-Northlanders: La Cruz + El Martillo de Brian Wood y Ryan Kelly-

"No parece ser un hombre equivocado...
tanto como un hombre guiado por una causa"

El primer arco argumental de Northlanders, El Regreso de Sven, resultó una bocanada de aire fresco dentro de las últimas propuestas de la línea Vertigo de DC Comics, con una historia narrada con detalle y de forma efectiva por Brian Wood y plasmada por los espléndidos lápices del italiano Davide Gianfelice. Con La Cruz + El Martillo, segundo arco argumental autoconclusivo publicado por Planeta de Agostini que corresponde a los números #11-16 de la serie, Brian Wood intenta llevar su propuesta un paso más allá dejando la sutileza a un lado en sus comparaciones del "salvajismo" y decadencia de nuestro mundo contemporáneo, irónicamente inmerso en una espiral en constante cambio y evolución con cierta correspondencia a los tiempos vividos por las poblaciones vikingas en su ocaso a partir del siglo XI d.C. que finalmente resultarían en el conflicto y la aculturación hacia los roles cristianos del momento. La Cruz + El Martillo es, pues, un título bastante explícito al respecto, reflejando la dualidad que enfrentaba a la religión cristiana contra las tradiciones paganas vikingas. En este relato Brian Wood nos presenta de nuevo a un personaje marginal, un brutal y obsesivo Magnus acompañado por su hija Brigid, enfrentado en una eterna huida a las fuerzas de ocupación vikingas que se personifican en su cazador y "especialista forense" Lord Ragnar Ragnarsson, un enviado del rey Sigtrygg. Como telón de fondo de la anunciada tragedia tenemos la Irlanda del año 1014 d.C. durante la batalla de Clontarf que resultó la culminación del conflicto entre los reinos de Munster y Leinster por la soberanía del país.


En esta ocasión, con La Cruz + El Martillo, el guionista estadounidense Brian Wood realiza un trabajo más ligero donde las citadas referencias o intencionados anacronismos de carácter contemporáneo, especialmente marcados en el personaje de Lord Ragnar Ragnarsson, definido por un espíritu racionalista y científico que parece algo fuera de época, y el "final trampa" de la propia historia, resultan mucho más forzados que en El Regreso de Sven. Brian Wood crea todo un "thriller psicológico" de época donde la caracterización de personajes sigue siendo la tónica dominante aunque sin el atractivo del dibujo de Davide Gianfelice que vimos en el primer arco argumental de la serie. Aquí el dibujante elegido, que también ejerce como entintador, es Ryan Kelly, al que conocemos por sus trabajos en el sello Vertigo en series como Los Libros de Magia o Lucifer. Ryan Kelly cumple sin muchas excelencias, a pesar de un trazo que puede recordar al del citado Davide Gianfelice, con un dibujo desgarbado y parco aunque efectivo en el plano corto y con un destacado sentido de la acción que aquí se sobrepone a la épica presente en El regreso de Sven. El colorista, de nuevo Dave McCaig, sigue realizando un trabajo encomiable convirtiéndose en el nexo de unión entre El Regreso de Sven y La Cruz + El Martillo junto a Massimo Carnevale que sigue deslumbrándonos con sus magníficas portadas.

Como comentó José Torralba en Zona Negativa en su momento a propósito de La Cruz + El Martillo "la historia es más pequeña, de menos calado, sin tantas triangulaciones y con menos personajes; y la estructura, por consiguiente, es más simple" pero, a pesar de todo, "poderoso en su subtexto". Es aquí, quizá, donde descubrimos el verdadero tono de la serie ideada por Brian Wood que no pretende en ningún caso plasmar fielmente el reflejo de una época o convertirse en un cómic de corte histórico propiamente sino utilizar las historias humanas que en Northlanders se nos van presentando para realizar una reflexión sobre nuestro propio presente. A pesar de ello Brian Wood respeta muchos aspectos del bagaje de la época que trata relacionados con tradiciones, comportamientos, vestuario y algunos sucesos de trascendencia histórica esencial en las páginas de Northlanders pero fuerza, en ocasiones, la mentalidad y las situaciones extraordinarias a las que se ven sometidos sus protagonistas para conseguir sus objetivos creando en el camino fábulas y metáforas atemporales sobre la sociedad y los valores humanos y sobre el choque de civilizaciones que tanto ha marcado el devenir histórico. Esto puede resultar una decepción para aquellos que busquen una obra de género más clasicista y más apegada a la concepción tradicional que tenemos sobre las culturas antiguas por mucho que esta suela estar tan "adulterada" como la visión que Brian Wood nos propone.


También hemos de tener en cuenta que Northlanders se articula como una serie de relatos de diferente extensión y temática, dentro de la época que retrata en la que se utilizan ciertas ideas y temas recurrentes así con cierto sentido de la épica, que convierte cada arco argumental o historia en una reinterpretación del concepto de la serie al obligarse a sí misma a liberarse de una continuidad estricta y cambiando de protagonistas y de escenario en cada relato. Esa independencia argumental es un valor propio de la serie aunque también puede ser un punto débil ya que, por defecto y de forma inevitable, algunas historias y protagonistas conseguirán empatizar y llamar más nuestra atención que otras. La Cruz + El Martillo es una historia menos llamativa, más tópica desde el punto de vista actual debido a su narrativa tramposa, menos detallada y de menos repercusión pero suple con entusiasmo y ritmo esas carencias, resultando en un entretenimiento más liviano y manteniendo intactas las posibilidades de una serie que sin duda nos tiene preparados mejores momentos en futuras entregas. Para comprobarlo tendremos que esperar al mes de Agosto en que Planeta de Agostini publicará el tercer recopilatorio de Northlanders, Sangre En La Nieve, que incluirá una serie de relatos cortos ilustrados por diferentes artistas como son Dean Ormston, Vasilis Lolos o Danijel Zezelj a los que se suma el regreso de Davide Gianfelice en una historia que sirve de continuación a El Regreso de Sven titulada en esta ocasión Sven El Inmortal.


