-Northlanders: La Cruz + El Martillo de Brian Wood y Ryan Kelly-

"No parece ser un hombre equivocado...
tanto como un hombre guiado por una causa"

El primer arco argumental de Northlanders, El Regreso de Sven, resultó una bocanada de aire fresco dentro de las últimas propuestas de la línea Vertigo de DC Comics, con una historia narrada con detalle y de forma efectiva por Brian Wood y plasmada por los espléndidos lápices del italiano Davide Gianfelice. Con La Cruz + El Martillo, segundo arco argumental autoconclusivo publicado por Planeta de Agostini que corresponde a los números #11-16 de la serie, Brian Wood intenta llevar su propuesta un paso más allá dejando la sutileza a un lado en sus comparaciones del "salvajismo" y decadencia de nuestro mundo contemporáneo, irónicamente inmerso en una espiral en constante cambio y evolución con cierta correspondencia a los tiempos vividos por las poblaciones vikingas en su ocaso a partir del siglo XI d.C. que finalmente resultarían en el conflicto y la aculturación hacia los roles cristianos del momento. La Cruz + El Martillo es, pues, un título bastante explícito al respecto, reflejando la dualidad que enfrentaba a la religión cristiana contra las tradiciones paganas vikingas. En este relato Brian Wood nos presenta de nuevo a un personaje marginal, un brutal y obsesivo Magnus acompañado por su hija Brigid, enfrentado en una eterna huida a las fuerzas de ocupación vikingas que se personifican en su cazador y "especialista forense" Lord Ragnar Ragnarsson, un enviado del rey Sigtrygg. Como telón de fondo de la anunciada tragedia tenemos la Irlanda del año 1014 d.C. durante la batalla de Clontarf que resultó la culminación del conflicto entre los reinos de Munster y Leinster por la soberanía del país.


En esta ocasión, con La Cruz + El Martillo, el guionista estadounidense Brian Wood realiza un trabajo más ligero donde las citadas referencias o intencionados anacronismos de carácter contemporáneo, especialmente marcados en el personaje de Lord Ragnar Ragnarsson, definido por un espíritu racionalista y científico que parece algo fuera de época, y el "final trampa" de la propia historia, resultan mucho más forzados que en El Regreso de Sven. Brian Wood crea todo un "thriller psicológico" de época donde la caracterización de personajes sigue siendo la tónica dominante aunque sin el atractivo del dibujo de Davide Gianfelice que vimos en el primer arco argumental de la serie. Aquí el dibujante elegido, que también ejerce como entintador, es Ryan Kelly, al que conocemos por sus trabajos en el sello Vertigo en series como Los Libros de Magia o Lucifer. Ryan Kelly cumple sin muchas excelencias, a pesar de un trazo que puede recordar al del citado Davide Gianfelice, con un dibujo desgarbado y parco aunque efectivo en el plano corto y con un destacado sentido de la acción que aquí se sobrepone a la épica presente en El regreso de Sven. El colorista, de nuevo Dave McCaig, sigue realizando un trabajo encomiable convirtiéndose en el nexo de unión entre El Regreso de Sven y La Cruz + El Martillo junto a Massimo Carnevale que sigue deslumbrándonos con sus magníficas portadas.

Como comentó José Torralba en Zona Negativa en su momento a propósito de La Cruz + El Martillo "la historia es más pequeña, de menos calado, sin tantas triangulaciones y con menos personajes; y la estructura, por consiguiente, es más simple" pero, a pesar de todo, "poderoso en su subtexto". Es aquí, quizá, donde descubrimos el verdadero tono de la serie ideada por Brian Wood que no pretende en ningún caso plasmar fielmente el reflejo de una época o convertirse en un cómic de corte histórico propiamente sino utilizar las historias humanas que en Northlanders se nos van presentando para realizar una reflexión sobre nuestro propio presente. A pesar de ello Brian Wood respeta muchos aspectos del bagaje de la época que trata relacionados con tradiciones, comportamientos, vestuario y algunos sucesos de trascendencia histórica esencial en las páginas de Northlanders pero fuerza, en ocasiones, la mentalidad y las situaciones extraordinarias a las que se ven sometidos sus protagonistas para conseguir sus objetivos creando en el camino fábulas y metáforas atemporales sobre la sociedad y los valores humanos y sobre el choque de civilizaciones que tanto ha marcado el devenir histórico. Esto puede resultar una decepción para aquellos que busquen una obra de género más clasicista y más apegada a la concepción tradicional que tenemos sobre las culturas antiguas por mucho que esta suela estar tan "adulterada" como la visión que Brian Wood nos propone.


También hemos de tener en cuenta que Northlanders se articula como una serie de relatos de diferente extensión y temática, dentro de la época que retrata en la que se utilizan ciertas ideas y temas recurrentes así con cierto sentido de la épica, que convierte cada arco argumental o historia en una reinterpretación del concepto de la serie al obligarse a sí misma a liberarse de una continuidad estricta y cambiando de protagonistas y de escenario en cada relato. Esa independencia argumental es un valor propio de la serie aunque también puede ser un punto débil ya que, por defecto y de forma inevitable, algunas historias y protagonistas conseguirán empatizar y llamar más nuestra atención que otras. La Cruz + El Martillo es una historia menos llamativa, más tópica desde el punto de vista actual debido a su narrativa tramposa, menos detallada y de menos repercusión pero suple con entusiasmo y ritmo esas carencias, resultando en un entretenimiento más liviano y manteniendo intactas las posibilidades de una serie que sin duda nos tiene preparados mejores momentos en futuras entregas. Para comprobarlo tendremos que esperar al mes de Agosto en que Planeta de Agostini publicará el tercer recopilatorio de Northlanders, Sangre En La Nieve, que incluirá una serie de relatos cortos ilustrados por diferentes artistas como son Dean Ormston, Vasilis Lolos o Danijel Zezelj a los que se suma el regreso de Davide Gianfelice en una historia que sirve de continuación a El Regreso de Sven titulada en esta ocasión Sven El Inmortal.


