-Todo Sobre Perdidos de Orson Scott Card y Otros-

"La serie va sobre gente perdida en una isla perdida"

J.J. Abrams y Damon Lindelof sobre Perdidos

Mucho se ha hablado y escrito ya sobre Perdidos, más allá de los foros de internet donde los fans debaten teorías y misterios, y aún así queda mucho por decir y leer sobre esta serie que ha marcado la ficción televisiva de los últimos años y que actualmente se encuentra en su temporada final. Ya en 2007 Dolmen Editorial publicó en nuestro país el libro Todo Sobre Perdidos, cuyo título difiere algo del original que es Getting Lost: Survival, Baggage, and Starting Over in J. J. Abrams' Lost, un recopilatorio de artículos, ensayos y textos de diferente naturaleza donde diversos autores exploran y analizan aspectos muy particulares y concretos de la famosa serie. Comandados por Orson Scott Card, el conocido escritor de ciencia-ficción de títulos como El Juego de Ender o La Memoria de la Tierra, guionista de cómics y profesor de literatura en la Southern Virginia University, que hace las veces de coordinador de esta obra en la que encontramos a académicos, escritores y especialistas que, con más o menos acierto y con más o menos gusto, nos ofrecen una visión de conjunto de la serie creada por J.J. Abrams, Damon Lindelof y Jeffrey Lieber.

La principal contrariedad de Todo Sobre Perdidos es su mismo título pues puede llevar a confusión al ocasional lector. "Todo" es una palabra demasiado grande y más teniendo en cuenta que los artículos que incluye este libro se escribieron cuando apenas había concluído en Estados Unidos la segunda temporada de la serie con lo que hemos de tener en cuenta todo lo que ha llovido desde entonces. Y, a pesar de esto, o precisamente por ello, uno de los atractivos de este libro a día de hoy es ver lo "visionarios" y acertados de algunos artículos y ensayos o, al revés, observar donde han acabado algunas suposiciones e ideas que se habían barajado por entonces. El artículo que abre el libro, ¿Por Qué Perdidos Es Una Buena Serie?, del propio Orson Scott Card, es un breve pero interesante análisis sobre el origen de las series de televisión y la forma en que funcionan en muchos de sus aspectos que por su carácter el autor relaciona con el estilo de la novela serializada de Charles Dickens. Tema este en el qué profundizará Evelyn Vaughn, autora de novela romántica, aventuras y fantasía, en su artículo Relatos Oceánicos, ¿Te Han Engañado? donde establece algunos parecidos razonables entre la serie y Los Cuentos de Canterbury de Geoffrey Chaucer.


Otros artículos a destacar son, por ejemplo, Locke Por Partida Doble y El Arte del Liderazgo propuestos respectivamente por Amy Berner, columnista, crítica y analista de cine y televisión, y el editor Gleen Yeffeth donde analizan, cadauno a su manera, los personajes de la serie y sus conflictos y en los que sobresale la figura del superviviente John Locke de evidente resonancia filosófica. Joyce Millman, escritora y crítica de televisión, nos propone por su parte una interpretación sobre la serie en La Teoría del Juego que pese a ser hoy en día descartable a grandes rasgos debido a lo que sabemos ya sobre Perdidos conserva ciertos elementos de interés que no andan del todo desencaminados con lo que hemos podido descubrir de las "entidades" que pueblan la isla. Dicha isla es también objeto de análisis en Es La Misma Maldita Isla donde con cierto tono humorístico el escritor de fantasía Adam-Troy Castro nos habla de los sospechosos parecidos entre Perdidos y el clásico de la televisión de los años 60 La Isla de Gilligan.


Otros artículos de Todo Sobre Perdidos están enfocados a analizar el armazón filosófico y moral sobre el que se sustenta la serie, en su mitología, en su metáforas, ideas y posibles interpretaciones que nos hablan principalmente sobre la sociedad, la religión y la ciencia. En este apartado tenemos Seguimos Perdidos un artículo de Charlie W. Starr, ensayista y profesor de literatura y cinematografia; Las Coincidencias No Existen de "la devota de la cultura pop" Leigh Adams Wright; Vértigo Cósmico En La Isla de Perdidos de Barry Vacker profesor de Teoría de los Medios de Comunicación, escritor y eventual director de cine; o Dudas, Descartes, y Genios Malvados de Robert Burke Richardson autor y guionista de cómics. Más desenfadados resultan los textos de la autora Lani Diane Rich, Enamorados de Perdidos, donde esta nos habla de las relaciones románticas de la serie; del novelista de terror Nick Mamatas, ¡Salve, Hurley!, que resulta toda una carta de amor al personaje; y del escritor y periodista G.O. Likeskill, Las Conexiones En Perdidos, sobre Los Seis Grados de Separación entre los actores de Perdidos.

Como colofón el comentarista de revistas y comic-books estadounidenses Bill Spangler y el autor Wayne Allen Sallee presentan dos artículos para los más entusiastas de la serie: El club de Lectura de Perdidos y Quién Es Quién y Qué Es Qué Para Todos Los… Perdidos, respectivamente. En el primero Bill Spangler nos ofrece una lista de las obras referenciadas y aparecidas en la serie y las dobles lecturas que estas ofrecen sobre los misterios de la isla y en el segundo Wayne Allen Sallee se marca todo un extenso glosario de términos de consulta sobre diferentes aspectos de la serie. Aunque, como ya hemos dicho, tanto estos dos artículos como el resto de los presentes en Todo Sobre Perdidos fueron escritos antes de finalizar la segunda temporada de la serie con lo cual, como es lógico, se encuentran muy desactualizados. Este y no otro problema es el que puede convertir a esta obra en prescindible pese a que, como reza en su contraportada, en ella "todo el mundo encontrará un artículo de su interés". Tal vez Todo Sobre Perdidos puede ser, en el peor de los casos, una manera de refrescar la memoria sobre los orígenes de la serie y sus primeras temporadas sin necesidad de volver a revisar todos y cadauno de sus capítulos y temporadas o, simplemente, una manera de pasar el rato leyendo sobre televisión.