Artículos relacionados:
-Northlanders: El Regreso de Sven de Brian Wood y Davide Gianfelice-

Ver también:
-Northlanders: La Cruz + El Martillo en Zona Negativa-

-Guerreros Secretos de Jonathan Hickman, Brian Michael Bendis y Stefano Caselli-

"Hago mi trabajo.
Es el mundo lo que ha cambiado.
Yo no, ni un ápice."

Nick Furia es uno de los personajes más veteranos de Marvel, con el mérito añadido de no pertenecer al ramo de los superhéroes, habiendo debutado ya en el lejano 1963 en las páginas de la publicación de corte bélico El Sargento Furia y sus Comandos Aulladores donde los incombustibles Stan Lee y Jack Kirby nos relataron sus vivencias durante su participación en la Segunda Guerra Mundial. Ya en 1965 Nick Furia ejercería como agente y espía de la CIA y, posteriormente, como comandante en jefe de la famosa agencia de inteligencia y antiterrorismo SHIELD convirtiéndose en décadas posteriores en una de las piezas principales del engranaje de la continuidad Marvel. Su extraña longevidad se achacaría tiempo después a la llamada Fórmula Infinito con la que había sido tratado al final de la guerra después de haber sido gravemente herido a causa de una mina terrestre. En tiempos presentes Nick Furia cayó en desgracia a raíz de Secret War, una historia escrita por Brian Michael Bendis y dibujada por Gabriele Dell'Otto, donde su enfrentamiento contra el país de Latveria le llevavía a actuar al margen de la ley internacional y de las órdenes del gobierno estadounidense, en aquel momento aliado del antiguo reino del Doctor Muerte, para acabar siendo considerado un traidor y verse obligado a pasar a la clandestinidad dentro de su propia nación para enfrentar la corrupción presente en las mismísimas filas de SHIELD.


Sería en Invasión Secreta, después de un largo período actuando en las sombras, cuando Nick Furia volvería a la primera línea de fuego, esta vez acompañado de unos nuevos reclutas que formarían su tropa de choque, para combatir a la amenaza skrull que se había infiltrado hasta los entrañas en las más importantes organizaciones mundiales. Es justo en este punto cuando en Marvel dieron vía libre a la nueva serie protagonizada por Nick Furia que sería guionizada por el tándem Jonathan Hickman y Brian Michael Bendis e ilustrada por el artista italiano Stefano Caselli y que tendría el enigmático título de Guerreros Secretos. Pero la Invasión Secreta traería consigo el amanecer del Reinado Oscuro de Norman Osborn, con los héroes enfrentados unos a otros, obligando a Nick Furia a seguir oculto y luchando contra el poder establecido financiando su propio ejército formado primero por los mencionados Guerreros Guerreros, una agrupación formada por metahumanos sin experiencia en el campo de batalla o en la acción superheróica y en su mayoria unos grandes desconocidos, y recuperando después a sus míticos Comandos Aulladores entre los restos de los agentes de SHIELD, con el fiel Dum Dum Dugan al frente, que aún le son fieles y contrarios a HAMMER la organización heredera de SHIELD. Todo ello llevará a Nick Furia y sus hombres a librar la guerra más cruda y dura que han conocido contra la peligrosa organización terrorista Hydra del Baron Wolfgang von Strucker en la que militan pesos pesados como el Gorgon o Madame Hydra.


En Guerreros Secretos tenemos a un Nick Furia en su máximo esplendor, a medio camino del James Bond más clásico y el Clint Eastwood más memorable, con sus habituales frases lapidarias, su carácter maquiavélico y huraño y su capacidad para sorprendernos con sus habitualmente infalibles planes de reserva. Los personajes que alguna vez han estado ligados a la historia del personaje, como el pragmático Dum Dum Dugan o la ambigua Condesa Valentina Allegro de la Fontaine, hacen acto de presencia en las nuevas aventuras de un Nick Furia rodeado, por otro lado, por un grupo de jóvenes de dispares personalidades y temperamentos a los que intentará adiestrar personalmente. La serie maneja muy bien esa oposición entre el pasado, la experiencia y el compromiso encarnados en el perro viejo que resulta Nick Furia y los nuevos tiempos, extraños y reaccionarios, que se identifican con los miembros que él mismo ha seleccionado para su arriesgada empresa. De igual manera la colaboración entre Jonathan Hickman y Brian Michael Bendis da como resultado un interesante híbrido entre el cómic superheróico clásico y el relato de intriga y suspense. Jonathan Hickman aporta su narrativa ágil y fresca mientras que Brian Michael Bendis colabora con sus ideas y sus habituales diálogos, aquí algo más contenidos y efectivos al integrarse con naturalidad en la trama concebida por su compañero que, además, suaviza el acusado decompressive storytelling del creador de Alias.