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-Northlanders: La Cruz + El Martillo en Zona Negativa-

Los Muertos Vivientes de Robert Kirkman,Tony Moore y Charlie Adlard -El Oscuro Retrato del Superviviente-

"¿Cuándo fue la última vez que cualquiera de nosotros DE VERDAD hizo algo para conseguir lo que quería? ¿Cuánto tiempo ha pasado desde que cualquiera de nosotros NECESITÓ algo de lo que QUERÍA? El mundo que conocíamos ya no existe. En cuestión de meses la sociedad se ha desmoronado, sin gobierno, sin supermercados, sin correo, sin televisión por cable. En un mundo gobernado por los muertos, por fin nos vemos obligados a empezar a vivir"

Los Muertos Vivientes es una serie de Image Comics, creada por el guionista Robert Kirkman y el dibujante Tony Moore, que se comenzó a publicar en el año 2003 en Estados Unidos. Posteriormente, después de los primeros siete números, Tony Moore sería sustituido por Charlie Adlard que se convertiría en el dibujante oficial de la serie hasta la actualidad. Planteada como "la película de muertos vivientes sin final" y plasmada en blanco y negro, como homenaje a la seminal La Noche de los Muertos Vivientes de George A. Romero, la historia de Robert Kirkman se ha ganado el reconocimiento de público y crítica con una serie de terror de tintes dramáticos y apocalípticos que, a medida que avanza, se descubre como una interesante reflexión sobre el concepto de humanidad recordando tanto a películas del género como a obras literarias en la línea de clásicos como Soy Leyenda de Richard Matheson o La Carretera de Cormac McCarthy. Esto se debe ante todo a la importancia que el guionista estadounidense otorga a sus personajes, a los que caracteriza de forma magistral, mostrándonos todo un crisol de personalidades y posturas encontradas que traspasan las viñetas del cómic mientras asistimos al largo y duro camino plagado de fatalidades que estos seres deben superar a diario. Lo que ven cada día y viven para contarlo les obliga a cambiar y evolucionar en consonancia al mundo muerto e inhabitable que les rodea.

La historia de Los Muertos Vivientes comienza de forma parecida a la película 28 Días Después de Danny Boyle con Rick Grimes, un honesto e idealista policía de un pequeño pueblo de Kentucky, que despierta en el hospital de la región después de haber sido herido durante el cumplimiento de su deber. Durante días, ingresado e inconsciente, es ajeno a la terrible metaformosis que ha sufrido su antiguo mundo y que pronto comprobará en sus propias carnes. Los muertos caminan por las calles devorando a los vivos y todo es caos y destrucción a su alrededor. Rick Grimes iniciará un viaje a través de tan dantesca realidad para encontrar a su mujer, Lori, y su hijo, Carl, que se vieron obligados a huir dejándole atrás cuando la epidemia comenzó. Después de reunirse con ellos junto a un grupo de supervivientes en Atlanta la cruzada por mantenerse con vida y sobrevivir al holocausto zombie les llevará a formar un grupo de nómadas a la búsqueda de un lugar en el que poder eludir la tragedia y la muerte que les persigue aunque, como pronto descubrirán, en un lugar sin reglas todo puede ir a peor en cualquier momento. La civilización y la sociedad que habían conocido es ahora sólo un recuerdo del pasado que sólo representa un peso en sus almas difícil de sobrellevar. Como reza la contraportada de la edición de Planeta de Agostini de Los Muertos Vivientes "la sociedad se ha desmoronado, sin gobierno, sin supermercados, sin correo, sin televisión por cable" ante lo cual Rick Grimes y el resto de supervivientes se verán "obligados a empezar a vivir".


En nuestro país, de la mano de la mencionada Planeta de Agostini, se han publicado hasta la fecha diez tomos recopilatorios con los primeros sesenta números regulares de la serie que componen los títulos: Días Pasados, Muchos Kilómetros A Las Espaldas, Seguridad Tras Los Barrotes, Lo Que Más Anhelas, La Mejor Defensa, Esta Triste Vida, La Calma Antes De..., Creados Para Sufrir, Aquí Permanecemos y En Lo Que Nos Hemos Convertido. Durante estos casi ocho años la serie ha conseguido mantener la tensión y el interés en una historia que parece ir siempre in crescendo mientras Robert Kirkman, como un cruel y despiadado demiurgo, castiga en cada número a sus creaciones con las más retorcidas y macabras situaciones que es capaz de imaginar. Los personajes no permanecen inalterables a sus designios y reaccionan como verdaderas personas: hundiéndose, renunciando a toda esperanza, entregándose a la depravación y la muerte o, los que menos, intentando preservar su cordura y sus principios. No son los muertos vivientes sus peores enemigos sino ellos mismos, la humanidad herida que se abraza a lo salvaje y a su descarnado instinto de supervivencia, por lo que lo más horrible que les puede suceder no es morir y convertirse en un horrible monstruo putrefacto sino descubrir lo que ocurre cuando alguien esta dispuesto a todo por sobrevivir o pierde la esperanza en el camino. Como apuntaba el propio guionista, originario también de Kentucky, sus "tramas existen gracias a los personajes" y eso es algo innegable que en Los Muertos Vivientes resulta además una máxima llevada hasta el extremo.


El dibujo de Tony Moore en los primeros números de la serie parecía el ideal para la historia con su estilo detallista pero de trazo parco y estilizado por lo que, de primeras, la transición repentina al dibujo más indefinido y oscuro de Charlie Adlard costó de asimilar aunque a estas alturas cueste imaginar la serie en manos de otro dibujante diferente y eso a pesar de que, como apuntan algunos, parece haberse acomodado un poco en su labor en los últimos números. Charlie Adlard, no obstante, se compenetra con la narrativa de Robert Kirkman y sabe estar a la altura tanto en los momentos de más tensión de la serie como en los más íntimos y personales -que suelen ser los más habituales- donde consigue reflejar los sentimientos y las reacciones de los personajes de manera más que certera. Eso ayuda a vislumbrar aún mejor, al repasar los primeros números de la serie, la increíble evolución de los personajes que aún resulta más marcada en su protagonista, un Rick Grimes que asume el liderazgo de un grupo de supervivientes deseoso de poder ayudar a los demás pero al que los continuos golpes, caídas y contrariedades de su nueva vida, normalmente de consecuencias trágicas, le van amargando y endureciendo el carácter y el alma hasta convertirle en una persona totalmente distinta asediada por la locura y el miedo de perder la escasa humanidad que corre por sus venas. Cliff Rathburn, que ya ha trabajo con Robert Kirkman en la también fantástica Invencible, se encarga de los grises de la serie y que complementan a la perfección los lápices y el entintado de Charlie Adlard dándoles mayor profundidad y dejando la sensación de que más que leer un cómic estamos viendo una película clásica de terror de los años sesenta.