Artículos relacionados:
-Perdidos: La Filosofía de Simone Regazzoni-

Ver también:
Lost (Perdidos)
El Octavo Samurái

-Zombi. Guía de Supervivencia de Max Brooks-

PROTECCIÓN COMPLETA CONTRA
LOS MUERTOS VIVIENTES

Zombi. Guía de Supervivencia es un singular libro del escritor, guionista y actor Max Brooks editado en 2003 y que ha resultado todo un revulsivo dentro de la actual literatura de terror. La obra en cuestión ha supuesto el pistoletazo de salida para la publicación en los últimos años de multitud de novelas y de libros teóricos sobre el creciente fenómeno zombi que inunda las estanterias de las librerías. La influencia de esta Guía de Supervivencia, junto a Guerra Mundial Z también del mismo autor, se ha hecho notar incluso en el mundo del celuloide donde algunas de las últimas producciones del género de los últimos años como The Zombie Diaries de Kevin Gates, Bienvenidos a Zombieland de Ruben Fleischer o Diary of the Dead del mismísimo padre moderno de los muertos vivientes, George A. Romero, en mayor o menor medida toman ciertos aspectos formales o ideas estaban ya presentes en las obras de Max Brooks. Pero mientras Guerra Mundial Z era una novela escrita como un falso compendio de entrevistas a supervivientes de un holocausto zombi en nuestro planeta Guía de Supervivencia es un libro aún más inclasificable, curioso y llamativo, una pormenorizada y completa recopilación de normas y consejos para sobrevivir en cualquier situación y lugar al invasor no-muerto.

El libro se divide en siete capítulos en los que Max Brooks "hace una defensa" del zombi o gul tradicional heredero del cine que se hizo popular en las producciones de finales de los años 70 y de la década de los años 80 y 90. Este se caracteriza por sus movimientos lentos, su debilidad física, su escasa agilidad y su casi nula inteligencia. El autor va más allá aún y utiliza todo tipo de argumentos para intentar justificar la existencia de estos seres en la vida real que, según él, estarían infectados por un virus que bautiza con el nombre de Solanum y que sólo se transmite por contacto directo de fluidos entre humanos. Para los aficionados al cine de género este juego resulta entretenido por el humor implícito que se puede leer entre líneas aún a pesar del falso tono de estudio riguroso que Max Brooks le da a la obra. En los capítulos posteriores aprenderemos cuáles son las armas más útiles y efectivas para luchar contra una amenaza de este calibre y las técnicas de combate que deberíamos conocer para estar preparados. Consejos para afrontar a los gules tanto cuando nos acechan a cubierto, en nuestro refugio improvisado, como en el exterior. La manera de aprovisionarnos, de asegurar nuestra vivienda o de realizar la "limpieza" de una zona. Todo lo encontremos en esta guía.


Max Brooks, siguendo su juego entre realidad y ficción, cataloga en cuatro clases diferentes, de menor a mayor nivel de intensidad, los posibles brotes de una infección zombi a los que podríamos tener que hacer frente. Un brote de clase cuatro sería la situación más extrema con hordas de no-muertos invadiendo el mundo entero y generando un caos absoluto como el que nos relata el propio autor en Guerra Mundial Z. Es entonces cuando esta Guía de Supervivencia se mostrará indispensable para poder tener una mínima esperanza de sobrevivir si no olvidamos, por supuesto, lo que hemos aprendido en los capítulos clave de la obra: Defendiendo, Huyendo y Atacando. En la parte final del libro encontraremos el apartado Ataques Registrados donde Max Brook hace un recorrido por los brotes y plagas documentados y corroborados por las fuentes a lo largo de toda nuestra historia. De esta manera el registro más antiguo se situa entorno al 60.000 AC, en Katanga, África Central, a partir del cual podemos encontrar una larga lista de posibles ataques zombi y de sucesos extrños presumiblemente relacionados con su presencia que llegan hasta la actualidad.

Queda claro, pues, que Guía de Supervivencia no es una novela al uso y por ello es una obra difícil de clasificar y de valorar teniendo todo esto en cuenta. Lo que Max Brooks nos propone es, ante todo, un juego y como tal resulta hasta cierto punto entretendido pero el hecho de que este configurado realmente como si de una guía se tratase puede hacer su lectura algo tediosa para diregir de un solo golpe. Hemos de tener en cuenta que es un libro que funciona realmente como un manual o como un libro de consulta, para una realidad que en principio nunca tendremos que afrontar, así que quizá resulte más fácil de leer como paréntesis entre otras lecturas, poco a poco, e incluso de forma aleatoria. Lo que es innegable es que con sus dos primeras obras Max Brooks ha conseguido llevar un género antaño propiedad de una minoria, ligado al mundo del cine y a las producciones de serie B de carácter independiente y no tanto a la literatura, para convertirlo en un auténtico producto de masas contribuyendo así a una transición que hace una década se antojaba improbable. En definitiva, Guía de Supervivencia es un libro que, nos puede gustar más o menos, pero que seguro que todos conservaremos siempre cerca por si algún día nos puede ser (de verdad) necesario.


Artículos relacionados:
-Guerra Mundial Z de Max Brooks-

Ver también:
La SubCultura Zombie -El Muerto Viviente del Siglo XXI-
Cine Om -Bienvenidos a Zombieland de Ruben Fleischer-

-The Boys de Garth Ennis y Darick Robertson-

Garth Ennis es el niño malo del cómic norteamericano y siempre que tiene ocasión se toma su tiempo para demostrárnoslo con sus obras más macarras, desfasadas y violentas que su perturbada mente es capaz de idear pero que en la mayoría de casos se quedan sólo en una pose que no acaba de ir a ningún lugar concreto. Este es el caso de una de sus últimas obras, The Boys, donde el guionista irlandés secundado a los lápices por Darick Robertson nos ofrece una sátira y una parodia extrema del género de superhéroes llena, como no puede ser de otra manera, de sexo, sangre y mutilaciones a borbotones y escenas a cada cual más escatológica, dantesca y absurda. Una diversión gore y macabra, con referencias bastante directas a series tan conocidas del mainstream como Los Vengadores, los X-men o La Liga de la Justicia y otros grupos por estilo o a personajes concretos como Batman, Lobezno o Superman. En The Boys también encontraremos cierto componente de crítica implícita a la propia industria del cómic que parece más bien fruto de la temática tratada en el cómic y de la casualidad que de la propia búsqueda e intención de Garth Ennis más preocupado por mantener su media de tacos por minuto que puede hacer soltar a sus personajes en cada página.