Este cuadro lo completa Stefano Caselli que, si bien su dibujo no resulta de primer nivel, consigue atraer la atención gracias a su agradable y detallado trazo que en ocasiones parece recordar al trabajo de Humberto Ramos aunque prescindiendo del "histrionismo" y la caricatura propia de las creaciones del dibujante mexicano. Dicho esto Guerreros Secretos resulta una de las mejores series que ha publicado Marvel en los últimos años, llena de grandes momentos, acción y tensión y personajes bien caracterizados sabiendo lidiar, por otro lado, con la actualidad marvelita y utilizarla en su beneficio. Por desgracia, lo bueno no suele durar normalmente, y ya se ha anunciado la cancelación en Estados Unidos de Guerreros Secretos en su futuro número treinta a pesar de que Jonathan Hickman ha declarado en alguna ocasión que tenía una trama preparada que le daría juego durante al menos un par de años más. Esta decisión, más que a las ventas, podría deberse al nuevo status quo en el Universo Marvel ante la caída del Reinado Oscuro y el advenimiento de la llamada Edad Heroica en la que la franquicia de Los Vengadores tendrán de nuevo un destacado papel siendo una de la series más esperadas Los Vengadores Secretos de Ed Brubaker y Mike Deodato que parece asumirá el puesto que hasta ahora había ocupado Guerreros Secretos con una plantilla de personajes de más renombre encabezada por un resucitado Steve Rogers que comandará a figuras como Máquina de Guerra, Bestia, Nova, Valkyria o El Caballero Luna. Una evidencia más de que en Marvel nada se crea ni se destruye, simplemente se transforma.


Ver también:
Powers de Brian Michael Bendis y Michael Avon Oeming
Spider-woman de Brian Michael Bendis, Brian Reed y Luna Brothers
Los Nuevos Vengadores de Brian Michael Bendis -El Eterno Crossover Interminable-

Daredevil -Guionistas sin Miedo (I)-
Daredevil -Guionistas sin Mierdo (II)-

Reflexiones y Citas "Extraordinarias"

"Curiosamente Watchmen es un horrible cómic de superhéroes, como cómic de ese género no funciona. Funciona como reflexión metalinguística sobre la influencia del superhéroe en la cultura estadounidense."

Juan José Vargas, autor de Alan Moore: La Autopsia del Héroe

-Alan Moore: La Autopsia del Héroe de Juan José Vargas-

"Alan Moore ha sacrificado al héroe tradicional, resucitando personajes terminales como La Cosa del Pantano o Miracleman, pero al mismo tiempo que resucitaba a estos héroes los mataba para recrearlos."

Alan Moore es, casi por unaminidad, el mejor guionista de cómics de las últimas tres décadas y hoy ya nadie duda de que su trayectoria es una de las más interesantes e influyentes del mundo de la viñeta. Se ha ganado a pulso su título y el reconocimiento general de público y crítica por ser uno de esos genios visionarios capaces de ver más allá y mejor que el resto de sus contemporáneos. Un personaje, excéntrico y en ocasiones polémico, que no tuvo complejos para escribir historias con personajes hiperhormonados y encorsetados en disfraces ridículos como son los superhéroes sabiendo dejar a un lado los tópicos establecidos del género para elevar su mitología y sus aventuras al rango de literatura de culto con obras tan representativas como Miracleman, La Liga de los Caballeros Extraordinarios, La Broma Asesina y, sobre todo, su obra más aplaudida, Watchmen. Pero, más allá de los superhéroes, Alan Moore corroboró que el cómic era una plataforma perfecta para la expresión artística en la que se podían tratar todo tipo de temas creando durante su carrera obras de primer nivel en diversos y variados géneros que van desde la parodia, en sus inicios con The Bojeffries Saga o las más referenciales de los últimos años Tomorrow Stories o Top Ten de la línea America's Best Comics, a la ciencia ficción, con V de Vendetta o sus relatos cortos para 2000 A.D., al tratado histórico cercano a la literatura de terror gótica, a falta de una mejor definición para una obra tan exhaustiva y completa como From Hell, o incluso el cómic erótico que, junto a su esposa Melinda Gebbie, exploró en Lost Girls.

Durante este tiempo mucho se ha dicho y escrito sobre el guionista inglés, al que su nombre se ha asociado siempre con unas cotas de calidad poco accesibles para otros guionistas y artistas, con estudios y aproximaciones a su trabajo bastante interesantes y certeras. A pesar de ello pocas de ellas han sabido analizar la figura del propio creador y el verdadero porqué de su éxito. Y muchas menos han sido traducidas o publicadas en nuestro idioma siendo ahora cuando el mercado ha comenzado a interesarse en la teoría del medio como certifican publicaciones como Del Tebeo al Manga, la colección en doce tomos de Panini sobre la historia del cómic coordinada por Antoni Guiral, o la reciente La Novela Gráfica de Santiago García acompañadas de obras más divulgativas y atípicas como La Física de los Superhéroes del profesor e investigador James Kakalios. En cuanto a nuestro reverenciado guionista hace poco se llenó un hueco en nuestras librerias con el monográfico Alan Moore: La Autopsia del Héroe del profesor, crítico y guionista Juan José Vargas, publicado por Dolmen Editorial en su colección Pretextos, y que se ha vendido como el estudio más completo sobre la obra del mago de Northampton. El libro en cuestión, con una extraordinaria ilustración en su contraportada y solapas donde se incluyen los personajes más emblemáticos de las historias de Alan Moore, contiene un prólogo del director, actor y guionista de cine Nacho Vigalondo donde nos cuenta su experiencia personal cuando en su juventud, como aficionado a los cómics, se acercó a La Cosa del Pantano que en su momento le pareció "una molestia inesperada" y un "desperdicio" carente de acción y como a la larga se acabó convirtiendo en un incondicional de la narrativa del guionista inglés.