Robert Kirkman asegura tener "una historia sólida para los próximos años del cómic" y seguramente piensa seguir castigando a sus personajes hasta lo impensable mientras asistimos a la decadencia y a la prevalencia de los más primarios instintos humanos. Los Muertos Vivientes deja muchas imágenes impactantes para el recuerdo que no son aptas para estómagos sensibles ni para los de moral "excesivamente rigurosa" o de "alma cándida" debido al reflejo oscuro, casi opaco, del ser humano que en sus páginas encontremos. El realismo y el respeto con que Robert Kirkman trata a los personajes y su historia provoca que, como todo buen relato o película sobre muertos vivientes, mantenga un alto nivel metafórico y referencial que resulta en una inquietante tesis sobre nuestro propio mundo y los valores con los que solemos definirnos a nosotros mismos. Actualmente Los Muertos Vivientes se encuentra en proceso de adaptarse como serie de televisión en un proyecto que dirigirá Frank Darabont y en la que colaborara el propio Robert Kirkman guionizando algunos de los capítulos de la misma. Mientras esperamos para comprobar si esta serie hará justicia o no al cómic en que se basa lo que podemos seguir afirmando es que Los Muertos Vivientes de Robert Kirkman y Charlie Adlard sigue manteniendo el mismo nivel que desde sus inicios habiéndose convertido por derecho propio en una de las mejores publicaciones que podemos encontrar actualmente en el mercado. Una obra imprescindible que no debemos dejar pasar y que resulta toda una adicción una vez conocida. Tal vez los muertos nunca se lleguen a levantar de sus tumbas pero si lo llegan a hacer ahora sabemos que no es a ellos a los que tendremos que temer.


Ver también:
Entrevista a Robert Kirkman en Entre Cómics
Los Muertos Vivientes de Robert Kirkman en Zona Negativa
Los Muertos Vivientes en Tengan Mucho Cuidado Ahí Fuera

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-Los Muertos Vivientes: Creados Par Sufrir de Robert Kirkman y Charlie Adlard-

- Batman: Cacofonía de Kevin Smith y Walter Flanagan-

"No te odio porque esté loco...
Estoy loco porque te odio"

El Joker, retenido una vez más en el Hospital Psiquiátrico de Arkham, recibe la visita del delincuente mercenario Deadshot, antiguo miembro de El Escuadrón Suicida, contratado en esta ocasión para acabar con la vida del payaso diabólico por un padre que busca venganza por el asesinato de su hijo. El Joker recibirá en el último momento la ayuda inesperada del enigmático villano Onomatopeya, un personaje que anteriormente se había enfrentado a Green Arrow en Star City, gracias al cual conseguirá escapar de la famosa institución psiquiátrica para así reanudar su habitual campaña de terror en las calles de Gotham. Pronto se volcará en una guerra abierta contra Maximillian Zeus, un jefe criminal con ciertos problemas de doble personalidad que le hacen llegar a creerse la encarnación del mismísimo rey de los dioses olímpicos, que se ha enriquecido a costa de El Joker vendiendo su veneno como si de una nueva droga de diseño se tratase. Mientras El Joker intenta "lavar su imagen" a través del terror Batman se verá en medio de ambos contendientes y enfrentado a un nuevo y silencioso enemigo del que desconoce sus motivaciones e intenciones reales y que supondrá todo un reto para sus habilidades detectivescas.


De esta manera comienza Batman: Cacofonía, la nueva historia del guionista de cómics y director de cine Kevin Smith, después de su última incursión en el mundo del cómic con la finalización de su "pólemica" miniserie El Mal Que Hacen Los Hombres que realizó junto a Terry Dodson para Marvel. En esta ocasión Kevin Smith vuelve a probar suerte en DC, donde ya escribió una interesante aunque breve etapa en Green Arrow, y dada la oportunidad nada mejor que "enchufar" a su amigo Walter Flanagan para hacerse cargo del apartado gráfico. La miniserie de escasos tres números, seguramente por la desconfianza en los plazos de entrega que genera el director de Clerks y Persiguiendo a Amy entre los editores, es el resultado de la emoción que sintió Kevin Smith después de ver el trabajo de Christopher Nolan en El Caballero Oscuro que hizo que se volviese a enamorar del personaje. Él mismo, en la introducción a la obra que incluye la edición de Planeta de Agostini, califica Batman: Cacofonía como "la segunda mejor historia" que es capaz de guionizar sobre el famoso cruzado enmascarado y "un ensayo general para la mejor historia de Batman" que él y Walter Flanagan son capaces de realizar. Y quizá, después de ver el resultado, la mejor definición que se puede dar sobre la obra en cuestión es la de ensayo siendo como es, en todos los aspectos, una historia de escasas repercusiones.

Mientras esperamos Batman: Un Círculo Sin Fin, esa supuesta obra magna de Kevin Smith y Walter Flanagan sobre Batman, nos hemos de conformar con Batman: Cacofonía que no cumple las expectativas. Kevin Smith, sea por el limitado espacio de la miniserie o por su inspiración algo retraída, nos ofrece una historia rutinaria que no tiene la frescura de otras de sus obras anteriores. Sus diálogos siguen siendo el fuerte de su narrativa pero su característica habilidad para el tratamiento de personajes, ese perfil psicológico naif con el que sabe dotarlos en cada momento y que habitualmente combinado con su clásico sentido del humor tan buenos resultados le da, parece en este caso ausente salvo por algunos golpes de ingenio aislados aquí y allá. Los conflictos morales y la ligera crítica social sobre los que el autor suele reflexionar en sus trabajos se presentan aquí de forma más torpe y tópica de lo que ya nos ha mostrado en otras ocasiones. Por otro lado Kevin Smith recupera en Batman: Cacofonía a Onomatopeya, un villano creado como némesis para Green Arrow en su etapa en la serie con un futuro prometedor por delante pero que, desde entonces, no ha vuelto a ser utilizado por ningún otro guionista. Su inclusión dentro de esta historia se antoja algo forzada e innecesaria dejando un final abierto y autoreferencial ya casi tópico en las obras del de New Jersey.


También es necesario destacar las referencias y guiños de las que se sirve en este caso Kevin Smith que resultan demasiado obvias y no tan sútiles como lo eran, por ejemplo, en El Hijo del Diablo, los primeros números de la que sería la andadura de Daredevil en el sello Marvel Knights, o en su mencionada etapa a cargo de Green Arrow. Prueba de ello es el final de Batman: Cacofonía tan deudor de La Broma Asesina de Alan Moore y Brian Bolland o de la historia Ruleta que Frank Miller escribió al final de su primera etapa en Daredevil a principios de los años 80. No ayuda a mejorar el conjunto los lápices de Walter Flanagan, a todas luces una elección errónea de Kevin Smith, que resultan anodinos y poco inspirados evidenciando unas importantes carencias narrativas. Walter Flanagan, abonado a los cameos en las películas de Kevin Smith, y con apenas experiencia en el medio, no llega a los mínimos requeridos. Demuestra no sabe saber jugar con las transiciones entre viñetas ni tratar de forma adecuada la acción por lo que, salvo por alguna splash page aislada, su trabajo pasa sin pena ni gloria y no consigue hacer interesante una historia que en manos de un autor más cualificado quizá hubiese hecho más agradable el resultado final.