La historia de The Boys trata sobre un grupo secreto financiado por el gobierno de los Estados Unidos cuyo objetivo es hacer la vida imposible a los superhéroes que, lejos de ser las figuras altruistas y desinteresadas de otras publicaciones, destacan por ser un seres corrompidos por la fama, el dinero y el poder más preocupados por el porcentaje de beneficios que se embolsan por su merchandising que por la gente a la que, cada vez menos, se dedican a salvar. Temiendo el gobierno que un día se alcen para hacerse definitivamente con el contro del país y sabiendo que la opinión pública los adora y encubre hasta cierto punto sus excesos y sus terribles secretos no escatiman recursos para que Billy Butcher, alias El Carnicero, reuna de nuevo a su propio grupo de bastardos, Leche Materna, El Francés y La Hembra, para que inicien toda una guerra secreta contra los héroes de las mallas. Hughie Campbell, que perdió a su prometida en un accidente metahumano, se une al grupo de El Carnicero y en el camino descubrirá un mundo lleno de mentiras, muerte, depravación y violencia.


La serie publicada originalmente por el sello de Wildstorm de DC acabó siendo cancelada en su número seis pese a sus buenas ventas, lo cual ya es una prueba de lo que podemos encontrar en este cómic de Garth Ennis y Darick Robertson, pero fue relanzada por la editorial Dynamite Entertainment después de que DC cediese los derechos de la obra a sus autores. Garth Ennis declaró en su momento que hacía The Boys para que la gente olvidase a Predicador, su serie más reconocida hasta el momento publicada en la línea Vertigo de DC, pero lejos de eso y a pesar de la ausencia de Steve Dillon en el apartado gráfico de The Boys la serie no deja de recordar en muchos aspectos a las historias del sacerdote Jesse Custer. De hecho podríamos describir este cómic como "Predicador masacrando superhéroes" aunque en The Boys se prescinda del tono western y road movie que sí podíamos ver en aquella. Aquí Garth Ennis, en cambio, adorna su festival gamberro con una trama conspirativa entorno a la figura de los superhéroes y de los secretos que estos guardan de cara a la opinión pública y que, sin duda, resulta el aspecto más interesante de la historia.


Esta nueva versión "realista" del género superhéroico puede funcionar como un entretenimiento ligero si no se padece de estómago sensible pero, a la larga, el sustentar toda la historia en la provocación gratuíta y en la acción descarnada, nunca mejor dicho, puede acabar por agotar las posibilidades del cómic y las ganas del propio lector. El dibujo de Darick Robertson -que ya pudimos apreciar en Transmetropolitan la serie de Vertigo en la que coincidió con Warren Ellis- cumple, es efectivo y concreto, lo cual hace que se compenetre perfectamente con la narración de Garth Ennis y eso lo mejor que se puede decir de él. En nuestro país Norma ha publicado hasta la fecha cuatro tomos en tapa blanda de la obra que recopilan los primeros treinta números de la serie y, siendo justos, no es lo más caro que podemos encontrar de dicha editorial. En definitiva, si eres de los que siempre ha sospechado de la homosexualidad de Batman, si nunca has creído que Superman fuese ese boyscout que nos intentaban vender en los cómics y las películas de Richard Donner, si te gustaría conocer lo que nadie te ha contado antes sobre lo que de verdad ocurre en la mansión de los X-men cuando se cierran las puertas, si te preguntas como puede ser el sexo con una persona con superpoderes o, simplemente, desconfías de ellos entonces The Boys puede interesarte pero ten en cuenta que las respuestas que encuentres podrían no ser de tu agrado y siempre estarán salpicadas de sangre.


Ver también:
The Boys en ¿No Eres Mayor Para Leer Cómics?

Reflexiones y Citas "Extraordinarias"

"Oí que has anunciado que vas a hacer Los Vengadores Oscuros. ¡Es genial! Una nueva serie de Los Vengadores, ¿quien lo habría pensado? Y además son oscuros. La serie va a ser oscura, así se la puedes comprar a tu hijo"

Robert Kirman a Brian Michael Bendis en la Comic-con de Baltimore en 2009

Cine Om -Celda 211 de Daniel Monzón-

El fantástico relato que resulta Cadena Perpetua de Frank Darabont, Steve McQueen huyendo de los nazis en una motocicleta en una escena de La gran evasión, a Clint Eastwood planeando La Fuga de Alcatraz, la crudeza de Papillon de Franklin J. Schaffner o la de Sleepers de Barry Levinson, el infierno turco retratado en El Expreso de Medianoche de Alan Parker, al impresionante Edward Norton de American History X o incluso el entretenimiento que resulta el Encerrado de John Flynn con Sylvester Stallone como principal reclamo. El subgénero carcelario en el cine nos ha dado muchas pequeñas joyas y alguna que otra obra maestra a tener en cuenta dejándonos también algunas escenas míticas dentro del séptimo arte. Y ahora a esta lista de clásicos tenemos que unir una de las últimas propuestas de nuestro cine patrio que con Celda 211 ha convencido a propios y extraños cosechando un merecido éxito de crítica y público referendado en la taquilla y en la última edición de los Premios Goya donde la película de Daniel Monzón se alzó con ocho de los dieciséis galardones a los que optaba entre ellos el de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Adaptado, Mejor Actor para un imponente Luis Tosar y Mejor Actriz de Reparto y Mejor Actor Revelación para Marta Etura y el actor argentino Alberto Ammann respectivamente.

