumeragi son conocidos como los protectores de la paz, son maestros del onmyou y se esfuerzan por traer la armonía al mundo y ayudar a los necesitados. Sus enemigos acérrimos son los Sakurazuka, un clan de ninjas asesinos cuyo lider es también conocido como el Sakuratsukamori, un asesino despiadado que no alberga sentimientos. Desde hace generaciones ambos clanes han estado enfrentados, y muchos Sumeragi han muerto a manos de las ilusiones mortales del Sakuratsukamori de turno. Incluso el padre del actual líder sucumbió ante el enemigo.

En la actualidad, Subaru Sumeragi, de tan sólo 16 años, es el decimotercer líder de su familia, pero quizá es demasiado joven para ese cargo. Educado por su abuela, una dama muy estricta, Subaru se traslada con su hermana gemela Hokuto a la capital japonesa, donde se gana la vida practicando sus artes y ayudando a los demás. Pronto conoce a Seichiro Sakurazuka con el cual, a pesar de formar parte de la familia rival, Hokuto y Subaru establecen una profunda amistad. Seichiro incluso se confiesa enamorado de Subaru.


"Aunque tu corazón esté herido, no sangra.
Así que tu cuerpo es incapaz de comprender qué es lo que te duele.
Los sueños son una forma de indicarnos dónde y cómo ha sido herido nuestro corazón"

Advertencia: ¡Posibilidad de spoilers muy alta!

Esta es la sinopsis de Tokyo Babylon a grandes rasgos sin desvelar más allá de lo eséncial. Aquellos que hayan leído el manga sabrán que es una historia bastante trágica. Seichiro se acaba desvelando como el Sakuratsukamori y matando a Hokuto, la hermana de Subaru, siendo este la próxima presa de Seichiro. Así es como acaba el manga después de sus siete tomos y sus once capítulos. Un final muy abierto que tiene su segunda conclusión en otra serie de las Clamp: X/1999. Ambas obras de lectura indispensable.

El personaje más llamativo de Tokyo Babylon es, sin lugar a dudas, Seichiro Sakurazuka, un personaje que se caracteriza por su total auséncia de cualquier tipo de moral. Es el asesino perfecto: frío y sin compasión o resentimientos. No por casualidad se convirtió en el nuevo Sakuratsukamori después de matar a su propia madre. Con el beneplácito de esta ya que ese es el destino del asesino de asesinos. Al igual que él había matado a su madre y esta moría a manos de la persona que más había querido ella le revelo que a él le aguardaba el mismo final legando su título de Sakuratsukamori. Ya se evidencia aquí ciertas reminiscencias de antiguos mitos y leyendas entroncados con oráculos y profecías de los que los mangas de las Clamp están plagados aunque nunca se los nombre como tal.

A Seichiro no le sorprendió ni le intimido esta revelación. Es por ello que creo que hizo aquel trato con Subaru aquella primera vez en que se encontraron. Seichiro simplemente quería probarse y aquella situación le pareció la idonea. Quería comprobar, si como le advirtió su madre, sería capaz de amar o como él seguía pensado era imposible que él llegase nunca a amar a nadie. Seichiro hizo aquel trato con Subaru cual Mefistófeles y borro de su memoria todo rastro de aquel suceso dejando en sus manos la marca del Sakuratsukamori -la estrella invertida de cinco puntas en contraposición a la del clan Sumeragi, la estrella tradicional de cinco puntas, con la que se acabará fundiendo en una sola- para poder encontrarlo de nuevo. Desde aquel día Subaru lleva guantes en sus manos protegidos por un conjuro de su abuela que le aconsejo no quitarselos nunca. Subaru obedeció sin saber nunca el porqué.

El trato entre Seichiro y Subaru era sencillo: Seichiro pasaría un año en contacto con Subaru y si durante ese tiempo conseguía que sintiese algo por él le perdonaría la vida. De lo contrario moriría como estaba previsto. Lo cierto es que, a pesar de ser un ser que no es capaz de sentir nada, el Sakuratsukamori o Seichiro, sabe interpretar, imitar o manipular a la perfección las emociones y sentimientos humanos. Durante ese año así lo demuestra llegándose a confesar interesado en Subaru. Al final descubriremos que esto, tal vez, no era exactamente así y Hokuto y Subaru descubrirán la verdad sobre Seichiro: es el Sakuratsukamori y les ha engañado totalmente a ambos. Seichiro revela toda la verdad a Subaru dentro de una ilusión mortal disfrazada de sueño. Él marco sus manos el dia que le descubrió junto a un cerezo con una de sus victimas. Subaru escapa de esa ilusión gracias a la intervención de su abuela con una mano rota y en estado de shock después de descubrir que la persona de la que, por fin, se había descubierto enamorado es un asesino. Seichiro y Subaru compartían una cosa: su miedo -entre comillas para Seichiro- a enamorarse.