En el lado contrario destaca el trabajo de un siempre efectivo Adam Kubert con las portadas de la serie y más aún las versiones alternativas de estas que el magnífico Bill Sienkiewicz nos brinda para la ocasión. La edición de Planeta de Agostini en formato cartoné, con motivo del 28ª Salón Internacional del Cómic de Barcelona, recopila el grueso de portadas originales e incluye treinta y tres páginas del guión de Kevin Smith del tercer capítulo de la miniserie, Desconciertos, y que en conjunto resultan la excusa perfecta para que la editorial haya decidido encarecer obscenamente el cómic de un autor que, como bien es sabido por todos, resulta un buen reclamo entre los aficionados. Pero, como ya sabemos, este tipo de obras, como el Batman R.I.P. de Grant Morrison y Tony Daniel o el actual Flash: Renacimiento de Geoff Johns y Ethan Van Sciver, "juegan en otra liga diferente". En definitiva, por la obra en sí misma y por la edición en nuestro país, Batman: Cacofonía no es una obra especialmente recomendable. Kevin Smith nos sigue ofreciendo un relato entretenido y fácil de digerir pero que, en comparación, en su carrera no pasa de ser una anécdota y una obra menor y sólo resulta apropiada para los muy completistas y para los auténticos incondicionales del autor.

Ver también:
-El Mal Que Hacen Los Hombres de Kevin Smith y Terry Dodson-
-Green Arrow de Kevin Smith y Phil Hester-

Cine Om -¿Hacemos Una Porno? de Kevin Smith

The Big Freak-Effect Theory -Expediente (II)- Persiguiendo a Cels-

-Green Arrow de Kevin Smith y Phil Hester-

Green Arrow siempre ha sido un superhéroe de segunda dentro del catálogo DC donde personajes como Superman, Green Lantern, Batman o Wonder Woman son los estándares por los que se rigen el resto de personajes de la editorial. Green Arrow fue creado por Mort Weisinger y Greg Papp en 1941, como si de una versión alternativa y actualizada del mítico Robin Hood se tratase, en un intento de emulación del éxito del Batman de Bill Finger y Bob Kane. Este intento de emulación les llevó a copiar más de un elemento propio del famoso cruzado enmascarado -Green Arrow tenía su propia cueva como refugio, su propia señal luminosa y a Speedy su particular Robin- y no fue hasta la década de los años 60 del pasado siglo cuando Oliver Queen se empezó a labrar una personalidad propia que le llevarían desde sus orígenes como playboy entregado a la causa a convertirse en un reaccionario defensor de los derechos civiles apara acabar retratado como el héroe de pensamiento anarcosindicalista y activista político actual. En ello tuvieron mucho que ver el tándem formado por Dennis O'Neil y Neal Adams que redifinieron al personaje tomando como ejemplo al Ojo de Halcón de Marvel que había sabido hasta entonces evolucionar mejor que Oliver Queen a pesar de ser posterior a este. Green Arrow acabaría encajando a golpes dentro del Universo DC sobre todo a raíz de sus aventuras en conjunto con Hal Jordan el Green Lantern del momento.


Posteriormente, en la etapa de Mike Grell como guionista de la serie, se intentó imprimir un mayor realismo al personaje alejandolo de los clichés que le había acompañado desde sus orígenes, lo que desembocó en la muerte de Oliver Queen que a la postre sería sustituido por su propio hijo, Conner Hawke, convirtiéndose en el segundo Green Arrow hasta la fecha. Fue en 2001 cuando el cineasta Kevin Smith, después de haber filmado Jay y Bob el Silencioso Contraatacan, se haría cargo de la nueva serie de Green Arrow a la que DC pretendía darle un pequeño empujón apostando en este caso por un guionista con bastante tirón dentro del fandom que fuese capaz de relanzar al personaje. Kevin Smith, con el beneplácito de la editorial, decidió traer de vuelta a Oliver Queen a la actualidad del Universo DC y para ello recurriría a la mejor encarnación que había tenido el superhéroe como inspiración: la de Dennis O'Neil y Neal Adams. Kevin Smith permanecería un total de quince números en la serie, que comprendían la extensa saga Carcaj, ofreciendo, por otro lado, una breve pero interesante etapa junto a los lápices de un siempre atractivo Phil Hester. Kevin Smith se trajó consigo su humor generacional y sus diálogos frescos y llenos de ironía que encajan a la perfección con un personaje como Green Arrow. Al mismo tiempo el nuevo guionista del arquero esmeralda combinaba su trabajo en DC con los primeros números de la miniserie de Spider-man y La Gata Negra para Marvel que llevaba por título El Mal Que Hacen Los Hombres y que pronto quedaría parada debido a otros compromisos hasta su conclusión en tiempos más recientes.


Volviendo a Green Arrow es de destacar el hecho que el director de Clerks, lejos de limitarse a traer de vuelta al personaje de entre los muertos sin más, se molestase en ofrecernos algunas respuestas y que se sirviese del grueso de la mitología del Universo DC y de su extensa galería de personajes para crear todo una epopeya entorno a la resurrección de Oliver Queen. Carcaj está plagado de apariciones estelares como las del demonio Etrigan, Deadman, Superman, Batman, Hawkman (hilarante la relación que sostendrán estos dos últimos con el renacido Green Arrow), El Espectro (que por entonces estaba unido a Hal Jordan) o, por supuesto, Canario Negro o Conner Hawk. Incluso podremos ver como Kevin Smith relaciona parte de la trama de su historia con algunos sucesos ocurridos en la serie The Sandman de Neil Gaiman que, casi en forma de guiño, nos permiten esbozar alguna sonrisa. Kevin Smith aprovecha para dar a cada personaje sus 15 minutos de fama y pone punto fuerte de su historia en las relaciones de Oliver Queen con sus amigos, sus compañeros, con su redescubierto hijo o con su amada Canario Negro y lo hace de una manera lógica y emotiva, sin evitar el conflicto, formando un puzzle de personalidades encontradas en las que el héroe se deberá que enfrentar a todos los asuntos pendientes que dejó abiertos con su muerte.