Celda 211 es una adaptación de la novela del mismo título del escritor y periodista Francisco Pérez Gandul que narra un motín en la prisión Sevilla-2 en medio de la cual un funcionario de prisiones queda atrapado por accidente teniendo que hacerse pasar por un recluso más para poder sobrevivir. La tensión va en aumento cuando se descubre que todo responde a un plan de los presos, que tienen como líder a un preso conocido como Malamadre, por el que intentan poner de manifiesto ciertos desmanes y abusos sufridos por parte de sus carceleros tomando como rehenes a tres terroristas etarras que estaban a punto de ser trasladados. El guión de la película a cargo de Jorge Guerricaechevarría y del propio Daniel Monzón sabe dosificar de manera más que correcta la tensión y la intriga de la historia en la que encontramos varias vueltas de tuerca que en ningún momento parecen forzadas y que consiguen mantener la atención del espectador con su ritmo y su sentido de la acción. Solamente parecen algo fuera de lugar los diferentes flashbacks intercalados a lo largo de la historia y previos al orígen del conflicto que protagonizan Alberto Ammann y Marta Etura y que podrían haberse resumido en una narración más lineal al principio de la película a modo de introducción.


Exceptuando este pequeño detalle, que en ningún momento entorpece la narración de los hechos, estamos antes una película técnicamente perfecta con una historia que atrapa de principio a fin y donde la interpretación de Luis Tosar resulta absorbente dando todo un recital interpretativo que nos vuelve a dejar claro que después de sus trabajos en Los Lunes al Sol y Te Doy mis Ojos es uno de los actores más solventes y contundentes del panorama español. Destaca también el papel de Alberto Ammann, dando la réplica al mismo Luis Tosar, que en su debut en la gran pantalla esta a la altura de las circunstancias creando un personajes interesante y lleno de matices muy alejado del habitual héroe del cine de acción. Mención a parte para un Antonio Resines en el papel de Utrilla y un Carlos Bardem como el Apache con un sorprendente parecido al actor estadounidense Danny Trejo un habitual en los proyectos del director Robert Rodríguez. El resto de secundarios no desentonan y terminan de configurar una interesante, visceral y realista visión carcelaria con ecos de cierta crítica social a modo de fresco sobre la condición humana en situaciones límite.


Daniel Monzón demuestra con Celda 211 y después de su anterior película, La caja Kovak, que otro tipo de cine español es posible y que la mejor manera para concectar con el espectador es darle lo que este pide utilizando el propio ingenio y la habilidad para contar una historia sin menospreciar ningún tipo de género en el camino. De esta manera Daniel Monzón se une a directores como Álex de la Iglesia, Alejandro Amenábar, Nacho Vigalondo o Jaume Balagueró que han decidido echar por tierra ciertos tópicos sobre nuestro cine, que cada vez más nos esta acostumbrado al cine de calidad, y que frente a la actitud pesimista y victimista de otros han decidido dedicarse simplemente a contar buenas historias para un público que esta deseoso de escucharlas, verlas y vivirlas. El cine español necesita más productos como Celda 211, [REC], Los Cronocrímenes, El Otro Lado de la Cama o Ágora, más cine de género en definitiva que, a fin de cuentas, es el que siempre llena las salas de cine. De momento, haciendo justicia al trabajo de todo el equipo de Celda 211, lo mejor que podemos decir es que estamos ante una película, como mínimo, imprescindible.


Ver también:
Celda 211 en Tu Blog de Cine

-Terror Inc. de David Lapham y Patrick Zircher-

"Hace mil quinientos años, una maldición lo condenó a descomponerse durante toda la eternidad y a buscar miembros frescos para reemplazar los suyos. Hoy, Terror dirige una agencia que se dedica al espionaje y a los asesinatos. Alguien quiere verlo muerto, de una vez por todas. Una historia inquietante, repleta de sangre y vísceras escrita por David Lapham (Balas Perdidas) y dibujada por Patrick Zircher (Ironman) "

Terror es un personaje Marvel de esa larga y extensa lista de creaciones olvidadas y denostadas que la editorial ha ido dejando en el camino a lo largo de su historia y que en algunos casos malviven como secundarios en breves apariciones aquí y allá hasta que, de vez en cuando, son rescatados para darles una segunda oportunidad en forma de nueva serie o miniserie. En el caso de Terror se cumplen todos estos tópicos siendo un personaje que nació a finales de los años 80 del pasado siglo bajo el desaparecido sello Epic de Marvel en el que también se encontraban otros personajes de la antesala del terror como son Morbius o Licantropus. Terror no gozó del beneplácito del público en su momento y posteriormente sólo se le ha podido rastrear en algunos números aislados de series como Lobezno, Daredevil o The Punisher ejerciendo de villano de turno. Será en 2007, seis años después de la creación de línea MAX para lectores adultos de Marvel, cuando se publique una nueva miniserie sobre el personaje con guión de David Lapham y dibujo de Patrick Zircher en la que se echa una nueva mirada sobre la creación de Dan Chichester, Margaret Clark y Klaus Janson.

Terror Inc. es el nombre de esta miniserie que narra la epopeya de Terror un ser que hace mucho, mucho tiempo, fue un humano pero cayó en desgracia después de enfrentarse a un demonio que lo maldijo para toda la eternidad. Su cuerpo está condenado a descomponerse hasta el fin de los tiempos y la única manera que tiene de sobrevivir es sustituir sus miembros y órganos podridos por otros nuevos que Terror a menudo consigue de entre los cadáveres de sus víctimas. Después de aquello Terror conoció a un señor de la guerra para el que realizó grandes gestas militares durante años hasta que este cayó en la batalla. La esposa de su señor, Talita, acogió entonces a Terror como había hecho su marido anteriormente convirtiéndolo en su amante en la cama y su espada en la batalla. Un día, después de caer en una emboscada de sus enemigos, Talita fue mortalmente herida pero antes de morir le pidió a Terror que utilizase sus miembros para escapar de allí y vengarla otro día. A pesar suyo Terror accedió a su súplica y recurrió a la magia de una bruja y al revestimiento que su esposo herrero le fabricó para conservar el brazo de Talita y así poder seguir sintiendo su alma dentro suyo. En la actualidad Terror trabaja como mercenario y asesino a sueldo pero su último caso se le esta yendo de las manos porque alguien quiere verle muerto a toda costa.