Después del simpático prólogo de Nacho Vigalondo encontramos una introducción del mismo Juan José Vargas, titulada De Asesinatos y Autopsias, que supone toda una declaración de intenciones y de esfuerzo para intentar ponernos en antecedentes. Dicho esto, Alan Moore: La Autopsia del Héroe, se centra en el análisis de la obra del autor con algunos breves retazos biográficos para situarnos o, en algunos casos concretos, para hacernos entender el porqué de algunas de las elecciones sobre sus proyectos como los que tienen que ver con su etapa independiente en su editorial Mad Love o su trabajo en V de Vendetta junto a David Lloyd que se vieron en ambos casos definidos por la oposición a la política conservadora del gobierno de Margaret Tatcher en los años ochenta. Juan José Vargas hace un repaso global a toda la producción del guionista inglés desde sus primeros pasos, en donde se incluyen obras de facturación inglesa como El Capitán Britania o La Balada de Halo Jones, pasando por su aventura americana en DC Comics, que nos traería títulos como La Cosa del Pantano, sus historias sobre Superman o, por supuesto, Watchmen junto a Dave Gibbons y sin olvidar, por otro lado, sus publicaciones independientes como From Hell, la inacabada Big Numbers o Un Pequeño Asesinato, o sus "trabajos alimenticios" para Image Comics en series como WildCATS o Supreme o su línea America´s Best Comics donde destacan las conocidas The League of Extraordinary Gentlemen, Tom Strong o Promethea.


Juan José Vargas ofrece algunas interesantes reflexiones centradas en la capacidad de Alan Moore para reinterpretar al héroe contemporáneo y al superhéroe, aunque suelen ser breves y concisas debido al espacio limitado y al intento imposible de abarcar el grueso de la trayectoria del guionista inglés en una única publicación. Destaca también el relato de algunas de las desavenencias de Alan Moore con algunos de sus compañeros con los que ha trabajo en algún momento como ya le ocurrió con el "pseudo-dibujante" Rob Liefeld en su estancia en Image Comics o con Alan Davis con quién gaurda cierta enemistad a raíz de sus posturas diametralmente opuestas respecto a los derechos de publicación del Capitán Britania. Para ser justos no se puede decir que Alan Moore: La Autopsia del Héroe sea la obra definitiva sobre el reputado autor aunque si resulta un estudio bastante completo con un análisis que le va a la zaga, escrito con oficio y sin excesivas cabriolas literarias y conservando en gran medida una independiente objetividad y capacidad crítica sobre el tema tratado. Como Juan José Vargas expresa en el epílogo final lo que más sorprende de todo es que como fans del idolatrado autor británico no podemos por más que aceptar que al igual que nosotros "este hombre es un ser humano". Dicho esto Alan Moore: La Autopsia del Héroe resultará una propuesta interesante y útil "para entendidos y profanos" y puede ser un punto de apoyo para conocer o adentrarse en algunos de los trabajos menos conocidos del gran e indispensable Alan Moore.


Artículos relacionados:
-Especial V de Vendetta-
-Tomorrow Stories de Alan Moore y Amigos-
-La Broma Asesina -La Sonrisa de El Caballero Oscuro-

Ver también:
Declaraciones de Juan José Vargas a RTVE sobre Alan Moore: La Autopsia del Héroe

Cine Om -Kick-Ass: Listo Para Machacar de Matthew Vaughn-

"Sin poderes.
Sin responsabilidades."

La prueba definitiva de que Mark Millar sabe vender una idea es la recién estrenada película Kick-Ass, basada en el cómic del mismo nombre del mencionado guionista escocés y del dibujante marvelita John Romita Jr., cuyos derechos fueron vendidos para adaptarse a la gran pantalla antes de que la historieta siquiera hubiese terminado de publicarse en Estados Unidos. Las beneficiarias del negocio fueron las productoras Marv Films y Plan B Entertainment, del director británico Matthew Vaughn y del actor Brad Pitt respectivamente, dos personajes que se habían conocido ya con anterioridad en Snatch: Cerdos y Diamantes de Guy Ritchie donde el director de Stardust trabajó también de productor. Mark Millar se encuentra encantado con este tipo de situaciones que le permiten codearse con el star system hollywoodense aunque ello suponga pasar por encima de su misma obra, con ya ocurrió con Wanted de Timur Bekmambetov, lo que nos deja la imagen de un guionista sin escrúpulos entregado a la fascinación que el vil metal ejerce sobre él. No parece ser una coincidencia que sus últimas obras parezcan más storyboards de películas por estrenar que cómics al uso siendo Kick-Ass una buena muestra de ello. Un cómic lleno de violencia, palabras obscenas y esa morbosa y gratuita, a menudo vacía, provocación que tanto gusta al guionista de The Ultimates o The Authority. Obras con un planteamiento cinematográfico en su estética y narrativa que dan como resultado un entretenimiento puro y duro de escasas pretensiones y que no lleva a engaño a nadie pues en todo momento ofrece lo que vende.


Kick-Ass, la película, es la historia de Dave Lizewski -interpretado por el casi desconocido Aaron Johnson- un estudiante común y corriente aficionado a los cómics de superhéroes que un buen día decide convertirse en uno de ellos a pesar de no tener superpoderes ni ninguna habilidad especial para combatir el crimen. Después de bautizarse como Kick-Ass el resultado de su primera incursión acabará con él en el hospital a pesar de lo cual no desistirá en su empeño de marcar la diferencia consiguiendo convertirse finalmente en todo un fenómeno en los medios de comunicación y en las redes sociales. Pero todo empezará a torcerse cuando aparezcan en el camino de nuestro aprendiz de héroe algunos imitadores de su trabajo algo más brutales y eficientes que él mismo, Hit Girl -una impresionante y violenta Chloë Moretz- y Big Daddy -un Nicolas Cage divirtiéndose a lo grande emulando a un apócrifo Batman-, que acabarán por arrastrar a Kick-Ass a su lucha personal contra la mafia local liderada por Frank D´Amico -un Mark Strong de nuevo en la piel del villano de turno después de su aparición en el Sherlock Holmes de Guy Ricthie- que intenta controlar los bajos fondos mientras lidia con su papel como marido y como padre de un hijo deseoso de seguir sus pasos -Christopher Mintz-Plasse el ya mítico McLovin de la comedia Supersalidos-. En definitiva una historia "sin responsabilidades" y "sin poderes" como rezan algunos de los pósters publicitarios del estreno de Kick-Ass en nuestro país.