Kevin Smith nos ofrece una visión del mundo de Green Arrow en profundidad alejándose del inmovilismo o el maniqueismo en que podrían caer otros autores. Su forma de caracterizar tanto a héroes como villanos puede asemejarse a la utilizada por Geoff Johns y, al igual que él, el alterego de Bob el Silencioso sabe dosificar la acción en su justa medida para ofrecernos algo más que un simple cómic de superhéroes al uso. Aún así no todo son virtudes en el Green Arrow de Kevin Smith que adolece en ocasiones de un ritmo irregular que lastra parte del tono intimista de la historia pese al conocimiento que demuestra el autor sobre el cómic de superhéroes en general y su dominio del perfil psicológico en lo particular. Después de abordar el regreso de Oliver Queen el guionista de New Jersey se enfrenta al reto de crear un nuevo villano de entidad para un personaje que, como indica el propio guionista, carece de “galería de villanos porque él mismo es su peor enemigo". En El Sonido de la Violencia, el siguiente y último arco argumental de la etapa de Kevin Smith en Green Arrow, encontramos la primera aparición de Onomatopeya personaje que recuperará posteriormente en Batman: Cacophony. Kevin Smith crea una némesis a la altura para el bueno de Oliver Queen y la historia supone un buen punto y final a su etapa en la serie.

Phil Hester realiza, por su parte, un estupendo trabajo en su acercamiento al arquero defensor de Star City y se convierte en un gran apoyo para la narrativa de Kevin Smith sabiendo adaptarse perfectamente tanto a los momentos de tensión emocional como a la acción superheroica más clásica que, no obstante, no supone el centro de la trama. Phil Hester utiliza un trazo desgarbado, indefinido, pero con una gran definición en los planos cortos que consigue humanizar y hacer creíbles a sus personajes a la vez que no permite que pierdan su estela mítica que todo personaje fantástico debe proyectar. De esta manera, el camino que con esta serie abrieron Kevin Smith y Phil Hester, fue la que se siguió explorando posteriormente y para ello DC recurría al novelista Brad Meltzer, autor de El Décimo Juez o El Libro del Destino, que nos ofrecería una breve pero interesante etapa en la que se sigue profundizando en la psique de Oliver Queen. En La Búsqueda del Arquero el guionista nos entrega una historia sencilla pero reveladora que sentará las bases para el posterior evento Crisis de Identidad de DC que el propio Brad Meltzer se encargaría de escribir. Coincidiendo con el pasado 27º Salón del Cómic de Barcelona del año pasado Planeta de Agostini pusó a la venta un tomo recopilatorio con las etapas completas de Kevin Smith y Brad Meltzer en Green Arrow que, en este caso, resulta una buena edición cuyo precio se justifica por el material que en ella se incluye. Una inversión que, como la habitual puntería del bueno de Oliver Queen, resultará del todo certera en cualquier caso.


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Green Arrow en Dreamers
Kevin Smith y los Superhéroes en Tebeosfera

-Powers de Brian Michael Bendis y Michael Avon Oeming-

Powers es para muchos la mejor obra del popular guionista Brian Michael Bendis en la que encontramos su característica manera de contar historias enmarcadas dentro del género negro y el cómic de superhéroes. Una obra con un planteamiento derivado de obras como el Top Ten de Alan Moore y Gene Ha o el Astrocity de Kurt Busiek y Brent Anderson aunque su principal referente es la propia serie Alias que el guionista realizó para Marvel junto a Michael Gaydos. Powers es una visión "intimista" y lejana a la caricatura, pese a lo que se pueda presuponer por el dibujo de Michael Avon Oeming, sobre el género superheróico. Esto no quiere decir que Powers carezca de humor en sus páginas, más bien al contrario, pero no es vehículo por el que transita la historia que pretende contarnos Brian Michael Bendis. Powers cuenta las desventuras de dos agentes de policia del Departamento de Homicidos que, en su día a día, se ven obligados a investigar casos donde suelen intervenir elementos metahumanos. De esta manera el agente Christian Walker, con un pasado misterioso a sus espaldas, junto su nueva compañera, Deena Pilgrim, se enfrentan cada día a lo desconocido con la única intención de hacer cumplir la ley. Una serie que le servió a Brian Michael Bendis para ganar el premio Eisner al Mejor Guionista de 2002 y 2003 y el premio a la Mejor Serie Nueva de 2001.


Powers cuenta a día de hoy con doce tomos recopilatorios en Estados Unidos publicados bajo el sello independiente Icon Comics de Marvel a pesar de que la colección comenzó a editarse en Image Comics en el año 2000 donde se dio a conocer por primera vez. En nuestro país recientemente Panini ha recuperado la edición de la serie en su nueva colección 100% Cult Comics con tres tomos vistos hasta la fecha: Para Siempre, Leyendas y Psicópata que retoman el punto donde dejó la serie Planeta de Agostini después de sacar al mercados los siete primeros arcos argumentales de la serie de Brian Michael Bendis y Michael Avon Oeming. Especialmente destacado es el tomo Para Siempre que rompe con la mecánica habitual de la serie para contarnos el pasado, el extenso pasado, de Chistian Walker con reminiscencias cinéfilas tan dispares a películas como 2001 Una Odisea En El Espacio de Stanley Kubrick ("un enorme puto guiño" como lo llama Brian Michael Bendis), el Conan el Bárbaro de John Milius, o Los Inmortales de Russell Mulcahy y que sirven para cerrar, de momento, algunas de las tramas más importantes del argumento que coleaban en la serie desde sus inicios.

En el apartado gráfico Michael Avon Oeming es uno de los artistas más vagos que se pueden encontrar en el mundo del cómic. Justificado por la lenta narrativa de Brian Michael Bendis se dedica en muchas ocasiones, literalmente, a copiar y pegar de una forma indiscriminada sus propias viñetas cosa que ralla en ocasiones lo obsceno cuando realiza primeros planos donde se limita a recortar y aumentar alguna imagen previa y en la que podemos notar fácilmente la correspondiente pérdida de definición que eso supone en el dibujo. Si a esto añadimos que el dibujo cartoon de Michael Avon Oeming, que recuerda al de Bruce Timm, puede ser de todo menos detallado y complejo no se entiende tanta austeridad de medios. En ocasiones para diferenciar una viñeta de otra Michael Avon Oeming juega con el color o con las sombras o se dedica a cambiar apenas unas líneas de expresión en los rostros de sus personajes. A todo esto ¿Quién Mató a Retro Girl?, el primer arco argumental de la serie, es ya una buena muestra del arte del dibujante estadounidense que, pese a todo, logra retener la atención del lector con la simplicidad y efectividad de su trazo que de alguna manera inesperada consigue resultar atractivo y que, eso sí, mejora a lo largo de la serie como podemos comprobar en Para Siempre.