Con este argumento el guionista David Lapham, más conocido por su obra Balas Perdidas, construye una historia llena de sangre y vísceras -como no podía ser de otra manera- con pequeños toques de humor negro que, no obstante, no resultan lo más marcado de la miniserie aunque se dejen entrever, por ejemplo, en los títulos de los diferentes capítulos que conforman la historia algunos tan llamativos como Un Poco de Ti, Un Poco de Mí (Pero Un Poco Más de Ti) o ¡El Mundo Está Loco, Loco, Loco, Y Ya Estoy Hasta Las Narices de Él! El relato se centra, casi exclusivamente, en la figura de Terror que acapara toda la atención de la historia casi subliminando cualquier otro aspecto destacable del cómic como suele ocurrir con otros personajes más conocidos como Masacre o Lobezno. La acción ininterrumpida y las escenas más macabras y sangrientas acaban por conformar un relato simple pero ameno donde el trabajo de Patrick Zircher, con su trazo desigual y grotesco, resulta todo un acierto que acaba por definir un producto destinado al consumo rápido y que podrán disfrutar sobretodo los seguidores de obras como los Marvel Zombies de Robert Kirkman.


Terror Inc. se incluye dentro de la llamada línea MAX aunque hoy en día este sello de la editorial Marvel carece de sentido pues las historias que podemos encontrar aquí en casi nada se diferencian de las que podemos ver en las series regulares de la llamada Casa de las Ideas. De esta manera, la violencia presente en Terror Inc., por ejemplo, es exactamente la misma que podríamos ver actualmente en los Dark Avengers de Brian Michael Bendis y Mike Deodato Jr. o X-Force de Craig Kyle y Chris Yost. Con el sexo, que es otra de las cuestiones por las que supuestamente existe este sello para lectores adultos, pasa otro tanto de lo mismo pues la mayoría de las veces este es inexistente o esta tan cohibido como en el resto del Universo Marvel. Por lo que llegamos a la conclusión de que la única razón para incluir una serie como Terror Inc. dentro de la línea MAX es ahorrarse la encriptación de las palabras malsonantes del relato como suele ocurrir habitualmente en el resto de cómics Marvel donde se dejan a la interpretación del lector. En nuestro país Panini acaba de publicar Terror Inc. dentro de su colección 100% Marvel cuyo precio y formato invita, como mínimo, a darle una oportunidad.


Ver también:
Terror Inc. en Nuestros Cómics

-En Tierra Hostil de Kathryn Bigelow-

"El ímpetu de la batalla es una potente y muy a menudo letal adicción, pues la Guerra es una droga"

War Is A Force That Gives Us Meaning de Chris Hedges

En Tierra Hostil (The Hurt Locker) es una película de la directora Kathryn Bigelow, hasta ahora más conocida por su antigua relación con James Cameron que por sus producciones, que ha obtenido un sorprendente reconocimiento de la crítica especializada siendo nominada además a nueve estatuillas en los premios Oscar de este año cuya ceremonia se celebrará el próximo día 7 de Marzo. La película es candidata a los premios de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor para Jeremy Renner, Mejor Guión Original para Mark Boal, Mejor Montaje, Mejor Fotografía, Mejor Banda Sonora de Marco Beltrami y Buck Sanders, Mejor Mezcla de Sonido y Mejor Edición de Sonido. En Tierra Hostil se destapa de esta manera como una de las sorpresas de la temporada siendo un relato centrado en la actualidad de Iraq y en el trabajo de los soldados estadounidenses allí destinados cuyo reparto principal esta integrado por actores desconocidos como el mencionado Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geraghty o Christian Camargo secundados por los cameos de actores más populares como Guy Pearce, Ralph Fiennes o Evangeline Lilly conocida por interpretar a Kate Austen en la popular serie de televisión Perdidos.


El soldado William James (Jeremy Renner) llega a la base Camp Victory en Iraq para sustituir al sargento Matt Thompson (una breve pero inspirado cameo de Guy Pearce) en la unidad EOD con la compañía Bravo del ejército de los Estados Unidos. Junto al sargento J.T. Sanborn (Anthony Mackie) y al especialista Owen Eldridge (Brian Geraghty) se encargará de desactivar diversos artefactos explosivos colocados a diario por la insurgencia iraquí aunque sus métodos, que ponen en riesgo a sus compañeros y a él mismo, prometen tensiones dentro del grupo. La película, con este guión mínimo, parece haber caído en gracia debido contexto de rabiosa actualidad donde se sitúa pues, por lo demás, estamos ante una simple pero excelente película de acción a pesar de sus personajes totalmente estereotipados y tópicos que sólo vienen a reflejar el consabido "american way" de hacer las cosas. El guión de Mark Boal resulta prácticamente inexistente y no va más allá de su sinopsis resultando en una mera sucesión de escenas de acción -con algún momento de película de adolescentes- rodadas con un tono casi documental y en el que destaca el buen manejo de la tensión que imprime Kathryn Bigelow a la historia.

En consecuencia tenemos una película entretenida, con un buen ritmo, pero falta de matices y de una mayor implicación. La historia del cine nos ha ofrecido ya multitud de producciones que, de forma más certera, nos han hecho reflexionar sobre lo absurdo de la guerra y la estupidez inherente al ser humano como es el caso de Platoon de Oliver Stone, Apocalipsis Now de Francis Ford Coppola, Salvar al Soldado Ryan y La Lista de Schindler de Steven Spielberg o las más recientes Cartas desde Iwo Jima de Clint Eastwood y Jarhead de Sam Mendes. En Tierra Hostil, en cambio, se queda solamente en la parte estética del mensaje lo que la emparenta más con la, por otro lado, entretenida y palomitera Black Hawk Derribado de Ridley Scott, que con los clásicos antes mencionados. Lo cual no quita para que En Tierra Hostil se pueda considerar una buena película como ya hemos insinuado que funciona también como una fábula sobre la dificultades que genera la falta de entendimiento entre las personas pero cuyas virtudes, sin duda, se han sobredimensionado. Curiosamente la película de Kathryn Bigelow no está tan lejos en muchos aspectos de "esa (película) de 500 millones de dólares" como designó el productor Nicolas Chartier recientemente al Avatar de James Cameron.