El caso es que Matthew Vaughn ha conseguido con Kick-Ass, acompañada del innecesario subtítulo en España de Listo Para Machacar, una adaptación bastante fiel al material original de Mark Millar y John Romita Jr. y una de las causas para ello podría haber sido, paradójicamente, el haberse desarrollado en paralelo a la publicación del cómic en cuestión. No obstante, son patentes algunos cambios sustanciales en la versión cinematográfica de la historia que, aunque no elude el tono gamberro del original ni hace ascos a embadurnar con litros de sangre la pantalla tampoco llega, ni mucho menos, a los excesos que podemos ver en el cómic. La atmósfera desvergonzada y sátirica que Mark Milar exhibe con orgullo en las viñetas del cómic se presiente en la adaptación de Matthew Vaughn aunque aquí es mucho más condescendiente con el espectador y con los personajes -sólo hay que comparar la relación de Kick-Ass con su interés romántico o con su padre en el cómic y la película- siendo mucho menos explícita en las escenas de sexo y violencia y convirtiendo el metraje casi en una parodia del Spider-man de Sam Raimi -al que se "homenajea" tanto en el cómic como en la película-. No es de extrañar pues que en los últimos días se haya añadido el nombre de Aaron Johnson a la lista de posibles sucesores de Tobey Maguire para encarnar al famoso arácnido de Marvel en el relanzamiento de la franquicia que prepara Sony para los próximos años con Marc Webb el director de la recomendable (500) Días Juntos donde también aparecía Chloë Moretz.


Algunas diferencias más visibles, que entran antes por la retina, son los trajes de los personajes que respecto al cómic han sufrido notables cambios -a excepción del traje de neopreno de Kick-Ass- para, en apariencia, hacerlos más llamativos o en el caso del Big Daddy de Nicolas Cage contentar al actor para poder, al fin, interpretar una versión más pulp y bizarra de famoso cruzado enmascarado. Un personaje, por otro lado, de cuya historia se han eludido sus aspectos más "peliagudos", su identidad real que no es otra que un fanboy de los cómics de superhéroes con algún que otro tornillo suelto que, no obstante, puede ser uno de los aciertos de la película respecto al cómic donde Mark Millar da una visión bastante tópica y cuestionable del lector habitual de cómics. La película también aligera en gran medida su bajaje comiquero, respecto al cómic donde las múltiples referencias y guiños al género buscan la sonrisa cómplice del seguidor, y que no habría funcionado para atraer a un público más generalista. El humor y la parodia se utilizan para quitar trascendencia a las escenas más sangrientas alejando la historia del tono más sobrio y oscuro, que no adulto, de la obra en la que se basa. Y todo ella deriva es un espectáculo que no parece tomarse en serio a sí mismo pero que resulta un efectivo entretenimiento para matar un par de horas de nuestro tiempo. Una historia que, como el cómic, no aporta gran cosa al género de superhéroes ni, por supuesto, al cine contemporáneo, pero que no engaña a nadie y sirve como un honroso complemento a la obra de Mark Millar y John Romita Jr. aunque para algunos, sobre todo si no son muy amantes de los superhéroes, puede ser una auténtica patada en el culo difícil de digerir.


Artículos relacionados:
-Kick-Ass de Mark Millar y John Romita Jr.-

Ver también:
-Kick-Ass en Un Tebeo Con Otro Nombre-

Los Muertos Vivientes de Robert Kirkman,Tony Moore y Charlie Adlard -El Oscuro Retrato del Superviviente-

"¿Cuándo fue la última vez que cualquiera de nosotros DE VERDAD hizo algo para conseguir lo que quería? ¿Cuánto tiempo ha pasado desde que cualquiera de nosotros NECESITÓ algo de lo que QUERÍA? El mundo que conocíamos ya no existe. En cuestión de meses la sociedad se ha desmoronado, sin gobierno, sin supermercados, sin correo, sin televisión por cable. En un mundo gobernado por los muertos, por fin nos vemos obligados a empezar a vivir"

Los Muertos Vivientes es una serie de Image Comics, creada por el guionista Robert Kirkman y el dibujante Tony Moore, que se comenzó a publicar en el año 2003 en Estados Unidos. Posteriormente, después de los primeros siete números, Tony Moore sería sustituido por Charlie Adlard que se convertiría en el dibujante oficial de la serie hasta la actualidad. Planteada como "la película de muertos vivientes sin final" y plasmada en blanco y negro, como homenaje a la seminal La Noche de los Muertos Vivientes de George A. Romero, la historia de Robert Kirkman se ha ganado el reconocimiento de público y crítica con una serie de terror de tintes dramáticos y apocalípticos que, a medida que avanza, se descubre como una interesante reflexión sobre el concepto de humanidad recordando tanto a películas del género como a obras literarias en la línea de clásicos como Soy Leyenda de Richard Matheson o La Carretera de Cormac McCarthy. Esto se debe ante todo a la importancia que el guionista estadounidense otorga a sus personajes, a los que caracteriza de forma magistral, mostrándonos todo un crisol de personalidades y posturas encontradas que traspasan las viñetas del cómic mientras asistimos al largo y duro camino plagado de fatalidades que estos seres deben superar a diario. Lo que ven cada día y viven para contarlo les obliga a cambiar y evolucionar en consonancia al mundo muerto e inhabitable que les rodea.