Respecto al trabajo de Brian Michael Bendis en Powers encontraremos sus señas de identidad más características como son su devoción por los diálogos por encima de la acción, sus habituales personajes enfrentados a su propia existencia de carácter rudo y mal hablado o su acusado decompressive storytelling que encaja mucho mejor aquí que en otros trabajos suyos por encargo para Marvel en series como Los Nuevos Vengadores o Daredevil (pese a ser responsable de una de las mejores etapas de la historia del personaje junto a Alex Maleev). Powers resulta un entretenimiento ligero pero adictivo que resulta un "alivio" dentro del cómic mainstream y postmoderno de superhéroes. Una obra donde las virtudes de Brian Michael Bendis como narrador obtienen resultados para crear una mitología propia, no de primera referencia, pero si interesante de seguir en su evolución. A los seguidores del trabajo de este guionista y que lo han conocido en obras como Alias o en sus primeros trabajos para Caliber Comics e Image Comics, con las series Jinx y Goldfish, la lectura de Powers les resultará un paso más en esas historias de corte noir habituales en él. Para los que aún no conocen el trabajo de Brian Michael Bendis, o sólo han leído sus series más populares para Marvel, Powers puede ser una buena manera de conocer o reencontrarse con este autor en el que, quizás, sea su mejor trabajo hasta la fecha.


RecOMendados:
Powers: Para Siempre en Tengan Mucho Cuidado Ahí Fuera
Powers: Para Siempre en Sobre Cómic

Ver también:
Spider-woman de Brian Michael Bendis, Brian Reed y Luna Brothers

Daredevil -Guionistas Sin Miedo (I)-
Daredevil -Guionistas Sin Miedo (II)-

-Spiderman: Los Años Perdidos de J.M. DeMatteis y John Romitta Jr.-

La Saga del Clon fue un punto y aparte, no podemos decir que un paréntesis, en los cómics de Spider-man. Para muchos una etapa candidata al olvido, para otros como yo, aunque reconocemos de su excesiva extensión y su arbitrariedad argumental, alabamos el interés y la emoción que supo generar convirtiéndola en poco tiempo en un clásico. Cosa que demuestra el hecho de que, después de tan poco tiempo transcurrido, se ganase su remake en la serie Ultimate Spider-man de la mano de Brian Michael Bendis. La Saga del Clon nos trajo a algunos personajes más que interesantes, en su mayoría hoy ausentes en la serie regular y que siguen sin dar señales de vida, como son Ben Reilly, El Chacal o Kaine. En Los Años Perdidos, obra con guión de J.M. DeMatteis y dibujos del siempre genial John Romita Jr., el protagonista no es Peter Parker y ni tan siquiera Spider-man, que no aparece en ningún momento, sino el propio Ben Reilly y el mencionado Kaine en esos años en los que ambos pensaban que el primero era el clon de Spider-man. Finalmente, muy al final, se demostró que eso era cierto aunque para llegar hasta ese punto debieron pasar antes muchas cosas en forma de vueltas de tuerca y otro tipo de decisiones editoriales que acabaron lastrando la idea.

El estilo de J.M. DeMatteis, guionista tremendamente cerebral, es inconfundible y sigue siendo uno de los mayores conocedores de todo lo que rodea al mundo arácnido, de su psique más profunda y aterradora, lo que le ha llevado a ser elegido muchas veces para relatar los momentos más delicados del personaje, para dar esa visión tan intima y cerebral que el autor ha sido capaz de aportar más de una vez con acierto. Un privilegio que se gano a raíz de la que sigue siendo su obra maestra y una de las mejores historias jamás publicadas de Spider-man: La Última Cacería de Kraven. Historia de imprescindible lectura que aún hoy sigue siendo uno de los relatos más inquietantes que se han escrito sobre el personaje. Y es que se puede decir que fuera de algún esperpento ocasional J.M. DeMatteis es un autor de garantías en estas ocasiones, que no infalible, más especializado en crear pequeños arcos argumentales que en consolidarse como guionista regular de una serie. Los Años Perdidos no es más que otro ejemplo de todo esto.

Y repito: Los Años Perdidos no es un cómic de Spider-man sino, más bien, todo lo contrario, un relato "anti-héroico" y "anti-arácnido" de dos hombres que no se consideran como tal y que, aún así, buscan su lugar en el mundo huyendo de unos recuerdos falsos que no les pertenecen. Como suele ocurrir en este tipo de historias lo que acaban encontrando es más fuerte que ellos mismos. La historia comienza en el mismo momento que Ben Reilly descubre que es un clon de Peter Parker y como eso le llena de dolor, rabia, dudas y frustración. Comienza entonces un viaje desesperado por huir de sí mismo, eludiendo convertirse en un héroe y dando la espalda a la responsabilidad que ello conlleva, lo cual le acaba conduciendo a la ciudad Salt Lake City donde deberá afrontar su destino. Vemos la creación y evolución de un personaje en la cual Kaine tendrá mucho que decir. Mientras Ben Reilly realiza un camino hacía la luz desde la oscuridad Kaine, en cambio, verá la luz por unos instantes para sumirse de nuevo, para siempre, en la oscuridad.


Una historia bien contada donde se reconstruyen dos personajes, parecidos y opuestos, otorgándoles la vida y la humanidad necesaria para que sigamos lamentando la muerte de Ben Reilly y la desaparición de Kaine de las historias de Spider-man. No es una obra redonda a pesar de ello. Los Años Perdidos esta innecesariamente distribuida en capítulos y prólogos demasiado cortos con un final que pierde algo de fuelle y que da la sensación de ser algo precipitado en contraste a la primera parte de la historia contada de manera excelente. También es una evidencia este cómic del ya reconocido talento de John Romita Jr. que es capaz de hacer la historia suya y transmitir con los lápices como pocos dibujantes son capaces de hacer. Leyendo Los Años Perdidos a veces uno tiene la sensación de estar ante una obra de Frank Miller por esa oscuridad y planteamiento propio de su autor. Es una obra heredera de su tiempo como lo es también El Hombre Sin Miedo del propio Frank Miller y John Romita Jr. de nuevo con Daredevil como protagonista. En definitiva Los Años Perdidos es una pequeña obra a tener en cuenta que, no obstante, puede haber quedado algo desfasada por los derroteros que acabó tomando la saga volviendo al status quo pero que no deja de ser una entretenida lectura. Esperemos que Panini se decida en algún momento a reeditar está obra que en su momento publicó la ya desaparecida Forum de Planeta de Agostini.