Subaru es un personaje frágil e inocente que se implica demasiado en las desgracias de los demás lo cúal complica su trabajo en ocasiones -él es un medium- y que de alguna manera le aísla del mundo. Esto es un tópico sobre el trabajo de los mediums que podemos ver en películas como El Sexto Sentido y en la mayoria de mangas sobre el tema. Cuando uno esta en cotacto con dos mundos, como Subaru, al final se acaba decantado por uno de ellos. Lo cual implica descuidar el otro o olvidarlo en el peor de los casos. De hecho, a Subaru se le puede aplicar muy bien esa cita del mundo Marvel que dice "Todo gran poder conlleva una gran responsabilidad". Hokuto sabía todo esto porque su don es “saber lo que siente el corazón de Subaru”, es su gemela, y también sabía que el día que Subaru amase a alguien y que, por desgracia, pudiese equivocase de persona él moriría. Y así, en cierta manera, ocurrió.

Hokuto busco entonces a Seichiro y le pidió que la matase utilizando antes un hechizo que sólo ella conocía con el que consiguió intercambiar su destino con el deparado para Subaru. Así se lo hizo saber a Seichiro y le advirtió que si él utilizaba este mismo hechizo contra Subaru este se volvería contra él. ¿Quiere decir esto que Subaru estaba destinado a morir a manos de Seichiro sin convertirse en el nuevo Sakuratsukamori? Hokuto le dio la vuelta a todo y con su sacrificio provocó que Subaru estuviese destinado a matar a Seichiro. ¿Hokuto realmente intercambio su destino con el de Subaru o, en realidad, fue con el de Seichiro? Es algo que me he preguntado alguna vez. Pero no hay nada que respalde esta teoria. Hokuto dio la vida por Subaru que, de otra manera, habría muerto, literalmente, por amor.


Subaru despertó de su shock presintiendo la muerte de su hermana y jurando matar a Seichiro. Desde ese momento aquel fue su único objetivo y deseo. El dolor de Subaru es aún más grande por un hecho que quizá pueda pasarse por alto o parecer absurdo pero que esta ahí. En Tokyo Babylon, después de la muerte de Hokuto, Subaru se mira al espejo y después de ver su reflejo exclama “hola, hermanita” y lo rompe en pedazos. Hokuto no era sólo su hermana si no que era su gemela y apurando mucho: su única amistad. Pero que sea su gemela significa que cada día la ve en su reflejo y reconoce que esta tan muerto como ella. La ve cada día y recuerda las promesas que se hicieron de cuidar el uno del otro siempre. Sólo Kamui, en X/1999, conseguirá, en cierta manera, "recuperarlo".

La frustración de Subaru no sólo se nota en sus palabras o en sus acciones. Es obvio que su carácter ha cambiado al finalizar Tokyo Babylon pero ese cambio lo podemos notar también, por ejemplo, en su vestuario: este se aleja paulatinamente de su excentricidad y complejidad con que Subaru vestía en los primeros capítulos para acabar con un estilo mucho más sobrio y sencillo. Un rasgo claro de depresión. La inocencia de Subaru ha muerto y como vemos en el último capitulo a pesar de seguir con su trabajo y de ser tan perceptivo como siempre su implicación emocional ha sufrido ciertos cambios además de copiar hábitos de su enemigo: como el de fumar. Para matar a Seichiro debe convertirse en él, lo que Subaru no sabe aún es que esa máxima será más literal de lo que piensa.

Pero, ¿por qué Seichiro no busco a Subaru cuando ya estaba marcado como su presa? Puede haber diversas razones para ello. Pudo ser debido a que Seichiro mintió a Subaru cuando le dijo que después de un año no sentía nada por él. O pudo ser porque, inesperadamente, la abuela de Subaru lo salvo de la muerte y su hermana dio la vida por él de manera que Seichiro, desde aquel momento, supo que si volvía a ver a Subaru probablemente moriría. Quizá, simplemente, no fuese el momento pero creo que Seichiro ya tenía claro que Subaru sería su sucesor. ¿Sabía, por otro lado, que estaba destinado a ser uno de los Dragones de la Tierra? ¿Sabía que Subaru sería uno de los Dragones del Cielo? En definitiva es un punto que poco importa.

“Puede que la gente haga cosas malas porque están tristes”. Con esa frase termina Tokyo Babylon. Una frase que parece encerrar más de lo que parece. La tristeza es una emoción y eso es algo que supuestamente no puede sentir el Sakuratsukamori. ¿Pero esto es así? Recuerdo una escena de El Velatorio, el último arco argumental de la serie The Sandman de genial Neil Gaiman. En dicha historia se narra la muerte “consentida” de un personaje y en algún momento de la historia otro personaje dice lo siguiente: “A veces, uno debe cambiar o morir. Creo que él halló el límite de cuanto podía dejarse cambiar”. Esto es exactamente creo lo que le ocurrió a Seichiro. Fuera de que llegase a amar o no a Subaru la realidad es que algo había cambiado dentro de él y él no podía cambiar. No podía dejar de ser el asesino de asesinos.