En Tierra Hostil, para ser una película de mayor calado humano y social, hubiese necesitado de una introspección más marcada de sus personajes para que no se conviertan, en muchas partes de la trama, en meros clichés dentro de la historia que se vuelve demasiado previsible e incluso algo rutinaria en ciertos momentos. La crítica a la guerra además queda a la deriva por ese tono documental que no parece tomar partido en ningún momento conviertiéndola, sin seguramente ser su intención, en una historia "políticamente correcta" que hace que incluso sea difícil apreciar la crudeza de la guerra, salvo por algunas espectaculares escenas de acción, que debería ponernos en tensión. Algo que incluso consigue Malditos Bastardos de Quentin Tarantino a pesar de estar rodada con un claro tono de parodia y más como un ejercicio cinéfilo de estilo que como un exponente real del género bélico. En su justa medida En Tierra Hostil de Kathryn Bigelow es una película superior a la media, con un tema a tratar interesante y una puesta escena y un ritmo muy bien llevados, pero que dista mucho de ser una obra maestra o un referente a seguir.


Ver también:
En Tierra Hostil en El Almuerzo Desnudo

-Spider-woman de Brian Michael Bendis, Brian Reed y Luna Brothers-

La historia de amor entre Brian Michael Bendis y Spider-woman viene ya de muy lejos. Ya en 1995, cuando el exitoso guionista de Los Nuevos Vengadores y Powers apenas había desembarcado en Marvel, ya planteó la posibilidad de realizar un proyecto con Jessica Drew como protagonista. La propuesta no llegó a concretarse en su momento, sobretodo por las reticencias de la editorial a trastocar un personaje que aún podía serles útil, aunque de ello salió algo positivo. Tomando algunas de las ideas que el guionista tenía en mente para Spider-woman creó junto a Michael Gaydos la serie Alias donde aparecía por primera vez otro de los personajes fetiches del guionista: Jessica Jones. Creada desde cero para la ocasión y otorgándole un pasado en el Universo Marvel mediante la retrocontinuidad Brian Michael Bendis consiguió una obra a medio camino del género negro y el cómic de superhéroes. A pesar de ello la idea de realizar una serie con Spider-woman no desapareció de la mente del pólemico guionista que se las arregló para incluirla en su alineación en Los Nuevos Vengadores cuando se hizo cargo de la serie para acabar dándole una relevancia dentro del Universo Marvel (a pesar de las revelaciones de Invasión Secreta) que desde los años 70 no había tenido el personaje.


Finalmente, en 2009, Brian Michael Bendis cumplió su sueño y desde Marvel le dieron luz verde para crear una nueva serie regular de Spider-woman en la que le acompañaría en el apartado gráfico su antiguo compañero Alex Maleev con el que ya coincidió en su larga temporada en Daredevil. Antes de enrolarse en esta nueva aventura Brian Michael Bendis junto al también guionista Brian Reed, cuyo tándem ya nos ofreció en su momento el especial Los Nuevos Vengadores: Iluminati, decidieron volvernos a contar el orígen de Spider-woman a modo de introducción de lo que seria la futura serie del personaje. En el apartado gráfico encontramos a los Luna Brothers que con su dibujo simple y minimalista, carente de fondos, y una paleta de colores muy básica nos recuerdan a los trabajos de Adi Granov. Esta miniserie se acabó bautizando con el explícito título de Spider-Woman: Origin y en ella encontraremos una actualización de los orígenes de la heroína creada en 1977 por Archie Goodwin, Sal Buscema y Jim Mooney que debutó en el número #32 de la revista Marvel Spotlight de aquel mismo año.

La historia comienza al pie de la montaña Wundagore, donde los investigadores británicos Jonathan y Miriam Drew realizan estudios y experimentos genéticos para el gobierno, utilizando como cobayas arácnidos de todo tipo. Cuando por un accidente de laboratorio Miriam Drew recibe la descarga de un rayo recombinador de ADN estando embarazada todos se ponen en lo peor temiendo que el feto haya sido afectado. A pesar de ello la pequeña Jessica Drew nacerá sin rastro de ninguna malformación o mutación. No obstante, a los siete años, la pequeña comenzará a mostrar algunos signos de alteraciones genéticas que parecen predecir un desenlace fatal. Su padre asumiendo que muerte es irreversible dedice proseguir sus experimentos para al menos sacar provecho para sus investigaciones. La tragedia se acaba de desatar cuando su esposa descubre la terrible verdad al tiempo que los poderes de Jessica Drew hacen acto de presencia de manera fatal atacando a sus dos progenitores. Después de desmayarse despierta diez años más tarde en las instalaciones de la organización terrorista Hydra que tienen un objetivo claro para ella: entrenarla y adiestrarla para convertirla en su arma definitiva.


Brian Michael Bendis y Brian Reed actualizan el orígen de Spider-woman en un relato sin demasiadas florituras ni matices en el que no encontramos ni rastro del acusado decompressive storytelling del que suelen hacer gala el guionista de Invasión Secreta y Dinastía de M. El cómic puede resultar hasta cierto punto interesante para los lectores que deseen conocer algo más de la historia del personaje. Un producto entretenido y fácilmente digerible si dejamos a un lado su escasa trascendencia y la sensación de horror vacui que nos produce el dibujo de los Luna Brothers más dotados para la animación que para la narrativa de cómics. En esta ocasión Panini ha decidido editar estar miniserie dentro de su colección 100% Marvel de manera que resulta asequible para todos los bolsillos. Además desde la editorial parecen haber mejorado un poco el formato lo cual es de agradecer. Esta miniserie, en definitiva, puede ser un buen anticipo para abrir boca mientras esperamos la llegada de la nueva serie regular de la Spider-woman original del Universo Marvel y comprobar si de verdad la espera ha válido la pena.