-Reseña actualizada publicada originalmente el 10/08/2006-

Ver también:
Las AsOMbrosas Entrevistas -Mary Jane Watson-
Spider-man -Cayendo en la Telaraña (I)-
Spider-man -Cayendo en la Telaraña (II)-

-The Flash de Geoff Johns y Scott Kolins-

"No eres un héroe para que te honren.
Se trata de usar los dones que se nos han dado
para ayudar a toda la gente que puedas"

Geoff Johns ha demostrado ser un guionista con bastantes recursos, con un concepto de las historias de superhéroes muy clásico pero a la vez actual, en el que se entremezclan los momentos más épicos de sus aventuras con el componente más humano de sus personajes. Actualmente, con su exitosa etapa en Green Lantern, sus ideas han contagiado a todo el universo DC que vive La Noche Más Oscura de todas en forma de crossover superventas. Pero antes de encargarse de la serie de Green Lantern y rescatar de la muerte con éxito a Hal Jordan en Green Lantern: Renacimiento este guionista hoy de moda ya demostró sus maneras en The Flash con un personaje con el que afirma haber crecido y con el que asumía un gran reto después de la alabada etapa de Mark Waid al frente de las historias del velocista escarlata. Geoff Johns lejos de bajar el listón ha conseguido revitalizar al personaje, hacerlo suyo y darle una señas de identidad que son muy palpables en ciertos aspectos: la renovación de la galería de villanos de Wally West, el tratamiento de los personajes secundarios de la serie y la creación de una identidad propia para la ciudad de Keystone City -marco de las aventuras de este nuevo Flash- de la que carecía hasta ahora.


Tras la marcha de Mark Waid de The Flash en DC decidieron darle una oportunidad a la por entonces promesa emergente Geoff Johns. Le ofrecieron la oportunidad de escribir un arco argumental para la serie con total libertad creativa y a modo de prueba. Geoff Johns aceptó el reto y escribió Wonderland, una historia de seis números con guiños muy poco sútiles a Alicia en el País de las Maravillas y sobre todo a A través del Espejo de Lewis Carroll, que ilustraría el español Ángel Unzueta. Aquel relato no era ni mucho menos lo mejor que Geoff Johns realizaría posteriormente con el personaje pero sentaba las bases de lo que podía ofrecer al título y en DC viendo los resultados decidieron que él sería el nuevo guionista oficial de The Flash. Siguiendo las bases establecidas por Mark Waid la etapa de Geoff Johns se sustenta sobre ella, reafirmando el trabajo de este, demostrando así su conocimiento de la historia del personaje y de la continuidad del universo. Esta primera etapa del guionista estadounidense en The Flash, personaje que ha retomado actualmente, se inició en el número #164 y se prolongó hasta el #225 de la colección donde encontramos como dibujante oficial de la serie a Scott Kolins.


Geoff Johns consigue situar a Wally West a la altura de su antecesor, su tío Barry Allen, estudiando en el camino el legado que guarda el personaje y su manera personal de afrontar su faceta superheroica. Especial mención es el tratamiento que se da a la galería de villanos clásica de Flash que se alejan del maniqueísmo de otras publicaciones para ofrecernos unos personajes interesantes y atractivos tan complejos como el propio héroe y donde destaca, sin lugar a dudas, Leonard Snart alias el Capitán Frío. Geoff Johns renueva a personajes como el Amo de los Espejos, Gorila Grodd o El Hechicero del Clima y otros personajes que dejan de ser ridículos en sus manos para convertirse en verdaderas amenazas para nuestro héroe. A esta galería clásica se añaden personajes de nuevo cuño como Chatarra, Alquitrán, Murmullo o Cicada, de aspecto más perverso y tenebroso, más vinculados con la nueva personalidad que en cada número el guionista va dando a Keystone City. Geoff Johns nos la describe como una ciudad obrera, de gente sencilla y trabajadora, que reconoce el valor de sus héroes y que tiene el espíritu de sobreponerse a los desastres más grandes. Una ciudad sufrida y curtida, con un lado oscuro, en la que encontramos la prisión de alta seguridad de Iron Heights con un alcaide que da casi más miedo que cualquiera de sus presos. Secundarios como Hunter Zolomon, la pareja de policías Fred Chyre o Jared Morillo, o la esposa del héroe, Linda Park, hacen que la historia avance y se enriquezca.

En cuanto a la acción Geoff Johns sabe como abordarla y sabe cuando dejar hablar a sus personajes tratando con naturalidad y al mismo tiempo con grandeza las cuestiones que pone sobre la mesa. Consigue así que la serie tenga más profundidad que la de un simple cómic de superhéroes abordando, mayormente, cuestiones morales que el guionista estrella de La Noche Más Oscura sabe plantearnos sin desdibujar, sino al contrario, resiguiendo los bordes del pasado del personaje. En el apartado gráfico Scott Kolins se complementa a la perfección con el tono de las historias de Geoff Johns con su estilo preciso de tendencia caricaturesca pero detallado hasta el punto de ofrecernos espectaculares momentos en casi cada página y empleándose a fondo en los primeros planos y en algunas ilustraciones a doble página que hablan por si solas. Mención a parte a las tintas de Doug Hazlewood y el color de James Sinclair que consigue elevar el dibujo de Scott Kolins a otro nivel. Después del número #200 de la colección Scott Kolins abandonará el título y encontramos como dibujante oficial en su lugar a Alberto Dose con un estilo más parco y austero, menos detallado, que viene a reflejar el cambio de rumbo en las historias de Flash que se volverán más oscuras a partir del numero #201. Cambio marcado y auspiciado por el reseteo propuesto por Dan Didio para el personaje y del que Geoff Johns consigue salir más o menos airoso.


En la edición de Planeta de Agostini de esta obra en formato "rompe-muñecas", conocido también como omnibus, recopila la primera parte de la etapa de Geoff Johns en la serie junto a Scott Kolins -también encontraremos otros números y especiales dibujados por otros autores como Ángel Unzueta, Ethan Van Sciver y Rick Burchett- en un tomo descomunal, incómodo e inncesario de 1.008 páginas a un precio de 60 €. Un producto que no está al alcance de cualquier bolsillo y menos en estos tiempos de crisis pero con los que Planeta de Agostini sigue insistiendo -debido al éxito de ventas hemos de suponer-. El cómic en cuestión, por su factura y el trabajo de sus autores, es 100 % recomendable. Un cómic especialmente apropiado para todo a aquellos que hayan disfrutado con lo que Geoff Johns ha venido haciendo con Green Lantern en los últimos años o a los que gusten de historias de corte más clásico y quieran acercarse por primera vez al personaje. Se echa de menos, no obstante, una edición más accesible y más manejable que la propuesta por Planeta de Agostini. Aunque lo que ya nadie puede poner en duda es que Geoff Johns ha conseguido situar a Flash en lo más alto, con los más grandes, y su estilo y su etapa, desde ya, es un referente para los guionistas que hayan de venir después de él.