Todo esto nos lleva a un desenlace y a un hecho objetivo que aparecen en X/1999: el "suicidio" de Seichiro. El destino de Seichiro y el de Subaru se consumió cuando el primero utilizo aquel hechizo sobre el que Hokuto le advirtió. Subaru se convertía así en el nuevo Sakuratsukamori llorando la muerte de Seichiro mientras este no conseguía esbozar de sus labios ese anhelado "te quiero". ¿Se agoto su tiempo o se lo callo? Creo que la respuesta se puede encontrar en las imagenes del manga en las cuáles se puede apreciar la paz y la bondad en el rostro de Seichiro que antes sólo podíamos intuir como fingida en Tokyo Babylon.

Otra pregunta que me he hecho alguna vez referente al Sakuratsukamori rota sobre su inclusión dentro del bando de los Dragones de la Tierra. ¿Realmente este era el bando en el cúal encajaba Seichiro? Algunos detalles me llaman la atención. El Sakuratsukamori es un asesino orgulloso de su trabajo. No siente nada por los humanos más que indiferencia, como si él perteneciese a otra especie diferente. Pero, ¿de verdad esa indiferencia se convierte en el odio necesario para decidir acabar con la humanidad? Es más, siendo quién representa ser, ¿le conviene a Seichiro la destrucción de la Tierra? En Tokyo Babylon además se nos descubre como utiliza a animales indefensos para desviar los efectos malignos de la práctica de sus hechizos que de otra manera se volverían contra él. Lo que demuestra que tampoco tiene ningún respeto ni amor por la naturaleza que, a priori, es una de las razones para estar en el bando de los Dragones de la Tierra.

Subaru, de hecho, tiene más motivos para estar en ese bando que el propio Seichiro pues Subaru es medium y suele convivir con otra realidad espiritual conectada con la tierra -Tokyo Babylon esta lleno de mensajes ecológicos y sociales que son eje central de muchos capítulos de la serie- y, por lo tanto, no sería extraño que defendiese la regeneración de esta y de un nuevo nacimiento espiritual. Pero en un primer momento Subaru optó, si es que pudo elegir, por los Dragones del Cielo, pues su naturaleza no le permite hacer daño a ningún ser vivo -aunque este desconectado de ellos- y es un nexo que no puede romper. Subaru elige que todo permanezca igual. Seichiro elige el cambio y eso es lo remarcable: que alguien que no puede cambiar desee hacerlo.

Antes de la muerte de Seichiro, Fuuma, líder de los Dragones de la Tierra en X/1999, había herido a Subaru en el ojo dejándole ciego. El mismo ojo que tiempo atrás Seichiro perdió por proteger a Subaru del ataque de una madre desconsolada. Y este hecho fue, en realidad, una especie de liberación para Subaru pues, a pesar de que su único objetivo en la vida se había convertido en matar a Seichiro aún se sentía culpable por el hecho de que Seichiro, en aquella ocasión, perdiese su ojo protegiéndole. En su inconsciente Subaru se culpaba aún de ese hecho pues lo veía como el momento determinante que pudo transformar a Seichiro para bien o para mal. Fuuma le concedió su deseo. Seichiro creía que el deseo de Subaru era matarle -pero como Fuuma sabía que pasaría se equivocaba- y ello se debió a que "subestimo" a Subaru y pensó que después de todo lo pasado el corazón de Subaru sólo podía albergar rencor y venganza. Es el momento en el cúal Seichiro ve más claro que nunca su destino. Seichiro, antes de morir, le dejo a Subaru su único ojo sano que este acepto para cumplir con la misión de Seichiro. Para seguir su destino y para que todo el dolor y el sufrimiento tuviese una explicación. Para que las muertes de Seichiro y su hermana Hokuto tuviesen un sentido. No le quedaba ya otra motivación en la vida.

Por ello Subaru no sólo se convirtió en el nuevo Sakuratsukamori, uniendo irónicamente en uno solo al clan Sumeragi y al Sakurazuka, si no que le sucedió como Dragón de la Tierra abandonando a los Dragones del Cielo. Pero Subaru no es un asesino, nunca lo ha sido, y, aún formando parte de los Dragones de la Tierra, no siente ningún interés por nada. No sabemos aún que será de Subaru pues X/1999 aún es una serie abierta, muy abierta diríamos, y sólo las Clamp saben cual será el verdadero final a esta historia. Hay cabos sueltos y aún la historia de Subaru y Seichiro podría dar otro vuelco como parece indicar la comentada pertenencia de Subaru a los Dragones de la Tierra o el hecho de que Hokuto también haya aparecido en la serie junto a otro de los personajes de la misma: el vidente de sueños Kakyo. ¿Esta ya todo contado? Esperemos que no.

Valoración: 8/10