La historia de Los Muertos Vivientes comienza de forma parecida a la película 28 Días Después de Danny Boyle con Rick Grimes, un honesto e idealista policía de un pequeño pueblo de Kentucky, que despierta en el hospital de la región después de haber sido herido durante el cumplimiento de su deber. Durante días, ingresado e inconsciente, es ajeno a la terrible metaformosis que ha sufrido su antiguo mundo y que pronto comprobará en sus propias carnes. Los muertos caminan por las calles devorando a los vivos y todo es caos y destrucción a su alrededor. Rick Grimes iniciará un viaje a través de tan dantesca realidad para encontrar a su mujer, Lori, y su hijo, Carl, que se vieron obligados a huir dejándole atrás cuando la epidemia comenzó. Después de reunirse con ellos junto a un grupo de supervivientes en Atlanta la cruzada por mantenerse con vida y sobrevivir al holocausto zombie les llevará a formar un grupo de nómadas a la búsqueda de un lugar en el que poder eludir la tragedia y la muerte que les persigue aunque, como pronto descubrirán, en un lugar sin reglas todo puede ir a peor en cualquier momento. La civilización y la sociedad que habían conocido es ahora sólo un recuerdo del pasado que sólo representa un peso en sus almas difícil de sobrellevar. Como reza la contraportada de la edición de Planeta de Agostini de Los Muertos Vivientes "la sociedad se ha desmoronado, sin gobierno, sin supermercados, sin correo, sin televisión por cable" ante lo cual Rick Grimes y el resto de supervivientes se verán "obligados a empezar a vivir".


En nuestro país, de la mano de la mencionada Planeta de Agostini, se han publicado hasta la fecha diez tomos recopilatorios con los primeros sesenta números regulares de la serie que componen los títulos: Días Pasados, Muchos Kilómetros A Las Espaldas, Seguridad Tras Los Barrotes, Lo Que Más Anhelas, La Mejor Defensa, Esta Triste Vida, La Calma Antes De..., Creados Para Sufrir, Aquí Permanecemos y En Lo Que Nos Hemos Convertido. Durante estos casi ocho años la serie ha conseguido mantener la tensión y el interés en una historia que parece ir siempre in crescendo mientras Robert Kirkman, como un cruel y despiadado demiurgo, castiga en cada número a sus creaciones con las más retorcidas y macabras situaciones que es capaz de imaginar. Los personajes no permanecen inalterables a sus designios y reaccionan como verdaderas personas: hundiéndose, renunciando a toda esperanza, entregándose a la depravación y la muerte o, los que menos, intentando preservar su cordura y sus principios. No son los muertos vivientes sus peores enemigos sino ellos mismos, la humanidad herida que se abraza a lo salvaje y a su descarnado instinto de supervivencia, por lo que lo más horrible que les puede suceder no es morir y convertirse en un horrible monstruo putrefacto sino descubrir lo que ocurre cuando alguien esta dispuesto a todo por sobrevivir o pierde la esperanza en el camino. Como apuntaba el propio guionista, originario también de Kentucky, sus "tramas existen gracias a los personajes" y eso es algo innegable que en Los Muertos Vivientes resulta además una máxima llevada hasta el extremo.


El dibujo de Tony Moore en los primeros números de la serie parecía el ideal para la historia con su estilo detallista pero de trazo parco y estilizado por lo que, de primeras, la transición repentina al dibujo más indefinido y oscuro de Charlie Adlard costó de asimilar aunque a estas alturas cueste imaginar la serie en manos de otro dibujante diferente y eso a pesar de que, como apuntan algunos, parece haberse acomodado un poco en su labor en los últimos números. Charlie Adlard, no obstante, se compenetra con la narrativa de Robert Kirkman y sabe estar a la altura tanto en los momentos de más tensión de la serie como en los más íntimos y personales -que suelen ser los más habituales- donde consigue reflejar los sentimientos y las reacciones de los personajes de manera más que certera. Eso ayuda a vislumbrar aún mejor, al repasar los primeros números de la serie, la increíble evolución de los personajes que aún resulta más marcada en su protagonista, un Rick Grimes que asume el liderazgo de un grupo de supervivientes deseoso de poder ayudar a los demás pero al que los continuos golpes, caídas y contrariedades de su nueva vida, normalmente de consecuencias trágicas, le van amargando y endureciendo el carácter y el alma hasta convertirle en una persona totalmente distinta asediada por la locura y el miedo de perder la escasa humanidad que corre por sus venas. Cliff Rathburn, que ya ha trabajo con Robert Kirkman en la también fantástica Invencible, se encarga de los grises de la serie y que complementan a la perfección los lápices y el entintado de Charlie Adlard dándoles mayor profundidad y dejando la sensación de que más que leer un cómic estamos viendo una película clásica de terror de los años sesenta.


Robert Kirkman asegura tener "una historia sólida para los próximos años del cómic" y seguramente piensa seguir castigando a sus personajes hasta lo impensable mientras asistimos a la decadencia y a la prevalencia de los más primarios instintos humanos. Los Muertos Vivientes deja muchas imágenes impactantes para el recuerdo que no son aptas para estómagos sensibles ni para los de moral "excesivamente rigurosa" o de "alma cándida" debido al reflejo oscuro, casi opaco, del ser humano que en sus páginas encontremos. El realismo y el respeto con que Robert Kirkman trata a los personajes y su historia provoca que, como todo buen relato o película sobre muertos vivientes, mantenga un alto nivel metafórico y referencial que resulta en una inquietante tesis sobre nuestro propio mundo y los valores con los que solemos definirnos a nosotros mismos. Actualmente Los Muertos Vivientes se encuentra en proceso de adaptarse como serie de televisión en un proyecto que dirigirá Frank Darabont y en la que colaborara el propio Robert Kirkman guionizando algunos de los capítulos de la misma. Mientras esperamos para comprobar si esta serie hará justicia o no al cómic en que se basa lo que podemos seguir afirmando es que Los Muertos Vivientes de Robert Kirkman y Charlie Adlard sigue manteniendo el mismo nivel que desde sus inicios habiéndose convertido por derecho propio en una de las mejores publicaciones que podemos encontrar actualmente en el mercado. Una obra imprescindible que no debemos dejar pasar y que resulta toda una adicción una vez conocida. Tal vez los muertos nunca se lleguen a levantar de sus tumbas pero si lo llegan a hacer ahora sabemos que no es a ellos a los que tendremos que temer.