Ver también:
Daredevil -Guionistas sin Miedo (I)-
Daredevil -Guionistas sin Mierdo (II)-

Cine Om -Up in The Air de Jason Reitman-

Jason Reitman con Up in The Air vuelve al ataque con una de sus ya habituales comedias cínicas de corte posmodernista, de importante calado social y humano, como lo fueron en su momento Gracias por Fumar y Juno con la que acabó ganando en 2007 el Oscar al Mejor Guión Original escrito por Diablo Cody (seudónimo cool de Brook Busey-Hunt). Jason Reitman, hijo del también director Ivan Reitman (que desde Los Cazafantasmas II ha ido sobreviviendo en la industria con productos menores como Seis Días y Siete Noches, Evolution o Mi Super Ex-Novia), ha conseguido un cierto reconocimiento en Hollywood por sus últimos trabajos lo que le ha llevado a que este año Up in The Air haya sido nominada en seis categorías diferentes de los premios Oscar entre los que se incluyen los de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Adaptado, Mejor Actor para George Clooney y Mejor Actriz de Reparto en dos ocasiones para las actrices Vera Farmiga y Anna Kendrick. La película ya ha sido premiada, no obstante, con el Globo de Oro al Mejor Guión escrito por el propio Jason Reitman en colaboración con Sheldon Turner que a su vez esta basado en la novela de Walter Kim de 2001.

Up In the Air es la historia de Ryan Bringhman (George Clooney) un ejecutivo que trabaja para una empresa de recursos humanos cuyo cargo le obliga a estar viajando de una punta a otra de Estados Unidos continuamente para organizar masivos despidos de personal. Lejos de suponer un problema para él su situación le resulta perfecta para seguir sosteniendo su personal filosofía de vida solitaria, independiente y aislada de todo tipo de rsponsabilidad, compromiso familiar o lazo sentimental. Su único objetivo en la vida es conseguir el récord de millas voladas en una línea aérea pero este parece un poco más lejos cuando su amigable superior (interpretado por Jason Bateman) le anuncia que, debido a la crisis económica, la empresa debe eliminar los gastos de sus viajes. A propuesta de la nueva asistente y piscóloga, Natalie Kenner (Anna Kendrick), los despidos se llevaran a cabo a distancia mediante videoconferencia eludiendo así el factor humano. Ryan Bringhman se muestra en desacuerdo con esta decisión ante lo cual su superior le propone que Natalie y él realizen algunos viajes de prácticas para que ella se pueda poner al día con el trabajo que de verdad realiazan en la empresa.


La película, pese a su contexto, plantea una historia bastante trillada y tópica con la soledad como tema conductor de la trama. En la historia el personaje interpretado por George Clooney es el habitual hombre con miedo al compromiso, inmaduro y cínico que, no obstante, teme hacerse mayor y quedarse solo. Un papel que no es la primera vez que interpreta el actor de Quemar después de leer o Syriana. El resto de personajes protagonistas se mueven en esta misma línea, lo que nos permite ver como cadauno de ellos afronta la soledad a su manera asumiendo ciertos roles que, por otro lado, hemos visto en cientos de películas. Son los ácidos diálogos y las interpretaciones de los actores, todos bastante cómodos en sus papeles, lo que convierten la película en algo atractivo y fresco que puede hacernos creer que nos encontramos ante una historia más original de lo que en realidad es. Por otro lado, la fotografía de Eric Steelberg y la música de Rolfe Kent, son utilizadas con habilidad para crear una atmósfera y un entorno casi paisajística que la hace muy fluida visualmente y que, por momentos, puede recordar a Lost in Translation de Sofía Coppola.


El pulso de Jason Reitman se nota en el tono de la película que, en definitiva, resulta una propuesta entretenida y correcta que destaca por su dirección y por su reparto, aunque por momentos parezca simplemente planificada para el lucimiento de George Clooney, pero que, no obstante, no es lo mejor que nos ha deparado el panorama cinéfilo este comienzo de año. La película, además, parece perder fuelle en su última parte donde el cinismo y la ironía presente durante el metraje casi desaparece para convertirse en una historia de amor algo predecible y tópica. Lo que si queda claro es que George Clooney, a sus cincuenta años, esta en el apogeo de su carrera después de la buena acogida de su última película como director, Buenas noches y buena suerte, y de haber sido reconocido con un Oscar por su trabajo en Syriana en 2006. Todo ello mientras esta a punto de estrenar su última película, también una comedia, Los Hombres que Miraban Fijamente a las Cabras junto a Ewan McGregor, Kevin Spacey y Jeff Bridges.


Ver también:
Los Hombres que Miraban Fijamente a las Cabras

-Perdidos: La Filosofía de Simone Regazzoni-

"La isla de Perdidos no es un mundo fantástico e inverosímil,
sino la perfecta alegoría del mundo en que vivimos"

Perdidos es a día de hoy todo un icono pop de esta primera década del siglo XXI y, sin duda, una de las series que más ha influído e influirá en el panorama televisivo y cinematográfico de los próximos años. Esta serie, que se ha ganado un importante círculo de fieles seguidores y de habituales curiosos, ha sabido conjugar acción, misterio, filosofía y ciencia-ficción de una manera novedosa y atractiva para el espectador. En ella no faltan guiños y referencias a la cultura popular, a la historia, a los cómics, la fantasía y a la literatura. Todo tiene cabida en Perdidos y todo elemento es susceptible de ser analizado para pasar a formar parte del gran entramado de la serie que de esta manera se convierte en un gran crisol de interpretaciones, de teorías y de posibilidades. Su devaneo entre la realidad y la ficción la convierte en un juego adictivo y fascinante que traspasa y trasciende la propia pantalla de televisión extendiendo sus redes a través de internet para ir creando todo un mundo paralelo a su alrededor. Su popularidad es tal que la ha llevado a ser referenciada en multitud de medios: programas de televisión, cómics, libros, películas o canciones. Iniciada la sexta y última temporada de esta exitosa serie nos adentramos, cada vez más, en este universo paralelo de ficción mientras las camisetas, los muñecos de los personajes y todo tipo de merchandising nos sigue invadiendo sin darnos tregua.