Ver también:
-Green Lantern de Geoff Johns e Ivan Reis-

-Batman: ¿Qué Le Sucedió Al Cruzado Enmascarado? de Neil Gaiman y Andy Kubert-

"El final de la historia de Batman es su muerte.
Porque al final, el hombre murciélago muere.
¿Qué más podría hacer? ¿Retirarme y jugar al golf?
No funciona así. No puede ser.
Lucho hasta que caigo, y un día caeré.
Pero hasta entonces, lucho."

¿Qué Le Sucedió al Cruzado Enmascarado? es el relato "definitivo" sobre Batman. Es difícil después de leer esta historia imaginar otro hipotético final posible a las aventuras de un personaje con tantos años a sus espaldas. ¿Qué Le Sucedió al Cruzado Enmascarado? resulta un nuevo ejercicio de estilo y de pulso narrativo de Neil Gaiman y una nueva muestra del talento de Andy Kubert a los lápices. El mérito de ambos es conseguir, en apenas sesenta páginas, resumir la esencia de un personaje tan icónico como Batman sabiendo tocar los resortes apropiados en cada momento y demostrando a autores como Grant Morrison como se pueden abordar temas con un gran contenido místico y simbólico sin perder un ápice de emotividad, de profundidad y, sobre todo, de sentido común. La ambiciosa y mediocre etapa del guionista escocés al mando de la cabecera de la serie regular de Batman nos trae el consuelo de esta pequeña joya que casi justifica su etapa. Y es que pocos autores han conseguido cuajar un tono eminentemente literario en las páginas de un cómic de superhéroes sin que su estructura se derrumbe como un castillo de naipes pero el autor de The Sandman lo hace con una naturalidad que siempre nos sorprende y, a menudo, sus resultados son excelentes.

A pesar de ello es de reconocer, por otro lado, que Neil Gaiman confecciona este relato casi con el piloto automático puesto. Un relato que puede recordar y mucho al final de su obra cumbre, The Sandman, cuyo último arco argumental El Velatorio, nos contaba el triste y emotivo destino de Morpheo. No obstante, ¿Qué Le Sucedió al Cruzado Enmascarado?, es una historia con sus propias virtudes. Un relato sencillo e intimista, impregnado de la magia de la que Neil Gaiman conoce tan bien las reglas. En ¿Qué Le Sucedió al Cruzado Enmascarado? asistimos al velatorio de Batman, cuya muerte no se nos específica en ningún momento de que manera ha ocurrido, narrado por el propio Batman y una voz desconocida y amable que intenta guiarle. Al lugar de su último reposo van llegando todos los conocidos del cruzado enmascarado, aliados, amigos, amantes y enemigos, a los que el bueno de Alfred coloca en sus respectivos lugares. Cada asistente nos aporta una perspectiva del difunto, la mayoria sin aparente sentido, contradictorios casi como el producto de un sueño o del delirio. Cada cual, de esta manera, relata a su manera las diferentes e imposibles muertes de Batman. Destacan, de esta manera, los relatos de Catwoman o del mayordomo Alfred que sirven como referentes a otras historias más repetitivas.

La historia, como no podía ser de otra manera, esta llena de referencias, de guiños y homenajes a la historia del personaje, y es aquí donde la labor de Andy Kubert se muestra indispensable, sútil y commovedora adaptando a su estilo el de otros autores que han abordado anteriormente al personaje. Encontramos alusiones al origen de Batman, a escenas concretas de la historia de este como La Caída del Murciélago de Peter Milligan o a obras emblemáticas como el Arkham Asylum de Grant Morrison y Dave McKean; vemos la evolución gráfica a lo largo de los años del personaje por el que han pasado nombres como Bob Kane, Frank Miller, Brian Bolland o Dick Sprang, a las películas del personaje como esa Gotham sacada directamente de la imaginación de Tim Burton, esos guiños a la mítica serie de los años 70 con Adam West y Burt Ward o la animación cartoon de Bruce Timm. Por otro lado, encontramos un mundo lleno de ideas y de sensaciones resumidas por Neil Gaiman que han forjado al personaje como, sin ir más lejos, la imposibilidad de escapar de los parámetros del cómic superheróico y del propio destino que encontrábamos en La Broma Asesina de Alan Moore y Brian Bolland. Nada resulta gratuito ni es utilizado de forma vana sino que Neil Gaiman y Andy Kubert, con esta obra, consiguen hacernos comprender la grandeza del cruzado enmascarado.


La edición de Planeta de Agostini, como ya viene siendo de costumbre, está pensada para ser "rentable" lo que significa para la editorial incluir una serie de extras que no aportan nada relevante para encarecer el producto simplemente debido al nombre de sus autores y la trascendencia del evento de turno como ya ocurrió con el Batman R.I.P. de Grant Morrison donde la jugada fue menos sútil y justificada a posteriori por David Hernando con aquella máxima que viene a decir que algunas obras "juegan en otra liga". Aún así, en este caso, al menos nos encontramos con una obra cuya calidad, si bien no justifica su precio, si lo compensa y no resulta la peor edición que nos ha podido presentar Planeta de Agostini últimamente. ¿Qué Le Sucedió al Cruzado Enmascarado? es un relato que está destinado a ser recordado, que puede ser leído y releído una y otra vez, pues resulta fresco, ágil y hecho desde el cariño que se profesa a un amigo con el que se ha crecido. No es el mejor trabajo de Neil Gaiman y la comparación con el relato ¿Qué le pasó al Hombre del Mañana? de Alan Moore y Curt Swan que se acostumbra a realizar no tiene sentido, pues más allá del título, poco más tienen el común ambas obras excepto el talento de dos autores ingleses que, en cierto momento, decidieron escribir una carta de amor a sus personajes de cómic preferidos.


Ver también:
Leyendas de la Llama Verde de Neil Gaiman y Amigos
Reflexiones y Citas "Extraordinarias"
1602 de Neil Gaiman y Andy Kubert
Lobezno: Origen de Paul Jenkins y Andy Kubert