Ver también:
Entrevista a Robert Kirkman en Entre Cómics
Los Muertos Vivientes de Robert Kirkman en Zona Negativa
Los Muertos Vivientes en Tengan Mucho Cuidado Ahí Fuera

Artículos relacionados:
-Los Muertos Vivientes: Creados Par Sufrir de Robert Kirkman y Charlie Adlard-

Entre Viñetas -Las Dos Caras del Superhéroe-

"Un mundo sin Superman.
Ese sí que es un desafío para el ingenio humano"

En el año 2008 el guionista de origen escocés Grant Morrison y su compatriota Frank Quitely, cuyo verdadero nombre es Vincent Deighan, daban por concluida All Star Superman, una miniserie de doce números ajena a la continuidad tradicional del Universo DC que ha sido aclamada como una de las mejores historias jamás escritas sobre Superman. Grant Morrison recupera al superhéroe más clásico, el héroe solar primigenio que concibieron en los años cuarenta Jerry Siegel y Joe Schuster, sin olvidar en el camino todas historias que ha vivido el personaje y que han forjado y marcado su leyenda a lo largo de las décadas. El héroe de All Star Superman báscula entre su devoción y confianza en el ser humano y su labor como tutor y protector de la Tierra, como mecenas de la modernidad y símbolo del progreso, que resultan en posturas, aparentemente, incompatibles. La portada del número uno de la serie que Frank Quitely resulta a todo esto un reflejo perfecto de esta dicotomía en la que vemos la figura de Superman, con una mirada cándida y afable, casi paternal, mientras vigila y observa desde las alturas el avance de la civilización a la que ha contribuido a preservar.


En 2006 "les enfants terribles" del cómic estadounidense, el guionista irlandés Garth Ennis y el dibujante estadounidense Darick Robertson, nos daban a conocer una serie muy diferente. The Boys se presentaba como una parodia satírica y tremendamente cínica de los cómics de superhéroes y de la industria. Una obra llena de violencia, sexo, tacos y pólemica de lo más gratuita, con constantes guiños a personajes y series del mainstream superheroico como el propio Superman, Batman, los X-men, Los Vengadores, La Liga de la Justicia y un largo etcétera. En esta historia los superhéroes son de todo menos figuras ejemplares y, al igual que cualquier ser humano corriente, están movidos por la codicia, el poder, las drogas y el sexo. La única diferencia es su coindición suprahumana que les permite creerse por encima del mundo humano por el que no parecen sentir ningún aprecio. En su número treinta y cuatro Darick Robertson nos sorprende con una portada que remite directamente a la realizada por Frank Quitely para el primer número de All Star Superman. El ideal que representaba ese Superman de la serie de Grant Morrison y Frank Quitely aquí se convierte en una aviesa figura, vestida con una ostentosa esvástica en su capa y un corte de pelo militar, que presencia indiferente la destrucción del mundo. Un homenaje lleno de ironía y malas vibraciones.


Ver también:
-All Star Superman de Grant Morrison y Frank Quitely-
-The Boys de Garth Ennis y Darick Robertson-

Cine Om -Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo de Mike Newell-

“Casi todos creen que el tiempo es como un río que fluye seguro y veloz en una sola dirección, pero yo le he visto la cara al tiempo y os puedo asegurar que están equivocados.”

Prince of Persia -Las Arenas del Tiempo-

Prince of Persia es una veterana saga de videojuegos del género de plataformas creada por el programador y diseñador Jordan Mechner que en su debut en 1989 supuso toda una revolución en su momento por su animación fluida y realista. Su éxito propició varias secuelas durante los años noventa obra de las compañias Broderbund y Red Orb Entertainment que conforman la hoy conocida como trilogía original de Prince of Persia. En 2003 la franquicia pasó a manos de Ubisoft que sacó al mercado una nueva entrega de la serie con el subtítulo de Las Arenas del Tiempo que significaba un nuevo inicio para la historia del famoso príncipe sin nombre. El videojuego presentaba cuantiosas novedades conformando un videojuego con una historia llamativa, un aspecto gráfico bastante logrado y una jugabilidad inmejorable. Las Arenas del Tiempo se convertiría en el primer título de una nueva trilogía que completarían El Alma del Guerrero y Las Dos Coronas. Posteriormente, en 2008, Ubisoft quiso darle un nuevo enfoque a la saga con un nuevo título, simplemente conocido como Prince of Persia, independiente a la historia que hasta el momento se había contado en los anteriores juegos y que no convenció a los seguidores de toda la vida. El resultado fue una vuelta a los orígenes con una precuela ambientada entre los dos primeros títulos de la nueva trilogía, Las Arenas Olvidadas, y que hace apenas unos días se puso a la venta en nuestro país coincidiendo con la llegada del príncipe a los cines.