Dejando a un lado esta marabunta consumista, ciertos sectores académicos, sociólogos y filósofos en concreto, empiezan a hacerse cargo de los planteamientos y de las ideas expresadas en la serie y lo que estas suponen. Cosa que en su momento ya ocurrió con la saga Matrix de los Hermanos Wachowski de la que se publicaron ensayos, artículos y obras de todo tipo analizando la filosofía implícita de las películas. Por ello se debe valorar el interés de este tipo de productos por acercar la cultura del pensamiento y la filosofía al espectador medio. Sobre esta cuestión y otras parecidas nos habla el libro Perdidos: La Filosofía (La Filosofia di Lost) de Simone Regazzoni profesor de la Universidad Católica de Milán y coautor bajo el pseudónimo colectivo de Blitris de La filosofía del Dr. House, La Decostruzione del Politico o Harry Potter e la Filosofia. Simone Regazzoni lo tiene muy claro y para él la filosofía "puede o debe ocuparse de series de televisión" al igual que lo hace del cine o del arte contemporáneo. Y va más allá cuando afirma, no sin cierta razón, que "de hecho, en muchos casos haría mejor en dedicarse al análisis de Perdidos, 24 horas o House que perder el tiempo con la enésima y aburridísima provocación de artista". Toda una declaración de perspectiva en la introducción de una pequeña obra, a modo de ensayo, que intenta mostrarnos las grandes cuestiones que maneja la serie del canal ABC creada por J.J. Abrams, Damon Lindelof y Jeffrey Lieber.

La obra puede llevar a confusión por su título pues en Perdidos: La Filosofía no vamos a encontrar un análisis sui generis de la serie ni una lista comentada de los diferentes guiños y referencias filosóficas que los guionistas manejan en la serie. Perdidos: La Filosofía es un ensayo que nos habla de los temas y cuestiones prioritarios que trata la serie y la manera en que esta lo hace. Temas fundamentales como la búsqueda de la verdad o de conocimiento y la diferencia entre la realidad, el sueño y la ficción. Simone Regazzoni nos ofrece las claves con las que poder, nosotros mismos, interpretar mejor la serie y no perdernos en su narrativa ni en su narración. Según el autor el valor de Perdidos no es otro que el haber conseguido llevar estos temas a los espectadores favoreciendo la creatividad, convirtiendo a todos ellos en potenciales filósofos y liberando así a la filosofía de su academicismo para convertirse en un producto al alcance de las masas. Lo importante, pues, no es donde nos acabará llevando el viaje al final sino las posibilidades que este ofrece, las interpretaciones y reinterpretaciones que de los puntos clave y de las ideas que encontramos a lo largo de la serie podemos hacer y de observar la interesante labor de deconstrucción que esta realiza de la sociedad actual ya que "la isla de Perdidos no es un mundo fantástico e inverosímil, sino la perfecta alegoría del mundo en que vivimos".


Se hace eco Simone Regazzoni también de la pólemica que algunos autores han suscitado sobre la serie al acusarla de romper la balanza entre la realidad y la ficción entre los espectadores y creando con ello un peligroso precedente o de ser una muestra más de la intención del gobierno estadounidense de establecer un "control de pensamiento global" en que la ficción favorecería la pérdida de sentido de la realidad que nos rodea y de nuestro racionalismo. Para el autor Simone Regazzoni estas acusaciones sólo son fruto del prejuicio y el desconocimiento sin tener en cuenta "la nueva narrativa" de la ficción del presente siglo y del papel que la tecnología y el propio espectador juega en ella. Perdidos: La Filosofía es un libro que nos ofrece una perspectiva y una reflexión más allá de la propia serie de la que nos habla con visos de anticiparse a lo que la televisión y el cine de los próximos años nos ofrecerá y que en algunos casos como este ya nos ofrece. La "linealidad de las historias" se va a romper lo cual desembocará en obras más complejas que deberán ser seguidas a través de múltiples medios en las que la complicidad con el espectador y el papel que este jugará serán más decisivos acabando de esta manera con la tradicional pasividad del receptor.


Perdidos: La Filosofía es una obra hasta cierto punto interesante aunque en ocasiones confusa y frustrante respecto a las respuestas que podría buscar un seguidor de la serie al acercarse a este libro y en otras por liosos y embrollados conceptos que se nos intentan explicar. Un estudio que se adelanta a los que seguramente se publicaran una vez la serie llegue a su final, de hecho la obra fue publicada en Italia a la finalización de la quinta temporada, y podamos observar de verdad su eco y repercusión en la ficción actual. Es de alabar, pues, que Simone Regazzoni nos ofrezca una visión abierta sobre este tipo de ficción a pesar de que sus reflexiones se encuentran en ocasiones demasiado "contaminadas" por Jacques Derrida, pensador y filósofo francés contemporáneo conocido por su "pensamiento de la deconstrucción", con el que parece tener una especial comunión y al que suele citar indiscriminadamente. Duomo Ediciones nos ofrece una edición correcta con traducción Mª Ángeles Cabré y con la lista de capítulos de la serie, con fecha de emisión en Estados Unidos y título, de las primeras cinco temporadas y los primeros de la sexta que, a modo de extra, siempre resulta útil en caso de consulta. Una obra que, ante todo, viene a ratificar el éxito de una serie de la que muchos opinan, el tiempo dirá si de manera exagerada, que ya es la mejor de la historia.


Ver también:
Review Lost 6x01 - 6x02 - LA X
Review Lost 6x03 - What Kate does
Review Lost 6x04: The Substitute

The Big Freak-Effect Theory -Expediente (III)- Filosofía de Perdidos-