Era cuestión de tiempo que Prince of Persia fuese adaptado a la gran pantalla y la primera piedra para que ello fuese posible se puso en 2004 cuando el productor Jerry Bruckheimer adquirió los derechos del videojuego para realizar una adaptación cinematográfica de Las Arenas del Tiempo con la Walt Disney Pictures como distribuidora. En la dirección Mike Newell, autor de películas tan dispares como Cuatro Bodas y un Funeral, Harry Potter y el Cáliz de Fuego o El Amor en Tiempos del Cólera, con un guión escrito por el mismo Jordan Mechner y reescrito a su vez por Boaz Yakin, Doug Miro y Carlo Bernard. En el reparto Jake Gyllenhaal se encarga de interpretar al sardónico príncipe, en esta ocasión bautizado como Dastan, acompañado por Gemma Artenton, Ben Kingsley y Alfred Molina, entre otros, cuyos papeles han sido convenientemente alterados y remozados en sus nombres -innecesariamente-, orígenes e incluso finalidades en algunos casos. Encargándose de la banda sonora el compositor Harry Gregson-Williams que prueba de nuevo suerte en un film de factura épica después de haber participado en El Reino de los Cielos de Ridley Scott y en las dos películas de la saga de Las Crónicas de Narnia vistas hasta la fecha y dirigidas por Andrew Adamson.


Con este despliege de medios Jerry Bruckheimer y Walt Disney pretenden repetir el éxito de Piratas del Caribe y convertir a Prince of Persia en la nueva franquicia de moda aunque sus expectativas, quizá, sean algo elevadas vistos los resultados. Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo cuenta la historia de Dastan, uno de los hijos del rey Sharaman de Babilonia que siendo huérfano de nacimiento fue adoptado por el regente asombrado por su coraje y valor. Dastan se verá envuelto en una conspiración después de invadir la ciudad sagrada de Alamut junto a sus hermanos putativos y descubrirá el poder milenario de las arenas del tiempo escondido en una poderosa daga. Junto a la princesa y guardiana de los secretos del tiempo, Tamina, con la que establece una difícil relación, Dastan se verá obligado a huir como un traidor después del asesinato de su padre para intentar demostrar su inocencia y salvar el mundo del auténtico enemigo oculto en las sombras. Un argumento que respeta en gran medida la sinopsis del videojuego aunque, sin embargo, abunden cambios realmente sustanciales respecto a este. Se mantienen los elementos más destacados para contar una historia que podría funcionar realmente como una precuela a los videojuegos en que se inspira y que más que emparentada con Piratas del Caribe, bien sea por ambientación o por temática, Prince of Persia recuerda más a películas como La Momia de Stephen Sommers o a La Búsqueda de Jon Turteltaub con alguna pincelada del Aladdín de Walt Disney.

Lo primero que llama la atención de la película de Mike Newell es la fotografía granulosa, casi borrosa en ocasiones, de John Seale que, por momentos, parece demasiado apagada y opaca para el género de aventuras que tiene que seducir a nuestras retinas. Luego descubrimos una acción apresurada, que muchas veces no permite apreciar bien lo que esta sucediendo en pantalla, combinada con el uso de la cámara lenta que en este caso, al contrario que en otras producciones, no llega a molestar ya que no se utiliza de forma pedante ni gratuita sino como un recurso narrativo obligado por la historia que se nos cuenta y también, por otro lado, porque es una de las características habituales de los videojuegos de Prince of Persia donde el tiempo es un personaje más de la función. A esto debemos añadir la factura propia de videojuego de muchas de las escenas de la película, argumentalmente hablando, adornadas con las piruetas calcadas del personaje del videojuego, una gran fidelidad al vestuario y la mitología de la historia y del uso de la perspectiva y el zoom de un modo similar al que se utilizaba para situar al jugador en el entorno del juego. Todo ello con el gran acierto de que no parezcan fuera de lugar ni ajenos a la historia. Teniendo todo esto en cuenta podemos afirmar con rotundidad que, hasta la fecha, Prince of Persia resulta la mejor adaptación que se haya podido hacer de un videojuego después de una larga lista de subproductos que van desde despropósitos en la línea de Super Mario Bros., Street Fighter o Mortal Kombat a una larga lista de películas totalmente prescindibles como Tomb Raider, Silent Hill, Hitman, Max Payne o la saga Resident Evil.


La relación entre los personajes protagonistas, un príncipe interpretado por un Jake Gyllenhaal del que no acaban de aprovechar todo su potencial, y una más que efectiva Gemma Artenton, resulta simpática y entrañable, llena de giros y cambios de rasante, demostrando la química entre ambos actores aunque muchas veces no acompañen los diálogos o la planificación de escenas y el romanticismo épico del videojuego se pierda en parte. Alfred Molina interpreta a un "pequeño empresario" que supone la nota de humor de la película, cruzandose en más de una ocasión con nuestros héroes para al final acabar ayudándoles a derrotar el mal que los acecha. Ben Kingsley, alejado un poco de sus papeles habituales aquí, demuestra sus tablas y su experiencia para dotar de un relativo carisma a un personaje que no deja de ser algo tópico y que, como el resto de actores de la película, parece algo desaprovechado. La música de Harry Gregson-Williams resulta un gran acierto, con melodías de resonancias orientales, que ayudan a ambientar el relato épico y de aventuras que nos están intentado contar. Por lo demás estamos ante una película que nos hará pasar un buen rato, con algunas carencias y defectos que se podrían suplir en una futura secuela, pero que no supone un insulto al espectador como ocurre con muchas producciones de hoy en día. El viaje podría haber sido mejor y peca de exceso de sobriedad en su resultado final, aunque con un ritmo muy bien llevado, al que se agradece su fidelidad y su intención respecto a su referente original. Sólo se hecha en falta una mayor confianza en la historia en donde lo mágico y lo fantástico, tan deudor de Las Mil y Una Noches en Prince of Persia, en ocasiones, se encuentra demasiado supeditado a la rutina del "realismo místico".

Ver también:
-Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo en El Blog del Chacal-
-Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo en Tu Blog de Cine-